Презентация на тему: «Искусство 1.Культура, в широком смысле слова,

1 искусство

2 1.

Культура, в широком смысле слова, — это А)уровень развития общества в определенный момент истории Б)все, что относится к деятельности в сфере искусства В)степень воспитанности определенного человека, коллектива Г)все достижения человечества с момента его возникновения 1. Под культурой в наиболее общем смысле понимается А)уровень развития науки и техники Б)совокупность всех достижений человека В)уровень образованности населения Г)все жанры искусства

3 2. Культура, произведения которой рассчитаны на узкий круг знатоков, называется А) народной Б) массовой В) национальной Г) элитарной 2.

Проявлениями какой формы культуры являются фестиваль некоммерческого кино, серия тематических концертов симфонической музыки? А) массовой Б) народной В) экранной Г) элитарной

4 3. Произведения, создаваемые анонимными творцами, часто не имеющими профессиональной подготовки, относятся к культуре А) экранной Б) народной В) массовой Г) духовной 3. К средствам массовой информации относится А) литература Б) телевидение В) театр Г) киноискусство

5 Завершите фразу. 10. Система взглядов, последовательно отрицающая веру в существование Бога и сверхъестественных сил, — это _____ 10. Средства систематического распространения информации (через печать, радио, телевидение, кино, компьютерные сети, звукозапись, видеозапись и др.) называются средствами ______.

6 Установите соответствие 1)Приобретение знаний путем самостоятельных занятий, без помощи преподавателей 2)Претворение в жизнь значимых для человека целей, планов 3)Познание личностью себя, своего Я А) самообразование Б)самопознание В) самореализация

7 искусство Художественное творчество в целом Только изобразительное искусство мастерство

8 Виды искусства Живопись Вид искусства, произведения которого создаются с помощью красок Венецианов А.

Г. На Пашне. Весна.

9 Виды искусства Скульптура Вид искусства, произведения которого имеют объемную, трехмерную форму и выполняются их твердых или пластических материалов Диана-охотница

10 Виды искусства Архитектура Здания и другие сооружения, эстетически формирует окружение человека Дворец малых Трианон в Версале

11 Виды искусства Литература Произведения письменности, имеющие общественное значение; хранит, накапливает и передает эстетические, нравственные идеалы определенных классов.

12 Музыка Вид искусства, отражающий действительность в звуковых художественных образах

13 Кино Вид искусства, произведения которого создаются с помощью киносъемки реальных, специально инсценированных событий

14 Это интересно Экранизации произведений известных писателей Чехов – 146 Пушкин – 89 Гоголь – 68 Достоевский – 46 Толстой — 44

15 Виды искусства Танец Вид искусства, в котором основное средство создания художественного образа – движение и положение тела танцовщика

16 Виды искусства Театр Вид искусства, специфическим средством выражения которого является сценическое действие, возникающее в процессе игры актера перед публикой

17 Это интересно Самые длинные спектакли «Вишневый сад» Някрошюс (6,5 часов) «Идиот» 10 часов 30 минут С. Женовач (3 вечера по 3 часа 30 минут) «Блумсдей» Васильев (24 часа) «АиФ», 2003 г.

18 Функции Воспитательная Познавательная Коммуникативная Гедонистическая

Справочник терминов современного искусства от куратора «Закрытой рыбной выставки»

T

КУЛЬТУРА•ИСКУССТВО

справочник

современного искусства

Текст: Дмитрий Хворостов

Как назвать выставку, которая является целостным произведением искусства? Чем отличается выставка, которую курируют художники? И еще 10 терминов в области современного искусства.

Про «Закрытую рыбную выставку» в Центре Вознесенского (спецпроект Московской молодежной биеннале) рассказывать непросто. Этот проект — реконструкция важной для российского современного искусства «Закрытой рыбной выставки» Игоря Макаревича и Елены Елагиной 1990 года. А она, в свою очередь, была реконструкцией знаменитой астраханской «Закрытой рыбной выставки» 1935 года, объединившей работы соцреалистических художников на тему рыбной промышленности. В современной выставке в Центре Вознесенского приняло участие 20 молодых художников института «База» , которые исследовали оба проекта, — и произведения искусства, которые они создали, основаны на исследовании и истории. Куратор выставки Дмитрий Хворостов и автор идеи Ян Гинзбург перечислили The Blueprint список понятий и терминов, без которых будет непросто понять «Рыбную выставку» — как в принципе и большинство проектов в области современного искусства.

Выставка как медиум. Некоторые выставки можно рассматривать как самостоятельный жанр искусства — такой же, как живопись, скульптура или графика. Хорошим примером тут становится творчество Роберта Смитсона — ленд-артиста, который пространство выставки представлял как единое высказывание.

Роберт Смитсон, 2004 

Музей Современного Искусства 

MOCA Grand Avenue в Лос-Анджелесе, 

фото: Brian Forrest

«Закрытая рыбная выставка», Центр Вознесенского

Реди-мейд — один из самых важных терминов. Помните работу Марселя Дюшана «Фонтан» — это и есть первый в истории искусства реди-мейд. Художник берет бытовой предмет и, показывая его в музее или галерее, встраивает его в поле искусства.

Марсель Дюшан, «Фонтан»

Ян Гинзбург, «Приемный мотор в море»

Хистори-мейд. Этот термин появился несколько лет назад в российском художественном контексте. Его придумал художник Анатолий Осмоловский, он описал этим термином один из элементов, на котором строится искусство другого художника, Яна Гинзбурга. Последний использует в своих работах исторические предметы, фрагменты другого искусства либо чужое искусство тоже как элемент своего произведения, то есть он встраивает чужие работы в тело своих произведений либо частично, либо полностью вставляет как объект. Какой здесь механизм создания произведения? Он берет уже принадлежащий истории искусства объект полностью или его часть и дает ему иное описание — в соответствии со своими фантазиями художника.

Работы Яна Гинзбурга

Художник как куратор. Обычно выставку создает куратор. Его задача — показать некоторую объективную реальность. Например, он показывает срез работ других художников, их общие темы и методы, должен убедить зрителей в том, что у этих художников как раз есть что-то общее — и вот это и есть объективная реальность. Но иногда выставку курирует художник — и в этом случае всю выставку стоит рассматривать как его художественное произведение — как, например, картину или скульптуру. Такая выставка не имеет задачи показать объективную реальность, она более субъективна, она преследует интересы самого художника и раскрывает важные для него темы, транслирует его представления о прекрасном.

Реконструкция — воссоздание художественной работы или целого проекта. Можно вспомнить несколько примеров. Куратор галереи XL Елена Селина сделала в фонде «Екатерина» выставку «Реконструкция». Эта выставка реконструировала российское искусство 1990-х и 2000-х. Залы фонда воспроизводили галереи, которые существовали в России в 1990-х годах. На выставке были представлены главные герои того времени: либо реальными работами, либо их документацией. Другой пример реконструкции в мире искусства — работы Ричарда Гамильтона, который сделал несколько точных копий произведений Марселя Дюшана для его ретроспективной выставки в Лондоне. Одну из работ Дюшана было невозможно привезти на выставку, поэтому Ричард Гамильтон сделал точную копию этой работы и провел огромное исследование каждого ее момента, он решил разобраться во всех текстах, документах, которые были связаны с этой работой, и, таким образом, создал реконструкцию не только самой работы, но и смыслов, которые за ней стоят. Получается, что есть несколько ступеней реконструкции: можно воспроизвести формальную сторону работы, то есть ее внешний вид, можно — концептуальную, то есть смыслы, которые за ней стоят, а можно попытаться ее «оживить», продлить дальше, добавить к ней новых смыслов, которые свяжут ее с современностью.

Ричард Гамильтон, копия произведения Марселя Дюшана

Работы Елены Селиной на выставке «Реконструкция» в Фонде Екатерины 

Экспонатизм — это термин, который предложил художник Андрей Монастырский как раз относительно той самой выставки-реконструкции Елагиной и Макаревича. В самом широком смысле этим термином называется художественный прием, когда художник в свою выставку включает реальные музейные экспонаты либо делает их симуляцию.

Вернисаж в музее МАНИ, архив Елены Елагиной и Игоря Макаревича, 1990 

Политика эстетики. Чтобы понимать современное искусство, нужно понимать и некоторые политические проблемы его производства. Современное искусство нельзя воспринимать в отрыве от различных политических дискурсов, идеологий и так далее. И современное искусство может к этим политическим системам обращаться, обыгрывать их, а может, их разделяя, создавать принципиально новые подходы. Например, либеральные модели современного искусства строятся на идее освобождения, избавления от недоразумений и предрассудков прошлого. Есть левые эстетики, в которых создаются новые модели коммуникации и новые агентности: когда на выставке, например, художник кормит зрителей едой. Активизм относится тоже к левой политической эстетике. Есть еще так называемые правые эстетики, или коммерческие, или салонные. Этот термин обычно сейчас употребляется негативно: такое искусство, которое в общем-то не особо и стремится к каким-то изменениям в обществе и просто существует как предмет роскоши, украшение.

Research-based art. В самом широком смысле это искусство, которое основано на исследовании. Например, художественные практики, в которых мы обнаруживаем наглядно присутствие рассказов о том, как проходило исследование, каких-то архивных данных. Мы видим в произведении искусства, что происходил какой-то анализ. Это может быть иногда очевидно: прямо в скульптуре или в каком-то объекте — мы видим составные части, которые представляют из себя результаты либо промежуточные этапы исследований. Исследование в самом широком смысле — работа с материалами, с архивом, работа с философией, с концептами, проработка различных тем. Исследование может быть и субъективным — просто некоторое художественное исследование, которое проводит художник, например, делая этюды и наблюдая за состоянием света. В широком смысле research-based art — это вообще любое хорошее искусство, не побоюсь этого слова, потому что так или иначе оно должно быть связано с исследованием.

Проблема антропоцена и экологии. Это суперважная тема, она идет магистральной линией сейчас в искусстве и культурном производстве. Она — часть политической эстетики. Человек, его влияние на мир (антропоцен — это геологическая эра Земли, в которой на геологию планеты сильно влияет человек) — центральная проблема сегодняшних философских рассуждений, проблема того ужасающего следа, который оставляет человек на планете и в культуре, в цивилизации в целом. Часть этой линии — образ человека в культуре и искусстве. Иногда этот подход реализуется очень узко: искусство становится формой иллюстрации экологических проблем.

Фрагмент инсталляции Дмитрия Хворостова, «Натюрморт. Рыба»

Произведение искусства. Что такое произведение искусства? Это такой объект, который называет себя произведением искусства. То есть, условно говоря, любая вещь, действие или слово, которое показывают в музее и галерее среди произведений искусства, будет произведением искусства.

Зритель. Зачем он нужен в искусстве? Зритель — это активный участник производства искусства, без которого произведение не может состояться. Дюшан говорит, что зритель, который встречается с произведением искусства, дополняет его, завершает своими интерпретациями, своим откликом, фидбэком. И произведение искусства существует только тогда, когда возникает отклик от зрителя, который на него смотрит или думает о нем. Зритель — это струна, которая звенит, когда встречается с произведением искусства. Очень важно, что некоторые работы остаются у зрителя в памяти, оставляют впечатления. Это очень важно — это и есть работа искусства, его такой странный смысл. Озадачивать, мучить, оседать и тревожить человека. Таким образом проявляется красота.

«Закрытая рыбная выставка», Центр Вознесенского

Нарратив. Если произведение искусства построено на исследовании, то оно представляет из себя рассказ — последовательность каких-то процедур, логических, концептуальных, соблюдение которых приводит в результате к произведению искусства. Рядом с произведением искусства или через него, когда ты слушаешь экскурсовода или изучаешь сам его описание, ты узнаешь какую-то историю. Очень часто выставки построены как некий рассказ, они все погружают зрителя в какой-то сюжет и его аккуратно разворачивают.

{«width»:1200,»column_width»:120,»columns_n»:10,»gutter»:0,»line»:40}false7671300falsetruetrue{«mode»:»page»,»transition_type»:»slide»,»transition_direction»:»horizontal»,»transition_look»:»belt»,»slides_form»:{}}{«css»:».editor {font-family: tautz; font-size: 16px; font-weight: 400; line-height: 21px;}»}

4.5. Искусство – SOOCIETY

Самоучитель по обществознанию — Духовная жизнь общества

Искусство — это разновидность духовной деятельности людей, вид духовного освоения действительности человеком, имеющий целью формирование и развитие его способности творчески преобразовывать окружающий мир и самого себя по законам красоты и гармонии. В отличие от других сфер общественной деятельности (науки, политики и т.д.) искусство удовлетворяет потребность человека в восприятии окружающей действительности в развитых формах человеческой чувственности. Речь идет о специфической человеческой способности эстетического восприятия явлений, фактов, событий объективного мира, предполагающей развитое творческое воображение.

Понятие «искусство» имеет несколько значений. В широком смысле это совокупность всех разновидностей художественного творчества — литературы, скульптуры, театра, кино и др. В узком смысле это только изобразительное искусство. Кроме того, искусством называют высшую степень мастерства в какой-либо сфере Деятельности.

Решающую роль в возникновении и развитии искусства сыграл труд. Исторически искусство развивается как система конкретных видов искусства (музыки, литературы, архитектуры, изобразительного искусства и др.), в которых многообразие реального мира предстает во всем своем богатстве. Произведения искусства формируют человека, понимающего искусство и способного наслаждаться красотой. Благодаря многообразию своей видовой сущности искусство объединяет в себе все те формы общественной деятельности и познания, где проявляется отношение индивида к действительности и к самому себе. Именно этим определяется специфика искусства, его уникальность как особого способа духовного производства. Поскольку искусство включает в себя отражение всех форм социальной деятельности, сфера его воздействия на жизнь практически безгранична. В связи с этим искусство приобретает социальный характер.

В XIX в. возникали попытки создания «чистого искусства», «искусства для искусства», которое должно было быть самоценным, автономным, независимым от общественной жизни, морали, науки и политики. Идеологи этой концепции полагали, будто только в сфере «чистого искусства» возможна личная независимость художника и свобода художественного творчества. На деле искусство не может не отражать реальный окружающий мир и возникающие в нем отношения.

Вопрос, что такое искусство, до сих пор остается предметом споров между материалистами и идеалистами. Материализм рассматривает искусство как отражение реальной действительности и видит именно в общественной жизни тот объективный источник, который внутренне связывает и обусловливает взаимодействие искусства с политикой, наукой, моралью и т. п. Идеалисты пытаются показать искусство в отрыве от практической деятельности.

Искусство — это особая форма общественного сознания. С этой точки зрения можно дать объяснение роли искусства в развитии общечеловеческой культуры. Основой искусства служит художественный образ — чувственное воссоздание действительности на основе субъективной позиции автора. Обладая, по словам Гегеля, способностью «менять нашу точку зрения на предмет», искусство силой творческого воображения преображает мир в представлении, делая это свободно, т.е. по законам красоты. Процесс свободного формирования предметного мира в сфере художественного творчества происходит с позиций определенного эстетического идеала и завершается созданием произведений или образов искусства.

Благодаря целостному, всеобщему характеру отражения предметов и явлений окружающего мира искусство воздействует одновременно на чувства, мысли и волю людей, пробуждая и развивая в них творческое отношение к действительности. Развитие и сила социального воздействия искусства зависят от условий жизни общества, которые могут быть более или менее благоприятными для творческой деятельности человека.

Изучением искусства занимается искусствознание — совокупность наук, исследующих социально-эстетическую сущность искусства, его происхождение и закономерности развития, особенности и содержание видового расчленения искусства, природу художественного творчества, место искусства в социальной и духовной жизни общества. Современное искусствознание исследует искусство в контексте духовной культуры.

Структура искусствознания отличается комплексностью и проявляется в следующем:

Во-первых, искусствознание разделяется на общее и частное соответственно членению самого искусства на различные виды художественного творчества. Как система частных наук об отдельных видах искусства искусствознание включает в себя литературоведение, театроведение, музыкознание, архитектуроведение, искусствоведение (наука об изобразительных искусствах), киноведение и т. д. Каждая из этих частных наук имеет относительно самостоятельный характер и в то же время входит в качестве составной части в общую структуру искусства как системы целостного знания о художественном творчестве.

Во-вторых, в наиболее общем виде искусствознание представляет собой совокупность трех дисциплин: истории искусства, теории искусства, художественной критики. Соответственно частные науки об искусстве включают в себя аналогичные дисциплины: театроведение — историю театра, теорию театра, театральную критику; музыкознание — историю музыки, теорию музыки, музыкальную критику и т.д.

Общей теорией искусства выступает эстетика (от греческого aisthetikos — чувствующий) —наука о сущности и закономерностях творческого освоения действительности по законам красоты. Эстетика представляет теоретическую основу по отношению к частным искусствоведческим наукам.

Распространение средств массовой коммуникации — периодической печати, звукозаписи, кино, радио, телевидения и других — существенно изменило художественную жизнь общества в XX в. Эти средства позволили приобщить к достижениям мировой культуры широкие слои населения, которые ранее практически не имели доступа к художественным ценностям. При этом в процессе полиграфического, звукового или экранного тиражирования произведения традиционных видов искусства (в первую очередь живописи, скульптуры, театра) претерпевали существенные изменения, теряя ряд своих свойств, таких как уникальность рукотворного творения, прямой контакт между актерами и аудиторией в театре и т.д.

Определенную роль играет взаимосвязь искусства и морали. Искусство и мораль — это две формы общественного сознания и духовно-практической деятельности человека, тесно связанные и взаимодействующие друг с другом.

В истории искусства существовали два подхода к проблеме взаимоотношения искусства и морали:

1) моралистический, утверждавший единство искусства и морали и подчинение художественного творчества нравственным целям и задачам;

2) имморалистический,построенный на противопоставлении морали и искусства, оправдании аморальных тенденций в искусстве.

Взаимосвязь искусства и морали надо искать в контексте общих морально-этических проблем: добра и зла, интереса и долга, смысла жизни, счастья, любви и т.д. Мораль устанавливает нормы поведения, а искусство решает эти проблемы в художественной форме и художественными средствами.

Искусство отражает реальный моральный опыт, утверждает нравственный идеал общества, заглядывая далеко вперед, проверяя действительное содержание и жизненную силу действующей морали. Выражая стремление к высокой человечности, потребность человека во всестороннем раскрытии своих творческих сил и возможностей, искусство, подобно морали, своими средствами выполняет и прогностическую функцию. Силу нравственного воздействия искусства не следует ни преувеличивать, ни преуменьшать. Оно не обладает способностью, как отмечал Аристотель, превращать злого человека в доброго. Для восприятия искусства нужно, чтобы человек был уже в какой-то степени готов достойно оценить моральный образ мыслей героев произведений, нравственную направленность их поступков. Не учитывая этого обстоятельства, иногда неправомерно возлагают на искусство всю ответственность за «падение нравов», тогда как такую ответственность надо возлагать на социальную действительность.

Моральное воздействие искусства на людей может осуществляться примером нравственного поведения героя произведения или силой вызываемого художественным произведением эстетического переживания, побуждающих личность к размышлению. Сила нравственного воздействия искусства не исчезает с прекращением непосредственного контакта с произведением, а, напротив, только начинается, уходя в глубь сознания человека, где незаметно для него затрагивает все сферы жизнедеятельности, влияя на мотивы, стимулы, ценностные установки и в результате — на поведение, человеческую личность в целом.

Тесная взаимосвязь существует и между искусством и религией. Для религии характерна вера в сверхъестественные объекты, почитание их, поклонение им. развитая система культовых действий. В искусстве важно отображение реальной действительности в художественных образах. Тесная взаимосвязь искусства и религии объясняется наличием в них целого ряда общих черт. Искусство и религия выражают ценностное отношение человека к действительности. Они чаше опираются на противоречащие формальной логике представления, на образно-символическое мышление, чем на понятийное. Отсюда — их обращение к чувственно-эмоциональной, не сознательной, стороне психики человека.

Эмоциональное возбуждение, духовное переживание сопровождают и восприятие произведения искусства, и религиозные ритуалы, только в первом случае они значимы сами по себе, а во втором — осмысливаются как формы общения со сверхъестественным миром. В связи с этим художественные и религиозные элементы были тесно переплетены в структуре древнего мифологического сознания. В первобытно-общинный период развития общества искусство еще не было самостоятельным и выполняло прикладные функции в рамках первобытных культов и ритуалов. Религиозный ритуал строился на художественно-эстетической основе, сопровождался плясками, пением, музыкой, содержал элементы театральности. Художественные элементы ритуала воспринимались как действие сверхъестественных сил на человека, как духовный контакт с объектом поклонения. Такие же отношения перешли в религии древних цивилизаций.

С возникновением мировых религий отношения между искусством и религией стали развиваться сложно и противоречиво. Все явления культуры и искусства стали оцениваться с позиции той или иной религии. Все, что соответствовало религиозным нормам или могло быть использовано для их поддержания и распространения, принималось, а остальное, как правило, отрицалось. Так, в исламе долгое время запрещалось изображать людей и животных, что существенно затормозило развитие изобразительного искусства в исламском мире. Раннее христианство отрицательно относилось практически ко всем видам искусства, так как усматривало в них связь с языческими культами. Однако уже с IV—V вв. пение, ораторское искусство, декоративно-прикладное искусство, живопись начали проникать в христианский культ, а несколько позже и христианские идеологи признали необходимость активного использования искусства в религиозных целях. В Византии, например, церковное богослужение представляло собой целостное художественное действо, в которое включались архитектура, живопись, декоративные и песенно-поэтические искусства, ораторское искусство, хореография, светоцветовая и даже обонятельная атмосфера в храме.

Средневековые христианские идеологи ориентировали искусство на выражение религиозного мировоззрения и связанной с ним морали, стремились сосредоточить творческий потенциал искусства на основных духовных идеалах своего времени. В результате возрос интерес искусства к сфере идеального, оно достигло высокого уровня художественного выражения общечеловеческих Духовных ценностей. Шедевры византийской и древнерусской живописи и архитектуры, готические храмы, средневековая музыкальная и певческая культура поражают своей художественной силой и духовной глубиной даже далекого от религии человека XXI в. Однако религиозное искусство было в значительной мере обособлено от конкретной социально-исторической действительности, от повседневной жизни народа. Это было искусство вневременных духовных идеалов. Церковь часто активно боролась с внецерковными, светскими, развлекательными видами и жанрами искусства. Христианство, например, долгое время запрещало театральные представления, постоянным гонениям подвергало традиционную народную культуру (в России это коснулось скоморошества).

Важным регулятором взаимоотношений искусства и религии был канон. Практически все культовое искусство было канонизированным, т.е. введенным в определенные исторически сложившиеся и закрепленные церковными установлениями строгие рамки. Они существенно ограничивали художественное творчество не только на содержательном, но и на формальном уровне. Свою творческую индивидуальность средневековый художник часто мог проявить только в сфере чисто выразительных средств (цвета, линии, музыкальной интонации и т.п.). Но здесь он нередко достигал удивительных высот.

Начавшаяся в период Возрождения секуляризация (отделение от церкви и религии) культуры разделила искусство и религию. Новый этап сближения наметился в XX в. Кризис религиозного сознания заставил церковь искать поддержку у искусства, использовать для своих целей его новейшие виды и направления (кино, видео- и звукозапись, электронную музыку).

Многие виды искусства, особенно в настоящее время, требуют определенных технических средств, совершенствующихся по мере развития общества. Это касается музыки, кино и др.Искусство и техника взаимосвязаны так же, как и материальная и духовная культура общества. С развитием техники меняются образный строй и материальные возможности архитектуры, пластических искусств, музыки и т.д. Появившееся в ходе научно-технической революции новые виды и разновидности искусства — фотоискусство, кино, телевидение, электронная музыка и другие — обогатили и усложнили эмоциональный мир человека. Техническое накопление фактов, их систематизация и обработка с помощью компьютерных технологий, возможность репродуцирования множества произведений искусства полиграфически, в звуко- и видеозаписях активно воздействуют на структуру и развитие художественной культуры в целом, повышают критерии социально-эстетической значимости репродуцируемых произведений искусства, эстетических идеалов и вкуса народа.

Термин «техника», нередко применяемый для характеристики навыков, приемов в различных видах человеческой деятельности, может выступать и как личное умение, мастерство авторов и исполнителей произведений искусства. Так, мы говорим о технике живописи, исполнительского искусства музыканта, актера, танцора и т. д. В то же время как высокая степень мастерства искусством в широком смысле слова может называться совершенное техническое исполнение спортивного выступления, производственного задания и т.д. В связи с этим можно сделать вывод, что искусство и труд — это две стороны единой материально-практической и духовной деятельности людей. Труд включает в себя и творческую деятельность в искусстве, которое своим происхождением обязано трудовой, созидательной деятельности людей. Первые человеческие постройки, одежда, утварь, орудия труда, став неотъемлемой частью материальной культуры, являются также и древними памятниками искусства, воплотившими эстетические представления людей. Опираясь на ритмы труда, возникли первые музыкальные и хореографические произведения. Изображения животного и растительного мира, создававшиеся первобытными людьми для магических целей, для организации коллективных действий в охоте, земледелии, несли художественное содержание, присущее искусству.

В свою очередь развитие искусства вызывает к жизни целые отрасли производства и обслуживающей его трудовой деятельности, как это видно на примерах (строительства театров и кинотеатров, музеев, библиотек, развития полиграфического производства, кино- и фототехники, создания музыкальных инструментов, совершенствования телевидения и радиовещания и т.д.).

Вопросы и задания

1. Что такое искусство? Чем оно отличается от других видов деятельности человека?

2. Как возникло искусство? Какую роль в этом сыграл труд?

3. Какие виды искусства вы знаете? Какие из них преобладают в наше время?

4. В чем проявляется социальный характер искусства? Почему несостоятельными оказались попытки создания «чистого искусства»?

5. В чем различие взглядов на искусство материалистов и идеалистов?

6. Что такое художественный образ? Как он может воздействовать на людей?

7. Что выступает предметом исследования искусствознания? Какова структура искусствознания?

8. В чем состоит взаимосвязь искусства и массовой коммуникации в современную эпоху?

9. Чем искусство связано с моралью?

10. В чем состоит взаимосвязь искусства и религии? Как развивались их отношения в истории человечества?

11. Прочитайте высказывание Л.Фейербаха. В чем он видит различие искусства и религии: «…искусство не выдает свои создания за нечто другое, чем они есть на самом деле, т.е. другое, чем создания искусства; религия же выдает свои вымышленные существа за существа действительные».

12. В чем состоят особенности развития современного искусства? Ка кую роль в этом процессе играют технические средства?

4.6. Образование →

← 4.4. Религия

Мир искусства, в узком смысле слова. Зимнее солнце

Мир искусства, в узком смысле слова

«Искусство», в узком смысле слова, это архитектура, живопись, скульптура и совокупность прикладных искусств, — которые можно называть и декоративными, как их называют французы. Архитектуру, правда, не всегда и не повсюду объемлет это олово. Не всякая архитектура — искусство. Это стало особенно ясно за последние двести лет; но простейшие виды построек и прежде к архитектуре не причислялись. Зато архитектура как искусство, архитектурное иокусство, играло и в прежние времена очень большую роль, и вообще, и в отношении к другим искусствам. Архитектура их в себе объединяла и нми руководила, даже когда они внешне отделялись от нее. Ею всего очевидней и могущественней осуществлялся тот стиль. который осуществляли все другие искусства, — как прикладные, так и те, что всегда обладали большей самостоятельностью. Но к началу прошлого века и живопись ос скульптурой, и прикладные нокусотва, совсем от архитектуры отделились, даже и стилистически, по той простой причине, что архитектура и сама лишнлжеь стиля. Но, конечно, в миое искусства, в представлениях людей, к искусству причастных, сна продолжала быть искусством — если не новая, то старая, — и проснувшиеся мои соотечественники проснулись и для нее, как и для прочих всех искусотв. Но первенствующую роль в пробуждении этом сыграли, на первых порах, не эти прочие, не поззня, даже, среди них, а искусство, в узком смысле олова. Перемены, обозначившиеся в ием, оказали влияние и на многие другие перемены в области театра, например, где «постановка», и в частности вся зрительная ее сторона, изменилась решительней, чем драматургия. Да и внимание, живой интерес к искусству, возрос быстрей, чем такой же интерес к стихам или музыке, об остальном и не говоря. Музыку и прежде любили; почитывали и стихи (пусть и окверные), а интерес к искусству был слаб; интересовались им лишь со стороны сюжета, что так же, но еще очевидней зачеркивает искусство, как интерес к одним эстетически оцениваемым его качествам (даже когда вся эстетика сводится к требованию неожиданности и новизны).

До этого, однако, к началу деоятых годов, дело еще не дошло. Борьба шла между старым и новым, как она идет всегда, хоть и на много живей, чем в предыдущие годы; но, вопервых, младшие со старшими сражались теперь, добиваясь новой оценки не только новизны, но и старины; а во–вторых, темы, сюжеты, предметы искусства — не старого, несомненного, но ооминтельиого вчерашнего — отвергались молодыми, не ради чнотой их отмены, а ради их замены другими темами, предметами и сюжетами. Оба эти стремления опять?таки оказались в искусстве даже и отчетливей, чем в литературе, не говоря уже о музыка, где сюжеты или предметы большой роли не играют (хотя, чтобы они никакой роли не играли, о музыке, и оообеино о русской, оказать все?таки нельзя). И тут усилился иитерео к старинной музыке (до середины IVIII?ro века), и в литературе к дс–романтнческим формам или жанрам; но в искусстве этот интерес к прошлому — к далекому или сравнительно далекому прошлому — сказался еще шире и острей.

Уже для журнала «Мир Иокусства», всего яоией отразившего начало перемен, было характерно, что он стариной интересовался столько же, сколько ж новизной, и что к последним двум его годам, искусство, в узком смысле олова, отало в нем явно над воем прочим преобладать. Но любопытно, что позже то же самое произошло и о журналом «Аполлон», выходившим в Петербурге о 1909–го до 1917–го года. В девятом и деоятом году литература занимала в нем большое место, о 1911–г вытеоннда ее живопиоь. Количество воспроизведений значительно увеличилось, качество их улучшилось. Иностранным художникам, французским прежде всего, уделялось столько же, если не больше внимания, чем русским. Преобладало искусство современное, но говорилось миого и о несовременном, если редакция своевременным считала о нем заговорить. Я впервые, читая «Аполлон», познакомился, в юноотн, о двумя отародавиими живописцами, не представленными в Эрмитаже, Иеронимом Боохом и Вермером. Подписался я на журнал как раз в 1911–ом году, когда не исполнилось мие еще шестнадцати лет. Обложка, по рисуику Добужинокого, в которой ои о этого года выходил, каждый месяц меняла цвет, и каждый месяц по–новому меня пленяла. Перелистывал я его, картинки разглядывал, да и текст, разумеется, читал о жадностью, и — что греха таить с тайной некоторой гордостью: вот, мол, какой я культурный молодей человек; не вое мон школьные товарищи «Аполлон» читают; не вое искусством интересуются; не все знают кто такой Иеронин Боох, или кто такой Сезанн. Если это называть снобизмом, значит, я был снобом. Но и теперь, через шестьдесят лет, думаю, что без снобизма этого рола никакая культура в обществе (все равно русском или нерусском), какое существовало тогда, и, при воех переменах, продолжает существовать теперь, попросту невозможна.

Кой отец ничего о Иерониме Босхе не знал, о существовании журнала «Аполлон», до того, как я попрооил денег, чтобы подписаться иа него, не слыхал, но деньги дал, и когда только что пришедший январский номер я в его кабинете разглядывал, сам перелистнуть его не захотел, но глядел на меня с ласковой, отнюдь не желавшей охладить мой жар, улыбкой. Даже не с моей точки зрения, а со стороны глядя, был он прав И никогда не осуждал я его за то, что он сам «Аполлоном» не заинтересовался. Благодарность к нему чувствовал, которую ощущаю и сейчас. Когда он был молод, в Рооони ничего похожего — даже по внешности — на «Аполлон», на «Старые годы», иа «Золотое руно» (выходившие до «Аполлона» в Москве), на такие чисто литературные журналы, как «Весы» (тогда же выходившие, но раньше начавшиеся, там же) вовсе не было. Скорей уж приближалось к ним кое?что в далекие пушкинские времена. Нынче же, в девятьсот одиннадцатом году, было и без меня много в России гимназистов, и тем более студентов, которые, вовсе не готовясь сами стать живописцами (быть может, как я, не умея вовсе и рисовать), проявляли к живописи и к искусству вообще, горячий интерес, посещали выставки и музеи, читали тот же «Аполлон», рукоплескали в театре декорациям, порой и до того, как актеры выходили на оцеиу. Его пращура, журнала «Мир Искусства» давно не было. Но сами?то мы начали жить в мире нскусотва, как отцы наши в нем не жилж: целой значительной частью нашего существа.

Глава 5. Об узком пути

Глава 5. Об узком пути Входите тесными вратами, потому что широки врата и пространен путь, ведущие в погибель, и многие идут ими; потому что тесны врата и узок путь, ведущие в жизнь, и немногие находят их, – говорит Христос. (Мф. 7:13-14) В мире будете иметь скорбь, – говорит

О смысле страдания

О смысле страдания 1Мы окружены страданием. Со всех сторон, отовсюду врываются резкие ноты страдания в нашу жизнь. Ежедневная газета приносит сообщения о страданиях — странных, ненужных, казалось бы, ужасных: разбился самолёт, с ним столько–то пассажиров; столько–то

О смысле культуры

О смысле культуры Проходит, уничтожается, следа не остается. На месте великолепных зданий — груды мусора или, в лучшем случае, несколько каменных обломков. И чувства проходят, которые переживались людьми, вместе с этими людьми. И заветы, и думы, и традиции их проходят.

Поучение 1-е. Преп. Марк Афинский (О путях жизни – широком, ведущем в ад, и узком, ведущем в жизнь вечную)

Поучение 1-е. Преп. Марк Афинский (О путях жизни – широком, ведущем в ад, и узком, ведущем в жизнь вечную) I. Св. преп. Марк Афинский, память коего совершается ныне, был чудный подвижник. Он подвизался в пустыне Ливийской, на горе Фраческой. Вот как сам он рассказывал о своей

О смысле жизни

О смысле жизни Задача нашей жизни – соединиться с Богом, а грех совершенно препятствует этому; поэтому бегайте греха, как страшного врага, как убийцы души, потому что без Бога – смерть, не жизнь. Поймем же свое назначение, будем помнить непрестанно, что общий Владыка зовет

О смысле стихов[213]

О смысле стихов[213] 1«Я вас любил. Быть может в моей душе любовь еще не совсем угасла, но пусть она больше не тревожит вас; я не хочу ничем вас печалить. Я любил вас безмолвно, безнадежно, то робостью томим, то ревностью. Я так искренно, так нежно вас любил, как дай вам Бог быть

О СМЫСЛЕ СКОРБЕЙ

О СМЫСЛЕ СКОРБЕЙ Живая вера в Бога предлагает ценности, которые подчас смущают человека, привыкшего считать здоровье и благополучие высшими ценностями жизни. И к Богу, когда что-то случается, такой человек спешит, чтобы исцелиться и снова вернуться к своим делам и грехам.

1. Сребролюбие в собственном смысле

1. Сребролюбие в собственном смысле Святые отцы и великие церковные витии оставили множество блестящих страниц и слов с обличением этой страсти. У Василия Великого, Григория Богослова, Иоанна Златоуста и других мы найдем тонкое описание любостя—191-жательных настроений, и

I.

 Вопрос о смысле вообще, и вопрос о смысле жизни

I. Вопрос о смысле вообще, и вопрос о смысле жизни Попытке ответить на вопрос о смысле жизни должна предшествовать ясная и точная его постановка. Мы должны прежде всего сказать, что мы разумеем под тем «смыслом», о котором мы спрашиваем.Спрашивать о смысле — значит

Беседа о смысле зла

Беседа о смысле зла Мысль о мировом зле лежит тяжким бременем сомнения на сердцах многих верующих людей. Кажется непонятным, почему Бог допускает зло. Ведь Бог в Своем Всемогуществе легко мог бы устранить зло… Как может бесконечно милостивый Бог терпеть, чтобы злые

Вопрос XIV. Спрашивается: не превосходят ли мерзости ведьм всё то зло, что бог попускал с сотворения мира до наших дней, как в смысле преступления, так и в смысле наказания и нанесённого вреда?

Вопрос XIV. Спрашивается: не превосходят ли мерзости ведьм всё то зло, что бог попускал с сотворения мира до наших дней, как в смысле преступления, так и в смысле наказания и нанесённого вреда? На этот вопрос некоторые хотят ответить отрицательно и главным образом

Глава 1518: (О необходимости) следить за своим языком. Слова пророка, да благословит его Аллах и приветствует: «Пусть тот, кто верует в Аллаха и в Последний день, говорит благое или молчит», и слова Всевышнего: «Не проронит (человек) и слова, чтобы (не записал его находящийся) рядом с ним недремлющи

Глава 1518: (О необходимости) следить за своим языком. Слова пророка, да благословит его Аллах и приветствует: «Пусть тот, кто верует в Аллаха и в Последний день, говорит благое или молчит», и слова Всевышнего: «Не проронит (человек) и слова, чтобы (не записал его находящийся)

Глава 1602: Слова Всевышнего: «…и Он — Всемогущий, Мудрый»[3465] , и слова Всевышнего: «Преславен Господь твой, Господь величия, (Он выше) того, что Ему приписывают!» [3466] , и слова Его: «…а слава принадлежит Аллаху и Его посланнику» [3467] .

Глава 1602: Слова Всевышнего: «…и Он — Всемогущий, Мудрый»[3465], и слова Всевышнего: «Преславен Господь твой, Господь величия, (Он выше) того, что Ему приписывают!»[3466], и слова Его: «…а слава принадлежит Аллаху и Его посланнику»[3467]. 2127 (7383). Передают со слов Ибн ‘Аббаса, да будет

О смысле жизни

О смысле жизни 1. В чем смысл жизни? Вопрос:В чем смысл жизни? Для чего человек живёт?Отвечает иеромонах Иов (Гумеров):О смысле и назначении жизни человек задумывался с древности. У греков был миф о Сизифе, царе Эфира (Коринфа), который в подземном царстве в наказание за

Престол во имя святой благоверной княгини Анны в Казанском храме в Узком

Престол во имя святой благоверной княгини Анны в Казанском храме в Узком Имение Узкое известно с начала XVI века, деревянный храм в нем – с 1641 года. Ныне существующий каменный храм построен в 1698 году боярином Тихоном Стрешневым, дядей Петра I. Этот храм является прекрасным

Профессии в искусстве — музыке, театре, кино, рисование: что выбрать, где учиться и работать

Список профессий, связанных с музыкой, театром, кино и рисованием с заработной платой:

Профессия	Зарплата*	Описание
Скульптор	80 000 ₽	Художника, работающего в этой области искусства, и называют скульптором или ваятелем. Главной его задачей является изображение человека, животного в реальном или идеализированном мире.
Композитор	70 000 ₽	Профессия композитора, так же как  другие профессии сферы  искусства сложная и ответственная, и в тоже время творческая и интересная. Композитор должен хорошо знать не только теорию своей работы, но и быть отличным практиком.
Иконописец	(не задано)	Сегодня интерес к русской православной иконе растёт. Много строится и восстанавливается храмов в России и за её рубежом. Для этого нужны подготовленные иконописцы.
Искусствовед	60 000 ₽	Искусствоведение в широком смысле – это комплекс общественных наук, изучающих искусство, т.е. художественную культуру в целом и отдельные виды искусства по отдельности.
Локейшн-менеджер	(не задано)	Задачи локейшн-менеджера заключаются в поиске подходящих для фильма или телепередачи мест и их подготовке к съемке. Для работы локейшн-менеджером необходимо быть коммуникабельным и ответственным человеком.
Сценарист	100 000 ₽	Сценарист проделывает масштабнейшую работу перед началом съемок кинофильма, спектакля или игры, так как ему необходимо в подробностях описать сюжет, диалоги и сцены будущего шедевра.
Кинорежиссёр	120 000 ₽	У кинорежиссера довольно много обязанностей в работе над фильмом и он отвечает за конечный результат, но именно поэтому ему достаются все лавры при создании превосходной кинокартины.
Костюмер	25 000 ₽	Это преимущественно женская профессия, но встречаются в ней и мужчины. Костюмер работает в костюмерном цеху. Он следит за чистотой костюмов, их сохранностью.
Киномеханик	35 000 ₽	Киномеханик не только демонстрирует фильмы, но и следит за оборудованием. В современных кинотеатрах с несколькими кинозалами механик может обслуживать их все в одиночку.
Гримёр (Гример-постижер)	30 000 ₽	Искусство гримёра востребовано везде, где есть необходимость как-то видоизменять внешность. В театре и кино гримёр помогает актёру в работе над образом.
Режиссёр монтажа (монтажёр)	70 000 ₽	Профессия режиссёр монтажа предполагает интерес к кино и телевидению, чувство темпа и ритма, способность к кропотливому труду в сочетании с творческим мышлением, ответственность и способность к совместному труду.
Звукорежиссер	200 000 ₽	Работая в кино, звукорежиссёр разрабатывает концепцию звука, управляет процессом речевого озвучания, выбирает и записывает шумы, отвечающие тому, что происходит на экране, обрабатывает их.
Звукооператор	35 000 ₽	Звукооператор не разрабатывает концепции звукового оформления, он записывает или обрабатывает звук, контролируя техническое качество фонограммы.
Режиссер-постановщик	40 000 ₽	Режиссер-постановщик — это творческий лидер проекта в кинематографе, на телевидении или в театре. Принято считать, что именно от режиссера зависит успешность и сборы кинофильма, спектакля или представления.
Кинопродюсер	(не задано)	Кинопродюсер занимается всеми организационными вопросами, связанными с созданием фильма, и то, насколько хорош продюсер, влияет на качество картины и его востребованность в киноиндустрии.
Художник-постановщик (в кино и на телевидении)	25 000 ₽	Художник-постановщик занимается визуальной стороной фильма или телепередач, которая должна правильно передавать зрителю задумку режиссерского произведения.
Художник по костюмам (кино, театр и TV)	33 000 ₽	Основная задача художника по костюмам — создать костюм, дополняющий и отражающий образ персонажа, который предстает перед зрителями. Он создает эскизы, обсуждает их с постановщиком и актерами, а затем организовывает изготовление созданных костюмов.
Драматург (театр, кино, телевидение)	(не задано)	Драматург, которого также называют сценаристом, работает над сценариями и литературной основой будущих произведений и постановок для телевидения, театра или кинематографа.
Кинооператор	85 000 ₽	Кинооператор — специалист, вклад которого в создание фильма просто колоссальный. Нередко его называют «художником фильма», так как он решает все вопросы, связанные, как с технической, так и с творческой стороной съемки фильма.
Фотограф	90 000 ₽	Профессия фотографа стремительно развивается и становится всё более востребованной, так как сейчас требуются качественные снимки для журналов, модельных агентств, СМИ, рекламы и веб-ресурсов.
Актер	70 000 ₽	В настоящее время актерская профессия является популярной и желанной. Однако следствием столь большой популярности стало увеличение числа актеров, которым необходимо быть действительно выдающимися в своем деле, чтобы их заметили.
Настройщик музыкальных инструментов	80 000 ₽	Настройщик — профессия уникальная и необходимая в музыкальном мире. Благодаря работе настройщика поддерживается жизнь и чистота звучания музыкальных инструментов.
Карикатурист	(не задано)	Карикатуристы сами придумывают забавный сюжет, осмысливают и воплощают на бумаге. Если вы чувствуете в себе талант художника и сценариста, и при этом обладаете отличным чувством юмора, попробуйте себя в профессии карикатуриста.
Второй режиссёр	40 000 ₽	Второй режиссёр – это правая рука режиссера-постановщика, работающий на стыке двух граней — творческой и продюсерской. Его цель — воплотить в реальность творческие замыслы режиссера, в пределах бюджета и производственных возможностей.
Ассистент режиссера по актёрам	(не задано)	Главная задача ассистента — обеспечить  режиссера максимально полной и объективной информацией об актерах для принятия правильного решения.
Художник-технолог по сценическому свету	50 000 ₽	Значение художника-технолога по свету в создании красочного и выразительного спектакля трудно переоценить, так как его работа создает необходимый эмоциональный настрой и влияет на восприятие зрителями спектакля.
Художник-мультипликатор	100 000 ₽	Художник-мультипликатор — более широкое понятие, чем современный аниматор, который занимается только оживлением персонажей.
Режиссер анимационного кино	100 000 ₽	Режиссер создает анимационное кино, используя современные технологии и программы. Профессия достаточно редкая, поэтому люди, которые прекрасно ей владеют, востребованы на рынке услуг.
Специалист по игровому арту	74 000 ₽	Игровой арт – это вид изобразительного искусства, который со временем займет достойное место в истории культуры. В этой области художник имеет возможность развить свои творческие порывы и самореализоваться.
Саунд дизайнер (Sound designer)	(не задано)	Суть работы специалиста подобного профиля заключается в проведении различного рода манипуляций с заранее записанными аудио или комбинация их с целью создания характерного звукового эффекта или музыки.
Специалист по композитингу (композер)	100 000 ₽	Специалист по композитингу необходим на финальной стадии обработки фильма, ролика или компьютерной игры. Его работа находит широкое применение, в первую очередь, в телевизионном производстве и направлена на создание определенных визуальных эффектов.
Концепт-художник	(не задано)	Концепт-художник востребован в области киноиндустрии, анимации, компьютерных игр, разных сфер индустрии развлечений в виртуальной реальности. Профессия отличается высоким доходом и требует прохождения специальных курсов.
Шейдинг-артист	(не задано)	Шейдинг-артист должен обладать навыками классического рисования и художественного восприятия. Профессия востребованная и быстроразвивающаяся в условиях современного технического прогресса.
Текстурный художник	(не задано)	Художник по текстурам придает реалистичность текстурам любого созданного виртуального объекта. Для работы текстурным художником необходимо пройти курсы компьютерной графики.
Риггер (3D Rigger)	(не задано)	Риггер должен иметь хорошее представление об анатомии тела человека и животного, принципе работы той или иной техники и трансформациях, для наиболее качественного создания анимации готового персонажа.
Художник-иллюстратор	90 000 ₽	Именно художник-иллюстратор создает образы и делает, описанные в книге или журнале, события настоящими. Он помогает воображению читателя сделать сюжет реальным, поэтому талантливые художники никогда не останутся без работы.
Кинокритик	(не задано)	Специалисты, занимающиеся созданием рецензий для фильмов, — это гуманитарии, закончившие профильные вузы. Они должны иметь глубокие познания об истории, теории, социологии кино.
Киновед	(не задано)	Киновед много работает, занимается написанием рецензий, кинообзоров, аналитических статей, в которых он рассматривает тенденции развития современного кинематографа.
Композитор кино	(не задано)	Композитор кино должен тщательно изучить сценарий, понять характеры основных и второстепенных персонажей, а потом дополнить каждый из них музыкой в определенном жанре.
Балерина	65 000 ₽	Балерина должна быть очень выносливой и трудолюбивой, ведь путь к большой сцене лежит через многочасовые тренировки.
Отборщик фильмов для фестивалей	(не задано)	Отборщик фильмов для фестивалей — человек, занимающийся оценкой качества киноленты, исходя из особенностей определенного кинофестиваля. Такая профессия не является базовой специальностью, которую изучают в учебных заведениях.
Редактор кино и ТВ	100 000 ₽	Творческая профессия требует активности, эмоциональности и инициативности. Специалист должен координировать работу своих подчиненных, приглашать гостей, ведь на ТВ передачах люди, работающие в массовке, постоянно должны меняться.
Специалист по озвучиванию и звуковым спецэффектам в кино	(не задано)	Профессия и творческая, и техническая, для работы в этой сфере важен природный талант, но необходимо хорошо разбираться в современных программах для обработки звука, специализированном оборудовании, вспомогательных инструментах.
Переводчик фильмов	50 000 ₽	Талантливых переводчиков фильмов мало, поэтому работа есть всегда. Для этой профессии необходимо хорошо владеть родным и иностранным языком.
Видеограф	70 000 ₽	Съемка свадеб и утренников – всего лишь одна грань профессии. Многие видеографы делают видеорекламу для бизнеса, снимают контент для соцсетей, создают сервисные видео, записывают уроки для онлайн-курсов
Science-художник	(не задано)	Современное искусство science-art — выбор нестандартных личностей, творцов, умеющих объединить в одном арт-объекте на первый взгляд несовместимые вещи.
Художник-технолог	50 000 ₽	Художник-технолог – интересная профессия, связанная с работой в сфере искусства. Ее можно освоить после 9 и 11 класса в ссузе или вузе соответственно. Профессия требует креативности, исполнительности, творческих задатков.
Арт-оценщик	(не задано)	Арт-оценщик – профессия для юношей и девушек, которые хотят связать свою жизнь с волшебным миром современного искусства. Начать обучение можно после 11 класса, для работы требуются активность, общительность, нацеленность на результат и безупречный вкус.
Режиссер	120 000 ₽	Режиссер — это постановщик, организатор, руководитель, работающий в творческой сфере. Он осуществляет руководство всеми процессами, несет огромную ответственность за качество создаваемого продукта. Обучиться профессии можно в вузе или колледже.
Танцор	80 000 ₽	Танцор – профессия, которая позволяет на 100% реализовать творческий потенциал. Танцоры путешествуют, актерствуют на сцене, даря зрителям целую бурю эмоций. Освоить специальность можно в школах-студиях, академиях и других образовательных учреждениях.
Живописец	60 000 ₽	Живописец – специалист, мастерски владеющий кистью. Он переносит на полотно или бумагу художественные образы, обладает хорошей фантазией. Для работы в этой сфере нужно получить среднее специальное или высшее образование.
Дирижёр	180 000 ₽	Дирижер – не только работа, но и призвание, хобби. Профессия связана с творчеством и управлением, требует высшего образования и стартовой музыкальной подготовки. Последнюю можно получить в музыкальной школе или во время частных уроков.
Балетмейстер	25 000 ₽	Балетмейстер – педагог, танцор, организатор, который несет ответственность за качество хореографической постановки. Профессия требует хорошего физического развития, целеустремленности, выносливости. Ее можно освоить в хореографическом училище или вузе.
Шоураннер	70 000 ₽	Шоураннер – новая для российского рынка профессия, связанная с созданием сериалов. Деятельность очень хорошо оплачивается. Она понравится тем, кто имеет профильное образование или опыт работы в сфере режиссуры, сценарного мастерства, продюсирования.
Музыкант	60 000 ₽	Музыкант – профессия, относящаяся к типу «человек – художественный образ». Требует таланта, самоуверенности, повышенной работоспособности. Музыкантов обучают на курсах, в колледжах и вузах, начинать подготовку лучше с юного возраста.
Музыковед	15 000 ₽	Музыковед – специалист, занимающийся исследованием музыкального искусства. Музыковедов обучают в вузах, профессия достаточно редкая и многогранная, открывает широкие карьерные возможности. Деятельность может приносить высокий доход.
Аранжировщик	(не задано)	Аранжировщик – профессия, связанная с музыкальным искусством. Для успешной работы в этой сфере нужно иметь высшее образование. Профессия позволяет использовать музыкально-компьютерные технологии, относится к типу «человек-художественный образ».
Театральный художник	33 000 ₽	Театральный художник – перспективная профессия, связанная с творческой реализацией. Специалисты работают в театрах, сфере кино и могут заниматься частной деятельностью. Профессию можно освоить в вузе или ссузе.
Видеохудожник	70 000 ₽	Видеохудожник – творческая профессия, связанная с созданием новых видеопродуктов. Жизнь видеохудожника наполнена общением, посещением выставок и кинофестивалей. Для работы потребуется диплом вуза или ссуза, а также профильные курсы.
Создатель спецэффектов	(не задано)	Создатель спецэффектов занят в сфере киноиндустрии. Он специализируется на создании визуальных спецэффектов, делает фильмы более реалистичными, захватывающими и живыми. Профессия востребованная, ее можно освоить на курсах.
Арт-консультант	37 000 ₽	Арт-консультант является советником по искусству, который оказывает помощь коллекционерам, инвесторам, начинающим галеристам. Он имеет высшее образование и большой набор профессиональных знаний.
Сонграйтер	(не задано)	Сонграйтер – профессия для тех, кто не может представить свою жизнь без музыки. Сонграйтеры создают и продают полноценные музыкальные композиции. Для талантливых людей порог вхождения в профессию низкий.

* Заработная плата по состоянию на октябрь 2022 года, данные взяты с сайта hh.ru.

Немного о профессиях в Искусстве (музыке, театре, кино, изобразительном искусстве)

Искусство важная часть жизни каждого человека. Мы все потребляем искусство как зрители и слушатели. Но чтобы стать актрисой или музыкантом, художником или пойти в дизайн, нужна особая подготовка, свобода творчества и особое мужество творить и все время творить новое. Ведь зрителей нужно удивлять – кино, театр, цирк, опера и балет – сюда люди идут за особым наслаждением и они, зрители, взыскательные ценители искусства. Профессии искусства требуют от человека постоянного напряжения и развития, страсти и воли к победе. Театр, музыка и живопись – самые древние формы искусства. Здесь работают представители таких профессий: актер, композитор, музыкант, звукорежиссер, звукооператор, режиссер, художник, видеохудожник, художник по костюмам, балетмейстер, продюсер, художник по свету, С приходом интернета появились новые профессии: дизайнер сайта, продюсер сайта, разработчик сайта. Вопрос: а искусство ли это? Да, искусство, ведь книгоиздание – тоже искусство, нисколько не ниже, чем кино, театр, цирк, балет и опера. Читайте здесь о профессиях людей, занятых в искусстве: музыкант оркестра, звукорежиссер, постановщик спектакля, художник, актриса театра и кино, актер цирка, дизайнер интерьера, дизайнер упаковки, ландшафтный архитектор, веб-дизайнер, фотограф, видеохудожник… Выбор профессии из области искусства невозможен без ясного представления о подводных камнях творческих профессий. Камни эти на посторонний взгляд совершенно не видны, но из-за них можно пролететь мимо успеха. Читайте о творческих профессиях.

Лекция 10.

Понятие культуры. Формы и разновидности культуры

Определений понятия «культура» в науке более 200. Культура восходит к латинскому cultura, означающему «возделывание», «обработка». Этот термин мы часто употребляем в разных смыслах. Например, античная культура, культура общения, предмет культуры, культурный человек и т.п. Всё многообразие понятий культуры можно выразить в трёх смыслах:
— в широком смысле культура – это комплекс постоянно обновляющихся форм, принципов, способов и результатов активной творческой деятельности всех людей во всех сферах общественной жизни; это всё, что создано руками и умом человека. Культура в этом смысле противопоставляется природе. Природа – то, что существует независимо от человека, естественное. Культура – то, что создано человеком. Примеры культуры в этом смысле: античная культура, римская культура, современная культура;
— в узком смысле – процесс активной творческой деятельности, в ходе которой создаются, передаются, потребляются духовные ценности. В этом смысле понятие «культура» практически совпадает с понятием «искусство». Примеры культуры в узком смысле: культура танца, культура пения народных песен;
— в наиболее узком смысле культура – это совокупность норм, определяющих поведение человека; степень воспитанности человека. Обычно говорят, что если человек хорошо воспитан, то он культурный, обладает культурой.

Поскольку деятельность подразделяется на материальную и духовную, а культура в широком и узком смыслах непосредственно связана с деятельностью, то и культуру можно разделить на материальную и духовную. К материальной относятся предметы быта, средства труда и т.п. К духовной – стихотворения, сказки и т.п. Однако, следует учитывать, что это деление весьма условно. 

Немало таких объектов, которые можно на первый взгляд отнести к объектам и материальной, и духовной культуры. Например, книга. Она материальна. Но книга содержит предмет духовного мира – текст. В данном случае принадлежность к культуре можно определить по тому, какой элемент культурного объекта главный. В книге, безусловно, это текст, а не обложка и листы бумаги. Поэтому книгу рационально понимать как объект духовной культуры.

Функции культуры многообразны и вряд ли когда получится составить их полный перечень. Выделим основные функции культуры:
— познавательная – культура помогает изучению общества, народа, страны;
— оценочная – культура помогает оценивать явления действительности, осуществляет дифференциацию (различение) ценностей, обогащает традиции;
— регулятивная – культура формирует нормы, правила, регулирующие поведение человека как члена общества;
— информативная – культура передаёт знания, ценности, опыт предыдущих поколений и помогает ими обмениваться;
— коммуникативная – культура развивает человека через общение, в процессе которого сохраняются, передаются и тиражируются культурные ценности;
— функция социализации – культура является важнейшим средством социализации, поскольку приучает личность к социальным ролям, стремлению к самосовершенствованию.

Учёные выделяют три формы культуры: народную, элитарную, массовую. Все они тесто взаимосвязаны и влияют друг на друга. Рассмотрим каждую из них.

Народная культура включает творения, чаще всего созданные любителями (не профессионалами), оставшимися анонимными. Элементы этой культуры просты по содержанию и в то же время обладают художественной красотой, своеобразием, рассчитаны на широкую аудиторию. Народная культура включает, к примеру, народные сказки, сказания, широко известные анекдоты, народные песни.

Элитарная культура предполагает создание профессионалами таких творений, которые недоступны простой публике. Для их «расшифровки», понимания, требуется образование, определённая подготовка. Элитарная культура направлена больше на выражение смыслов, нежели на внешние эффекты. Примеры творений элитарной культуры: оперное произведение, органная музыка, сложный по содержанию высокохудожественный фильм, балет. 

Отличительная особенность массовой культуры (в отличие от элитарной и народной) – её коммерческая направленность. Предметы этой культуры стандартны, просты в понимании, рассчитаны на массовую аудиторию, могут делать акцент на низменных потребностях человека, иногда направлены на эпатаж (шокирование) публики. Предметы массовой культуры быстро тиражируются, из-за чего теряется их художественное своеобразие, вкус. К предметам массовой культуры можно отнести, например, попсу, китч, клубную культуру.

Массовая культура – явление исторически недавнее. Предпосылки к формированию этой культуры возникли еще в XVIII – XIX вв., однако развитие она получила в ХХ веке. Этому способствовало быстрое развитие средств тиражирования и распространения массовой культуры – телевидение, интернет, звукозаписывающая аппаратура и т.п. Сегодня массовая культура – неотъемлемая часть нашей жизни. Влияние этой культуры на современное общество противоречиво. Позитивное влияние: массовая культура помогает познавать мир, социализировать людей, она демократична и её предметами могут пользоваться практически все, эта культура обращена к потребностям и чаяниям людей. Негативное влияние: массовая культура в целом обедняет культуру страны, народа, снижая общую планку духовной жизни общества; она рассчитана на пассивное потребление, обедняет вкусы людей, для некоторых заменяет реальную жизнь, навязывает определённые предпочтения и представления, не всегда соответствующие духовности народа. Пример – «Пепси – бери от жизни всё». Культивирование этого слогана и рекламы напитка может привести и приводит к бедности культуры нового поколения.

Культура какого-либо народа, нации очень неоднородна. Обычно в ней выделяют:
— субкультуру – часть общей культуры народа, нации, система ценностей, присущая какой-либо социальной группе. Например, молодёжная, мужская, профессиональная, криминальная субкультуры. Все эти субкультуры отличаются специфическими для них чертами. К примеру, отличительными особенностями молодёжной субкультуры являются направленность на демонстративное потребление, поиск себя и смелые эксперименты, демократизм поведения и т.п. ;
— контркультуру – направление развития современной культуры, противостоящее устоям духовной жизни народа, «официальной» культуре, традиционным субкультурам. Пример контркультуры: традиции и ценности скин-хедов, панков. Контркультура пытается сломать устоявшиеся ценности национальной культуры.

Культура каждого народа развивается неоднородно. Её развитие обусловлено двумя противоположными и, в то же время, взаимодополняющими основаниями: традициями и новаторством. Традиция включает устоявшиеся элементы культуры, представляющие собой многократно используемые и практически неизменные ценности, правила, нормы и т.п. Опираясь на традицию, в своём развитии культура сохраняет своё «ядро», национальный окрас. Традицией в развитии культуры, к примеру, является обучение школьников методу выразительного чтения, изучение «Мёртвых душ» Н.В. Гоголя. Новаторство — совокупность новых элементов в культуре, привносящих отличные от традиционных возможные направления развития национальной культуры, её элементов. Новаторством можно признать современное иллюстрирование произведений Н.В. Гоголя, использование компьютерной графики в художественном творчестве.

Залог успешного развития культуры — в сочетании традиции и новаторства. Традиции придают культуре стабильность, новаторство — динамику.

Видеолекция по теме:

Вы можете поделиться материалом лекции в социальных сетях:

Об искусстве — что мы на самом деле имеем в виду — Smashing Magazine

• 45 мин чтения
• Дизайн, Искусство, Графический дизайн
• Поделиться в Twitter, LinkedIn

Об авторе

Марилина Маравилья — студентка, переводчик и независимый писатель. Больше о Marilina ↬

Марк Ротко, американский художник, называвший себя художником-абстракционистом , однажды сказал, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета и тому подобного. Он не определял себя как абстракциониста, а скорее как человека, заинтересованного только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее. Это было видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно определить понятие?

Марк Ротко, американский художник, называвший себя «художником-абстракционистом», однажды сказал об искусстве, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета или подобия. Он не определял себя как абстракциониста, а скорее как человека, заинтересованного только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее. Это было видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно определить понятие?

Эта статья исследование значения искусства и попытка понять отношения между искусством и художниками, с некоторыми полезными выводами из интервью с традиционными и цифровыми художниками.

Дополнительная литература на SmashingMag:

• Поп-арт жив: классика и современные произведения искусства
• Милтон Глейзер об искусстве и дизайне
• Восемь вдохновляющих историй об искусстве ASCII
• Движения современного искусства, которые вдохновят ваш дизайн логотипа

  4 Цифровые иконки

Дизайн

1. Об искусстве — что это такое?

Этот вопрос часто всплывает и дает множество ответов. Многие утверждают, что искусство не может быть определено. Мы могли бы сделать это несколькими способами. Искусство часто считают процессом или продуктом преднамеренного расположения элементов таким образом, чтобы они обращались к чувствам или эмоциям. Он охватывает широкий спектр человеческой деятельности, творчества и способов самовыражения, включая музыку, литературу, кино, скульптуру и живопись. Значение искусства исследуется в области философии, известной как эстетика. По крайней мере, так утверждает Википедия.

Еще после прыжка! Продолжить чтение ниже ↓

Под искусством обычно понимается любое действие или продукт, совершаемый людьми с коммуникативной или эстетической целью, — то, что выражает идею, эмоцию или, в более общем смысле, мировоззрение .

Это компонент культуры, отражающий в своей конструкции экономические и социальные субстраты. Он передает идеи и ценности, присущие каждой культуре, через пространство и время. Его роль меняется во времени, приобретая здесь больше эстетическую составляющую, а там — социально-воспитательную функцию.

Скотт Марр

Во всем, что мы сказали до сих пор, есть доля правды, но в основном это мнение. Согласно Википедии, «искусствоведы и философы искусства уже давно ведут классификационные споры об искусстве относительно того, следует ли классифицировать конкретную культурную форму или произведение как искусство».

Определение искусства открытое, субъективное, дискуссионное. Между историками и художниками нет единого мнения, поэтому у нас осталось так много определений искусства. Изменилась сама концепция на протяжении веков.

Само понятие искусства сегодня продолжает вызывать споры, поскольку оно открыто для множества интерпретаций. Его можно понимать просто как любую человеческую деятельность или любой набор правил, необходимых для развития деятельности. Это обобщило бы концепцию за пределы того, что обычно понимается как изобразительное искусство, которое теперь расширено, чтобы охватить академические области. Это слово имеет и много других разговорных значений.

В этой статье мы имеем в виду искусство как форму человеческого самовыражения творческого характера .

2. Эволюция концепции искусства

Хотя определение искусства менялось с годами, область истории искусства развивалась, чтобы позволить нам классифицировать изменения в искусстве с течением времени и лучше понять, как искусство формирует и формировалось творческим порывом художников.

Поэтому очень важно хорошо разбираться в истории искусств. Я поговорил с Александром Данилоффом и Джонатаном Боллом о концепции искусства через историю и о том, возможно ли провести линию через традиционное и современное искусство.

Александр Данилофф — русский художник, живущий и работающий в Италии. Его внимание сосредоточено на живописи, хотя он работал в нескольких медиа. В последнее время он работал над детскими иллюстрациями. Он участвовал в различных мероприятиях и конкурсах иллюстраций и проиллюстрировал три книги. Он провел многочисленные индивидуальные и групповые выставки в Италии, России, Голландии, Испании, Финляндии и США.

Джонатан Болл — креативный директор Poked Studio, инновационной компании, занимающейся разработкой креативных визуальных решений. Это еще не все: среди своих услуг Poked Studio предлагает иллюстрацию; Веб-, графический и блог-дизайн; 3D рендеринг и визуализация; графики движения; детская книжная иллюстрация; Flash-сайты; и игры.

Вопрос: Можем ли мы провести линию от традиционного искусства к современному?

Александр Данилов: Я не думаю, что мы можем что-то сказать, не впадая в полемику, даже я. Я придерживаюсь традиционных взглядов и предпочитаю произведения искусства, которые говорят о художнике или периоде. Я не могу объяснить, что такое современное искусство или, по крайней мере, каким оно должно быть. Да, можно проследить линию от традиционного к современному искусству, но не прямую. Возможно, это парабола, которая идет вверх, а затем вниз, или спираль. Мы не знаем. Все, что мы можем сказать, это то, что арт-рынок развился, что влияет на само искусство. В том, что мы называем современным искусством, слова и объяснения всегда дороже.

Изобразительное искусство преобразилось благодаря статьям и критическим очеркам; между тем сами произведения стали немыми. В театре кураторы и критики заняли первые ряды. Это мой взгляд на разницу между современным и традиционным искусством.

Лично я предпочитаю искусство, измеряемое человеческими размерами: искусство, которое шепчет, а не кричит, искусство, которое накрывает меня и заставляет летать, а не давит. Но должен признаться, некоторые из этих современных вещей меня привлекают; например, настенная живопись (граффити) и абстрактные вещи.

Путешествие в реальную и мифологическую эпохи, смена театральных костюмов и декораций — часть стиля Александра Данилова. Стиль придает его картинам особое изящество, показывая на сцене как праздничную, так и драматическую стороны жизни. Стиль также пронизан сладкой иронией, которая потрясает картину. Точность, гибкость дизайна и тонкая цветовая гармония позволяют художнику свободно перемещаться между различными художественными условностями, играя со светом и тенью, линией и цветом.

Джонатан Болл: Да, определенно [мы можем провести линию от традиционного к современному искусству]. Многие из тех же методов используются, только немного по-разному и с разными инструментами. Те же принципы применяются, как бы вы ни создавали искусство.

Я вижу линию, особенно проходящую через стилизованные формы японского искусства, такие как Хокусай, и современные стилизованные графические иллюстрации.

Вопрос: По сравнению с эволюцией традиционного искусства, как бы вы описали развитие цифрового (или новых медиа) искусства?

Джонатан Болл: Очевидно, цифровое искусство развивалось гораздо быстрее, чем тысячи лет ручного производства. Целое поколение выросло на «Фотошопе» и других инструментах, тогда как предыдущие поколения пользовались ручкой и карандашом.

Тем не менее, я считаю, что цифровое искусство все еще находится в зачаточном состоянии. Несмотря на то, что кажется огромным прогрессом в компьютерном оборудовании, общие вычисления и даже вычисления, доступные большинству дизайнерских студий, просто недостаточно быстры, чтобы легко воспроизводить искусство в масштабе и уровне детализации, возможных с помощью традиционных медиа. Зайдите в любую национальную галерею, и вы увидите работы огромного масштаба. Попробуйте воспроизвести 10-футовый холст с разрешением нарисованного вручную произведения искусства в 3D-программе, и вы обнаружите, что он не справляется. Фактически, большинству программ будет сложно отобразить детализированное изображение, скажем, с разрешением 300 точек на дюйм и размером всего лишь A4.

Хотя картина может показаться просто пятнами и каплями, когда вы подходите к ней поближе, узоры прекрасны сами по себе, полны цвета, интенсивности, насыщенности и текстуры. Подойдите ближе к цифровому искусству или к экрану телевизора, и вы увидите мешанину искажений и артефактов.

Когда разрешение экрана сравняется с печатными материалами, а компьютерные технологии позволят нам легко и быстро создавать большие детализированные работы, цифровые технологии догонят традиционные носители.

Большая часть цифрового искусства начала 21 века предназначена для просмотра на устройствах с низким разрешением. Большая часть этого искусства устареет, когда в следующем столетии будут разработаны экраны и устройства с более высоким разрешением. И многое из того, что хранилось только на жестких дисках, будет утеряно навсегда, поскольку диски выходят из строя, а веб-сайты закрываются или переделываются.

Мне стыдно, что так много великих работ воспроизводится в таком ограниченном разрешении и масштабе и не хранится таким образом, чтобы обеспечить сохранность для будущих поколений.

Джонатан Болл

Вопрос: Расскажите нам об искусстве и о вашем любимом направлении в искусстве.

Джонатан Болл: Сложно, потому что мне нравится так много стилей. Но я обнаружил, что если я нахожусь в художественной галерее, я люблю современную живопись, потому что она таит в себе так много сюрпризов и менее предсказуема, чем предыдущие эпохи.

Я люблю причудливую современную иллюстрацию, особенно непритязательные формы искусства и смеси готики и мифологии.

3. Эстетика в цифровом искусстве

В середине 20 века концептуальные трансформации, возникшие в результате новых подходов к искусству, привели к кризису эстетики, что проявилось в новых художественных медиа.

Alberto Cerriteño

Заимствуя многие условности традиционных медиа, цифровое искусство может опираться на эстетику из многих других областей. Но против этого были высказаны различные критические замечания: например, учитывая разнообразие инструментов, имеющихся в их распоряжении, сколько усилий цифровые художники действительно должны вкладывать в свою работу?

Я спросил у Яна Виллема Веннекеса, также известного как Zeptonn, его мнение по этому поводу. Он фрилансер, специализирующийся на иллюстративном дизайне и художественном руководстве, уделяя особое внимание экологически чистым проектам.

Ян Виллем Веннекес: Вопрос кажется несколько двусмысленным. С одной стороны, кажется, возникает вопрос об усилиях, необходимых для создания цифрового искусства. То есть некоторые люди могут подумать, что использование цифровых медиа для создания искусства проще, чем использование традиционных медиа. С другой стороны, кажется, возникает вопрос, является ли цифровое искусство формой искусства само по себе (или, может быть, вообще?).

Что касается первого вопроса, я думаю, что работа с цифровыми носителями (в основном с компьютером, мышью, Wacom, сканером, программным обеспечением и т. д.) не должна отличаться от создания произведений искусства на других носителях. Компьютер и все инструменты, созданные программным обеспечением, остаются тем, чем они являются: инструментами! Вы должны освоить эти инструменты так же, как вы должны освоить любые другие инструменты. Например, если вы не понимаете, как работает свет, вы не сможете создавать иллюстрации с правильным освещением и так далее. Если вы не знаете, как работает инструмент «Перо» в Illustrator, вы не сможете создать хорошую иллюстрацию, как обычный художник, не умеющий пользоваться карандашом. Вам все еще нужно овладеть теорией цвета и всеми другими вещами, которые необходимы для создания хорошего или потрясающего произведения искусства. В этом смысле не имеет значения, картина это или гравюра. Проще говоря, вы должны освоить все инструменты и теорию, как и раньше. И чем лучше вы их освоите, тем лучше будет ваше произведение искусства.

Jan Willem Wennekes

Jan Willem Wennekes: Теперь можно задаться вопросом, является ли цифровое искусство отдельной формой искусства. Это сложный вопрос, и на него нелегко ответить. Я думаю, что разница здесь в том, что «цифровое искусство» — это скорее групповой термин, чем просто одна из форм искусства. Существует много типов цифрового искусства: некоторые очень похожи на картины, некоторые похожи на фотографии, некоторые похожи на рисунки, а другие кажутся совершенно новыми и уникальными (например, созданные компьютером произведения искусства). Так что в некотором смысле цифровое искусство состоит как из пересекающихся, так и из новых видов искусства.

Когда-то фотография рассматривалась как конкурент портретной живописи, но в конце концов она стала самостоятельным видом искусства со многими направлениями и областями интересов. По сути, живопись выиграла от подъема фотографии, и каждая из них дополняла другую и возрождала интерес к искусству в целом. В настоящее время мы не рассматриваем фотографию как конкурента живописи; мы рассматриваем их как разные средства массовой информации с разными преимуществами и недостатками. Я думаю, то же самое относится и к новым формам цифрового искусства.

Работу Zeptonn можно охарактеризовать как позитивную, экологичную, простую, эксцентричную, красочную, фантастическую и иллюстративную. Его отличают нарисованные от руки элементы, милые узоры и изогнутые линии. И вы можете найти существо, появляющееся то тут, то там. Чтобы узнать больше, посетите его веб-сайт или подпишитесь на него в Twitter.

4. Искусство, каким мы его знаем сегодня

20-й век стал поворотным моментом в нашем понимании искусства, и именно поэтому современные художники часто стремятся к новым концепциям, порывают с традициями и отвергают классические представления о красоте. Все эти факторы породили абстрактное искусство. Художник больше не пытается отражать действительность, а пытается дать выражение своему внутреннему миру и чувствам.

Старые определения искусства устарели. Сегодня искусство — это развивающаяся и глобальная концепция , открытый для новой интерпретации, слишком изменчивый, чтобы его можно было зафиксировать.

Dan May

Я взял интервью у Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы исследовать новые элементы современного искусства и ответить на вопрос, какие новые элементы и принципы очевидны в современном искусстве.

Нейт Уильямс, также известный как Александр Блю, художник, иллюстратор и дизайнер из США. У него большой опыт работы в различных сферах индустрии иллюстраций, и у него множество клиентов. Его иллюстрации адресованы как взрослым, так и детям. Он также работал в мире рекламы и в издательском деле, музыке, моде, текстиле, домашнем декоре, мерчандайзинге, плакатах, прессе и общественном самовыражении.

Трэвис Лампе — иллюстратор, который в настоящее время живет и работает в Чикаго. Работал арт-директором в рекламе. После двухлетнего пребывания в Варшаве он вернулся в Чикаго и попробовал свои силы в искусстве и иллюстрации. Ему нравится заниматься искусством и игрушками, и он выставлялся в прекрасных галереях США и Европы.

Вопрос: Насколько сильно новые медиа влияют на вашу работу? Каково ваше отношение к цифровому искусству? Считаете ли вы себя традиционным художником?

Джонатан Болл: Имеет большое влияние. Думаю, из-за моих знаний в области программирования это влияет на мою работу. Я думаю в терминах модульных частей и переменных.

Нейт Уильямс: «Мое определение искусства — играй, будь любопытным, открывай, выражай».

Трэвис Лампе: Я традиционный художник, работаю с акрилом, но без компьютеров я бы не смог работать. Когда я создаю игрушки, например, я использую компьютеры для сканирования и создания векторных рисунков из моих оригинальных рисунков. Однако я не создаю цифровое искусство само по себе. Чисто цифровая работа может быть красивой, но для меня ценнее иметь осязаемый и уникальный продукт, а не набор данных.

Тем не менее, без сомнения, на мое традиционное искусство повлияли идеи, которые я обнаружил в Интернете. Например, это отличное место, чтобы найти старые мультфильмы.

Вопрос: Трэвис, если когда-то целью искусства было создание красоты и подражание природе, то сегодня концепция динамично развивается и постоянно меняется. На ваш взгляд, как Интернет и новые способы коммуникации повлияли на развитие изобразительного искусства, его концептуальные предпосылки и его физическое воплощение?

Трэвис Лампе: Интернет больше всего влияет на развитие искусства просто потому, что знакомит больше людей с искусством. К сожалению, многое из этого действительно, очень дрянно, как и следовало ожидать. Любой, у кого есть шариковая ручка и цифровая камера, может опубликовать свое искусство на всеобщее обозрение. И это нормально. Я думаю, что сливки просто естественным образом поднимаются наверх. Идеи по-прежнему важны гораздо больше, чем технические навыки, и Интернет совсем не изменил этого. Я видел много рисунков шариковой ручкой, которые мне очень нравятся.

Что касается физического исполнения, то оно эволюционировало так же, как и всегда: как только появляется новый носитель, возникает борьба за то, чтобы использовать его по-новому и творчески. Я не знаю, повлиял ли Интернет на физическое воплощение искусства так сильно, как сами компьютеры. Это просто упростило распространение.

Travis Lampe

Больше общения отлично подходит для PR и, таким образом, является большим подспорьем для художников. И больше общения должно равняться большему количеству идей, что в идеале должно привести к лучшему концептуальному мышлению. Но большая часть «общения» — это ерунда. И я думаю, что есть порог, за которым постоянная связь перестает быть полезной. Художникам нужно какое-то свободное время, чтобы творческие идеи объединились. Думаю, успешные художники дисциплинированы и способны все это уравновесить.

Вопрос: Считаете ли вы, что искусство и новая социальная сеть связаны между собой? Являются ли социальные сети жизнеспособным способом улучшения творческих сообществ?

Джонатан Болл: Конечно. Искусство связано со всем в нашем окружении, что влияет на его создателей. Что касается социальных сетей, я думаю, что возможность лучше общаться — это всегда улучшение.

Трэвис Лампе: Социальные сети отлично подходят для обмена результатами; это позволило мне общаться и видеть работы других художников, которыми я восхищаюсь на постоянной основе. И это делает долгие часы работы в подвале немного менее одиноким предприятием, когда вы можете показать миру, что вы сделали, в тот момент, когда вы закончили. С другой стороны, социальные сети постоянно отвлекают. Когда я хочу закончить работу, я отключаюсь. Так что люблю и ненавижу одинаково.

5. Новая медиа-революция и ее связь с художниками

Изобразительное искусство включает в себя множество форм искусства, наиболее широко признанными из которых являются живопись, рисунок, скульптура, музыка, литература и исполнительское искусство. Однако с технологической революцией появились и другие формы.

Леандро Лима

Итак, какова же связь между этими новыми формами самовыражения и современными художниками? Макс Костенко и Пино Ламанна любезно ответили на мои вопросы, дав нам представление о теме.

Макс Костенко — российский иллюстратор. Он специализируется на трехмерных цифровых иллюстрациях и дизайне персонажей. Он работает фрилансером для многих российских студий и агентств по всему миру, таких как Kotetkat и Lemonade.

Пино Ламанна, также известный как SchakalWal, иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.

Вопрос: Пожалуйста, расскажите о себе и своей работе. Как вы начали работать в этой сфере?

Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко. Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы. Я занимаюсь иллюстрациями около года. До этого я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.

Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немецкий цифровой художник, живу и работаю в городе Вупперталь, Германия.

В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализирующимся на уникальном брендинге, ручной типографике и дизайне персонажей. Большая часть моей работы находится под сильным влиянием граффити и уличного искусства, олдскульных мультфильмов и музыки, которую я слушаю. Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в городском стиле.

Свои первые шаги в качестве дизайнера я сделал еще маленьким ребенком, рисуя комиксы со своими супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я увлекся движением граффити и уличного искусства.

Первое, что привлекло меня в цифровом искусстве, это манипуляции с фотографиями. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства. Позже я переключил свое внимание на иллюстрацию, брендинг и типографику, которые, как мне кажется, подходят мне лучше всего.

Вопрос: Расскажите немного о своих работах. Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?

Макс Костенко: В своей работе я использую только Photoshop. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем на самом деле хочу работать, потому что мне работа дизайнера показалась скучной, и я начал рисовать глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, рисуя их. В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю свою обычную круглую кисть и начинаю рисовать.

Макс Костенко

Пино Ламанна: Несмотря на то, что для той работы, на которой я специализируюсь, работа в Illustrator или других векторных инструментах была бы обычной, большую часть своей работы я создаю в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу поделать. Особой разницы нет, потому что Photoshop тоже имеет возможности редактирования векторов.

Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.

Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело. Хотя первые шаги давались тяжело. Я помню, как был поражен миллионом вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоиться с различными техниками и методами.

Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и многое знал о векторном редактировании из Photoshop. И, конечно же, везде есть учебники по Illustrator.

Вопрос: Что является главным источником вдохновения для ваших произведений? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?

Макс Костенко: Вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте. Я всегда ищу работы известных художников: это стимулирует меня расти и совершенствовать свои навыки. Я познакомился с цифровым искусством через Society of Digital Artists, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать». Но потом я постепенно стал рисовать такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому предстоит научиться.

Пино Ламанна: Вдохновение может прийти из чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши. На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и, в конце концов, эти сообщества помогли определить меня как художника.

Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?

Макс Костенко: Самое главное — это основная идея, наверное, план. Если он у вас есть, вы можете начать рисовать. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, и поэтому я начинаю с больших форм, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это самое сложное для меня. В конце я завершаю последние детали.

Пино Ламанна: У меня всегда есть ручка и бумага, даже в моей спальне. Вы никогда не знаете, когда идеи появятся у вас в голове, и вам лучше сохранить их, прежде чем вы забудете.

Мозговой штурм и наброски очень важны для меня. Если идеи появляются во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все дела, которые делаю, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.

Пино Ламанна

При работе с клиентами очень важно проводить исследования. Без подробного брифа найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть сложно. Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.

Еще одним важным аспектом моего творческого процесса является терпение. Часто я нахожу хороший поток и не могу прекратить работу над конкретным дизайном, пока не буду счастлив (и исчерпан). Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до завтра. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда я смотрю на свою работу с небольшого расстояния.

Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.

Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом. После школы я пытался поступить в Колледж автомобильного дизайна, но мне отказали… несмотря на то, что я отлично сдал экзамены по рисунку.

Пино Ламанна: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и усердно тренировался, чтобы создать самых могущественных супергероев и злодеев в мире. Я могу вспомнить только одного персонажа из тех дней: Супер-лягушку. (Я знаю, что это глупо, так что не сердись!)

Позже у меня появился некоторый опыт работы с граффити и уличным искусством. Однако до All City Kings так и не добрался.

Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что последние пару лет я в основном занимаюсь цифровым искусством.

Вопрос: Как бы вы определили свое отношение к традиционному искусству? Кто ваш любимый художник?

Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковской галерее и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте много веков назад. Меня каждый раз удивляет талант классических художников.

Мне нравятся русские художники-пейзажисты. Василий Поленов и Иван Шишкин для меня на высоте.

Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому самореклама необходима.

Я спросил у Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейми Макгоуэна, Криса Пясчика и Ирмы Грюнхольц, что они думают об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.

Боб Флинн — мультипликатор, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией. В настоящее время он проживает в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы публиковались в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.

Алекс Дукал — иллюстратор, родившийся и выросший в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.

Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстраций и комиксов. Поработав некоторое время в основном в веб-дизайне, Алекс решил вернуться к иллюстрации. На данный момент он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.

Джейми МакГоуэн — художник-фрилансер и 3D-иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.

Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?

Боб Флинн: У меня есть сайт, но мне очень лень его обновлять. И я обнаружил, что получаю меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, который бесконечно легче добавлять. Веб-сайт портфолио — это скорее структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, желающих профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и почти не дает возможности для двустороннего общения. Вы почти не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением дружеского электронного письма или двух в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.

В дополнение к тому, что я веду блог (мой основной канал связи), в настоящее время я зарегистрирован в Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, в Google Buzz. Стоит ли участвовать во всех? Вероятно. Я обнаружил, что вы действительно не можете быть в слишком многих местах, хотя, безусловно, существует порог здравомыслия. Разная аудитория посещает каждое социальное пространство (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить как можно больше людей — быть везде.

Twitter в настоящее время является лучшим местом для отслеживания людей в отрасли и общения с коллегами, но не все там. Facebook находится там, где почти все остальные, хотя жонглирование друзьями, семьей и бизнесом, по общему признанию, обременительно. Вы должны прополоть беспорядок (я меньше поклонник его все более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr является самым простым: загружайте изображения, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и у него до сих пор нет собственной индивидуальности. Но это другое место, где вы, вероятно, должны быть.

Я могу отследить большинство потенциальных клиентов и контактов до твита здесь или комментария там. Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивном ключе, вы действительно не ошибетесь.

Движимый одержимостью необычными мультфильмами, основанными на оптимизме и оттенёнными гротеском, Боб Флинн постоянно занят превращением бессмысленных существ в комиксы, иллюстрации и анимацию.

Алекс Дукал: Да, у меня есть портфолио онлайн с 19 летМне 98 лет, и в настоящее время я часто пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Фликр. Я использовал Orkut, когда он только вышел. Я попробовал Google Buzz, и мне это не понравилось. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы посмотреть, не превратится ли он когда-нибудь во что-то интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.

Jayme McGowan: Да, у меня есть веб-сайт для моего портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался и теперь также нахожусь в Twitter.

Вопрос: Вы пишете статьи для своего блога или для других блогов и изданий? Считаете ли вы, что это эффективный способ заявить о себе?

Боб Флинн: Я регулярно размещаю рисунки в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию в Flash. Просто присутствие в Интернете — это хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы могли бы оказать, делясь информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию во время работы, и это сделает ваши посты более интересными.

Однако я бы не стал вмешиваться в это только для того, чтобы узнать свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отвернуться от людей. Участие имеет ключевое значение: мне нравится читать о том, что говорят все остальные. На самом деле в этом больше ценности.

Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Grey Matter, старый инструмент для ведения блога. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, для удобства разделил портфолио и блог (теперь в Blogger). В блоге время от времени я буду писать статью или туториал. Судя по отзывам, которые я получаю, я считаю это эффективным методом продвижения.

Jayme McGowan: У меня есть блог, в котором я публикую изображения своей незавершенной работы и новости о текущих проектах, в которых я участвую. Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта с портфолио пришли туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто опубликовал пост о моей работе в своем блоге. Я думаю, что если вы будете поддерживать свой блог в актуальном состоянии и регулярно публиковать его, это станет бесценным инструментом для того, чтобы ваше имя стало известным.

Вопрос: Каковы проблемы создания стратегии саморекламы? Вы внедрили стратегию саморекламы для себя? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени потребуется, чтобы стратегия начала работать в его пользу?

Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо разрабатывал настоящую стратегию. Вы разговариваете с парнем, который никогда даже не рассылал промо-карты. Мой подход заключался в том, чтобы поставить себя там и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой поговорки: «Просто будь собой» — так ты выделишься среди остальных. Я стараюсь обновлять свой блог не реже одного раза в неделю, чтобы люди возвращались. Отслеживание статистики вашего веб-сайта — это хороший способ увидеть, что остается (т. е. откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные посты).

Alex Dukal: Да, конечно, как художнику-фрилансеру, самореклама абсолютно необходима. Я думаю, что первая проблема заключается в том, чтобы иметь что сказать, что показать, надежное портфолио, чтобы поддержать это продвижение.

Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс сайта, и что делает его доступным и простым. А еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, база контактов и т. д. Это большой сад; надо поливать и ухаживать за ним каждый день.

Я думаю, что такую ​​стратегию следует рассматривать на разных этапах. И ждать чуда раньше полугода нельзя (хотя чудеса бывают).

Alex Dukal

Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, изучив сети, в которых участвовали успешные художники, которыми я восхищался, и попытался сделать что-то подобное. Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают у меня работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.

Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть искренне заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время ничего не отдавая. Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: пусть люди время от времени узнают, чем вы занимаетесь, и верьте, что они последуют за вами, если им понравится то, что они увидят.

Вопрос: Вы регулярно отправляете свои работы в онлайн-галереи? Полезно ли это для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?

Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на отличном веб-сайте под названием Illustration Mundo, которым управляет Нейт Уильямс, но я никогда не размещал свои работы в онлайн-галерее (и не платил за что-либо подобное). Думаю, я рассматриваю свой блог как имеющий эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.

Пино Ламанна, также известный как SchakalWal, иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.

Вопрос: Пожалуйста, расскажите о себе и своей работе. Как вы начали работать в этой сфере?

Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко. Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы. Я занимаюсь иллюстрациями около года. До этого я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.

Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немецкий цифровой художник, живу и работаю в городе Вупперталь, Германия.

В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализирующимся на уникальном брендинге, ручной типографике и дизайне персонажей. Большая часть моей работы находится под сильным влиянием граффити и уличного искусства, олдскульных мультфильмов и музыки, которую я слушаю. Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в городском стиле.

Свои первые шаги в качестве дизайнера я сделал еще маленьким ребенком, рисуя комиксы со своими супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я увлекся движением граффити и уличного искусства.

Первое, что привлекло меня в цифровом искусстве, это манипуляции с фотографиями. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства. Позже я переключил свое внимание на иллюстрацию, брендинг и типографику, которые, как мне кажется, подходят мне лучше всего.

Вопрос: Расскажите немного о своих работах. Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?

Макс Костенко: В работе использую только Фотошоп. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем на самом деле хочу работать, потому что мне работа дизайнера показалась скучной, и я начал рисовать глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, рисуя их. В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю свою обычную круглую кисть и начинаю рисовать.

Макс Костенко

Пино Ламанна: Несмотря на то, что для той работы, на которой я специализируюсь, работа в Illustrator или других векторных инструментах была бы обычной, большую часть своей работы я создаю в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу поделать. Особой разницы нет, потому что Photoshop тоже имеет возможности редактирования векторов.

Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.

Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело. Хотя первые шаги давались тяжело. Я помню, как был поражен миллионом вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоиться с различными техниками и методами.

Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и многое знал о векторном редактировании из Photoshop. И, конечно же, везде есть учебники по Illustrator.

Вопрос: Что является главным источником вдохновения для ваших произведений? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?

Макс Костенко: Вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте. Я всегда ищу работы известных художников: это стимулирует меня расти и совершенствовать свои навыки. Я познакомился с цифровым искусством через Society of Digital Artists, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать». Но потом я постепенно стал рисовать такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому предстоит научиться.

Пино Ламанна: Вдохновение может прийти из чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши. На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и, в конце концов, эти сообщества помогли определить меня как художника.

Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?

Макс Костенко: Самое главное — это основная идея, наверное, план. Если он у вас есть, вы можете начать рисовать. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, и поэтому я начинаю с больших форм, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это самое сложное для меня. В конце я завершаю последние детали.

Пино Ламанна: У меня всегда есть ручка и бумага, даже в моей спальне. Вы никогда не знаете, когда идеи появятся у вас в голове, и вам лучше сохранить их, прежде чем вы забудете.

Мозговой штурм и наброски очень важны для меня. Если идеи появляются во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все дела, которые делаю, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.

Пино Ламанна

При работе с клиентами очень важно проводить исследования. Без подробного брифа найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть сложно. Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.

Еще одним важным аспектом моего творческого процесса является терпение. Часто я нахожу хороший поток и не могу прекратить работу над конкретным дизайном, пока не буду счастлив (и исчерпан). Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до завтра. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда я смотрю на свою работу с небольшого расстояния.

Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.

Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом. После школы я пытался поступить в Колледж автомобильного дизайна, но мне отказали… несмотря на то, что я отлично сдал экзамены по рисунку.

Пино Ламанна: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и усердно тренировался, чтобы создать самых могущественных супергероев и злодеев в мире. Я могу вспомнить только одного персонажа из тех дней: Супер-лягушку. (Я знаю, что это глупо, так что не сердись!)

Позже у меня появился некоторый опыт работы с граффити и уличным искусством. Однако до All City Kings так и не добрался.

Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что последние пару лет я в основном занимаюсь цифровым искусством.

Вопрос: Как бы вы определили свое отношение к традиционному искусству? Кто ваш любимый художник?

Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковской галерее и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте много веков назад. Меня каждый раз удивляет талант классических художников.

Мне нравятся русские художники-пейзажисты. Василий Поленов и Иван Шишкин для меня на высоте.

Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому самореклама необходима.

Я спросил у Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейми Макгоуэна, Криса Пясчика и Ирмы Грюнхольц, что они думают об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.

Боб Флинн — мультипликатор, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией. В настоящее время он проживает в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы публиковались в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.

Алекс Дукал — иллюстратор, родившийся и выросший в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.

Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстраций и комиксов. Поработав некоторое время в основном в веб-дизайне, Алекс решил вернуться к иллюстрации. На данный момент он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.

Джейми МакГоуэн — художник-фрилансер и 3D-иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.

Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?

Боб Флинн: У меня есть сайт, но мне очень лень его обновлять. И я обнаружил, что получаю меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, который бесконечно легче добавлять. Веб-сайт портфолио — это скорее структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, желающих профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и почти не дает возможности для двустороннего общения. Вы почти не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением дружеского электронного письма или двух в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.

В дополнение к тому, что я веду блог (мой основной канал связи), в настоящее время я зарегистрирован в Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, в Google Buzz. Стоит ли участвовать во всех? Вероятно. Я обнаружил, что вы действительно не можете быть в слишком многих местах, хотя, безусловно, существует порог здравомыслия. Разная аудитория посещает каждое социальное пространство (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить как можно больше людей — быть везде.

Twitter в настоящее время является лучшим местом для отслеживания людей в отрасли и общения с коллегами, но не все там. Facebook находится там, где почти все остальные, хотя жонглирование друзьями, семьей и бизнесом, по общему признанию, обременительно. Вы должны прополоть беспорядок (я меньше поклонник его все более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr является самым простым: загружайте изображения, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и у него до сих пор нет собственной индивидуальности. Но это другое место, где вы, вероятно, должны быть.

Я могу отследить большинство потенциальных клиентов и контактов до твита здесь или комментария там. Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивном ключе, вы действительно не ошибетесь.

Движимый одержимостью необычными мультфильмами, основанными на оптимизме и оттенёнными гротеском, Боб Флинн постоянно занят превращением бессмысленных существ в комиксы, иллюстрации и анимацию.

Алекс Дукал: Да, у меня есть портфолио онлайн с 19 летМне 98 лет, и в настоящее время я часто пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Фликр. Я использовал Orkut, когда он только вышел. Я попробовал Google Buzz, и мне это не понравилось. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы посмотреть, не превратится ли он когда-нибудь во что-то интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.

Jayme McGowan: Да, у меня есть веб-сайт для моего портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался и теперь также нахожусь в Twitter.

Вопрос: Вы пишете статьи для своего блога или для других блогов и изданий? Считаете ли вы, что это эффективный способ заявить о себе?

Боб Флинн: Я регулярно размещаю рисунки в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию в Flash. Просто присутствие в Интернете — это хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы могли бы оказать, делясь информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию во время работы, и это сделает ваши посты более интересными.

Однако я бы не стал вмешиваться в это только для того, чтобы узнать свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отвернуться от людей. Участие имеет ключевое значение: мне нравится читать о том, что говорят все остальные. На самом деле в этом больше ценности.

Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Grey Matter, старый инструмент для ведения блога. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, для удобства разделил портфолио и блог (теперь в Blogger). В блоге время от времени я буду писать статью или туториал. Судя по отзывам, которые я получаю, я считаю это эффективным методом продвижения.

Jayme McGowan: У меня есть блог, в котором я публикую изображения своей незавершенной работы и новости о текущих проектах, в которых я участвую. Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта с портфолио пришли туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто опубликовал пост о моей работе в своем блоге. Я думаю, что если вы будете поддерживать свой блог в актуальном состоянии и регулярно публиковать его, это станет бесценным инструментом для того, чтобы ваше имя стало известным.

Вопрос: Каковы проблемы создания стратегии саморекламы? Вы внедрили стратегию саморекламы для себя? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени потребуется, чтобы стратегия начала работать в его пользу?

Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо разрабатывал настоящую стратегию. Вы разговариваете с парнем, который никогда даже не рассылал промо-карты. Мой подход заключался в том, чтобы поставить себя там и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой поговорки: «Просто будь собой» — так ты выделишься среди остальных. Я стараюсь обновлять свой блог не реже одного раза в неделю, чтобы люди возвращались. Отслеживание статистики вашего веб-сайта — это хороший способ увидеть, что остается (т. е. откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные посты).

Alex Dukal: Да, конечно, как художнику-фрилансеру, самореклама абсолютно необходима. Я думаю, что первая проблема заключается в том, чтобы иметь что сказать, что показать, надежное портфолио, чтобы поддержать это продвижение.

Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс сайта, и что делает его доступным и простым. А еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, база контактов и т. д. Это большой сад; надо поливать и ухаживать за ним каждый день.

Я думаю, что такую ​​стратегию следует рассматривать на разных этапах. И ждать чуда раньше полугода нельзя (хотя чудеса бывают).

Alex Dukal

Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, изучив сети, в которых участвовали успешные художники, которыми я восхищался, и попытался сделать что-то подобное. Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают у меня работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.

Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть искренне заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время ничего не отдавая. Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: пусть люди время от времени узнают, чем вы занимаетесь, и верьте, что они последуют за вами, если им понравится то, что они увидят.

Вопрос: Вы регулярно отправляете свои работы в онлайн-галереи? Полезно ли это для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?

Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на отличном веб-сайте под названием Illustration Mundo, которым управляет Нейт Уильямс, но я никогда не размещал свои работы в онлайн-галерее (и не платил за что-либо подобное). Думаю, я рассматриваю свой блог как имеющий эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.

Алекс Дукал: Вовсе нет на оба вопроса. Десять лет назад, если кто-то приглашал вас показать какую-то свою работу в онлайн-галерее, это было мило, лестно. Сегодня, я думаю, мы должны быть осторожны, потому что критерии отбора часто не так уж велики, и на эти детали тоже нужно обращать внимание. Если вы выставите свою работу в неправильном месте, это может привести к отрицательному результату. В принципе, доверие должно исходить из самой работы.

Jayme McGowan: У меня есть профиль на Illustration Mundo, отличном веб-сайте, который функционирует в основном как каталог иллюстраторов, а не как галерея. Честно говоря, я не участвую ни в каких онлайн-галереях. Я уверен, что это отличный способ получить обратную связь от коллег, но я не уверен, что это добавит вам авторитета как профессионалу. Я сам могу вести ограниченное количество веб-страниц, поэтому стараюсь ограничивать их теми, от которых получаю наибольшую пользу, теми, на которых, как мне кажется, меня могут найти арт-директора и покупатели.

Jayme McGowan

Chris Piascik — независимый дизайнер и иллюстратор, активно участвующий в сообществе дизайнеров. Имея шестилетний профессиональный опыт работы в отмеченных наградами фирмах в Новой Англии, его работы были опубликованы во многих книгах и публикациях, в том числе в серии Logo Lounge , Typography Essentials и Lettering: Beyond Computer Graphics . В настоящее время он ежедневно публикует рисунки на своем веб-сайте.

Ирма Грюнхольц — испанский иллюстратор, специализирующийся на глине и других материалах, что позволяет ей работать в больших объемах. Ее работы используются в книгах, журналах, рекламе и онлайн-маркетинге.

Вопрос: Являетесь ли вы активным участником всех социальных сообществ, к которым вы присоединились? Сколько времени вы выделяете на общение в социальных сетях? Обязуетесь ли вы регулярно публиковать новые рабочие и личные обновления?

Крис Пясчик: Я активно участвую во многих социальных сообществах. Я признаю, что я присоединился к некоторым, за которыми я не мог угнаться! На самом деле я не выделяю время для общения в социальных сетях, хотя, наверное, это хорошая идея. Вместо этого я разбрасываю его в течение дня, будь то просмотр Twitter на моем iPhone, экспорт большого файла на моем компьютере или откладывание начала нового проекта. Все дело в многозадачности! Я думаю, что самое большое, что помогло мне в социальных сетях, — это мои ежедневные рисунки. С понедельника по пятницу я публикую новый рисунок на Flickr, а оттуда я публикую его на своем личном веб-сайте, и эти обновления передаются в мои учетные записи Twitter и Facebook.

Chris Piascik

Irma Gruenholz: Да, у меня есть блог, и я участвую в некоторых социальных сообществах, таких как Flickr и Behance. К сожалению, у меня не так много времени для очень активного присутствия. Я хотел бы уделить больше времени, потому что это хороший способ не отставать и видеть работы других художников.

Вопрос: Какое сообщество на данный момент является наиболее ценным для поиска работы?

Крис Пясчик: Я думаю, что большинство сетей имеют ценность. Однако я думаю, что Flickr работает очень хорошо. Моя страница Flickr, кажется, получает больше всего трафика из всех моих сайтов. Flickr настолько обширен, что многие люди используют его для поиска изображений. Я думаю, что мои ежедневные обновления помогают моей работе не потеряться.

Ирма Грюнхольц: Судя по личному опыту, Behance — это хорошая платформа для показа ваших работ арт-директорам и покупателям произведений искусства. Я получил некоторую работу через это.

Вопрос: Насколько важно составлять сообщения, которые вы отправляете, и поддерживать профессиональный вид вашего веб-сайта?

Крис Пясчик: Я не так часто подвергаю себя цензуре. Я думаю, что честность — это хорошо. Моя работа имеет некоторую индивидуальность; многое из этого имеет расплывчатое качество — сочетание этого с холодным или профессиональным веб-присутствием может показаться странным. Расширение ваших социальных сетей требует, чтобы вы были самим собой… до тех пор, пока «себя» интересен!

Ирма Грюнхольц: Присутствие в Интернете очень важно для художника. Это лучший способ показать свою работу всему миру. Поэтому обновляйте свой веб-сайт и упрощайте общение с людьми, которые хотят следить за вашей работой.

Ирма Грюнхольц

Вопрос: Как вы находите время для социальных сетей? Вы привержены только веб-сайтам, от которых вы можете получить некоторую профессиональную выгоду?

Крис Пясчик: Я полностью отказался от сна. Я просто посыпаю его в течение дня. Это хороший способ начать свой день, попивая кофе или обедая. Я бы не сказал, что ограничиваюсь только сайтами, которые мне приносят пользу, хотя я считаю, что все сети помогают. Видимость есть видимость. Я также использую социальные сети, чтобы оставаться на связи с друзьями, поэтому для меня это не совсем бизнес.

Ирма Грюнхольц: У меня мало времени для социальных сетей, поэтому я предпочитаю сосредоточиться на сообществах, связанных с моей профессией.

Избранные художники

Чтобы понять значение искусства и его эволюцию с течением времени, я взял интервью у Александра Данилоффа и Джонатана Болла. Чтобы изучить эстетику цифрового искусства, я поговорил с Яном Виллемом Веннекесом, который затронул некоторые важные моменты, связанные с различиями между цифровыми художниками и другими художниками, а также с природой самого цифрового искусства.

Я также представляю Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы узнать больше об их работе и их отношении к технологиям, включая инструменты цифрового искусства и социальные сети, а также изучить влияние Интернета на развитие искусства.

Чтобы лучше понять связь между современными художниками и новыми методами и инструментами создания искусства, я взял интервью у Макса Костенко и Пино Ламанны. Я сосредоточился на их творческом процессе и профессиональном опыте, начиная с их выхода на поле и заканчивая текущими источниками вдохновения.

Наконец, я взял интервью у Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейми МакГоуэна, Криса Пясчика и Ирмы Грюнхольц, спросив их мнение о проблемах, с которыми сталкиваются художники при продвижении себя и своей работы в новой сети, пытаясь зафиксировать их опыт работы с социальными сетями и художественные онлайн-сообщества.

Каждый из этих художников имеет особый стиль и является активным членом художественного сообщества. Таким образом, они могут стать источником вдохновения для многих. Надеюсь, их выводы будут полезны.

А ты? Что для вас значит искусство?

искусство — Студенты | Britannica Kids

Введение

Великие музеи Телевидение

Что такое искусство? Каждый из нас может определить картину или представление, которое мы считаем искусством, только чтобы обнаружить, что мы одиноки в своей вере. Это потому, что, в отличие от большей части мира, который мы воспринимаем через наши чувства, искусство не может быть легко определено.

Научные руководства описывают, что делает растение овощем, и в них устанавливается, что помидор является фруктом. Существуют также культурные рекомендации по различному использованию фруктов и овощей, и в этих рекомендациях утверждается, что помидор — это овощ. Если такая сложность существует для простой еды, представьте, насколько жаркими могут быть споры об искусстве.

Не существует строгих научных критериев, определяющих одну картину как искусство, а другую как мусор. Кроме того, после тысячелетий смешения культур не осталось и традиций, которые четко отличали бы искусство от пустого подражания. Вместо этого многие сложные точки зрения конкурируют за то, чтобы описать то, что делает что-то художественным. Некоторые из этих точек зрения были воплощены в признанных выражениях, таких как «Красота — это истина», «Форма следует за функцией» или «Искусство ради искусства». Другие выражения, такие как «Искусство для большей славы Бога», изображают вековые верования.

Однако существует одно общее правило, с которым может согласиться большинство людей при определении или обсуждении искусства. Ключ в самом слове: искусство искусственно. То есть искусство создается людьми, а не природой. За этим лежит мир разногласий.

Большинство людей не считают банку супа искусством, но это не помешало американскому художнику Энди Уорхолу сделать серию картин банки супа. Это не помешало его многочисленным поклонникам называть его картины искусством. Точно так же народ пуэбло на юго-западе Америки мог не считать своих кукол качина — миниатюрных резных и украшенных кукол в религиозных костюмах — искусством. Тем не менее, многие люди, не принадлежащие к пуэбло, собирают и ценят кукол качина за их художественные достоинства.

Первые люди, создававшие то, что сегодня считается искусством, вероятно, вообще не пытались конструировать искусство. Невозможно сказать, что замыслил живописец из пещеры Ласко во Франции около 15 000 лет назад, создавая поразительные изображения бизонов, антилоп, мамонтов и других мигрирующих животных. Возможно, художник пытался символически запечатлеть животных перед тем, как отправиться на охоту. Возможно, картины являются записями предыдущих охот. Возможно, изображения были частью сложного социального ритуала. Или, может быть, это просто умные рисунки.

Каждая цивилизация приложила усилия, чтобы установить некоторый порядок в том, что ее граждане воспринимают как художественное выражение. Жители острова Пасхи посвятили себя лепке гигантских стилизованных каменных фигур, вероятно, представляющих важных личностей, которые после смерти стали богами. Многие мусульманские традиции, напротив, уже давно запрещают изображение живых существ. Вместо этого эти народы разработали элегантные разновидности каллиграфии (художественный почерк и буквы) и яркие геометрические узоры в своих художественных произведениях.

Оглядываясь назад, мы рассматриваем этот художественный контроль как определяющий искусство периода или людей, даже если его практикующие не предполагали, что это так в то время. Таким образом, статуя бога в виде бородатого и крылатого льва понимается сегодня как типичная для древнего ассирийского искусства, независимо от того, задумывал ли ее скульптор эту статую как искусство, то есть искусство в современном смысле произведения, предназначенного для галерея.

Искусство в западном мире

В раннегреческие и римские времена слово искусство относилось к любому полезному навыку. Изготовление обуви, металлообработка, медицина, сельское хозяйство и даже военное дело когда-то считались искусством. Они были на одном уровне с тем, что сегодня называется изобразительным искусством — живописью, скульптурой, музыкой, архитектурой, литературой, танцами и смежными областями. В этом более широком смысле искусство определялось как умение создавать или делать что-либо, основанное на верных и адекватных рассуждениях.

Этот общий смысл искусства сохранился в некоторых современных выражениях. Термин «гуманитарные науки», например, относится к семи курсам университетского обучения, которые предлагались в Средние века: грамматика, риторика (убедительная речь), логика, арифметика, геометрия, музыка и астрономия. Студент, закончивший эти курсы, получил степень бакалавра гуманитарных наук, термин, который до сих пор используется в современном высшем образовании.

В то время как сегодня искусства принято делить на изящные и полезные искусства, греческие философы, особенно Платон (428?–348? до н. э.) и Аристотель (384–322 до н.э.), искусств. Рабские искусства были делом низших классов в Древней Греции и Риме, и эта классификация включала то, что сегодня называется изящными искусствами.

Латинское слово ars (множественное число, artes ) применялось к любому навыку или знанию, которые были необходимы для производства чего-либо. От него произошло английское слово искусство. Слово «либерал» происходит от латинского либералиса, означающего «подходящий для свободного человека». Таким образом, исследования, которыми занимались свободные граждане, считались гуманитарными науками. Это были искусства, которые требовали превосходных умственных способностей и обширных знаний, а также свободного времени для приобретения знаний. Такие искусства — например, логика или астрономия — противостояли навыкам, которые в основном представляли собой физический труд.

Servilis, латинское слово, обозначающее рабский или рабский, использовалось для описания ручной работы, которую часто выполняли рабы или, по крайней мере, представители низших классов. Рабские искусства включали такие навыки, как обработка металлов, живопись, скульптура или изготовление обуви. Продукты этих искусств приносили материальный комфорт и удобства, но сами такие искусства не считались исключительными или благородными.

Эстетика и красота

Понятие beaux-arts, термин, придуманный во Франции в 17 веке, на английском языке выражается как изобразительное искусство. Но французское слово beau (множественное число, beaux ) обычно переводится как «красивый». Это использование является решающим ключом к отделению изящных искусств от полезных искусств в 1700-х годах. Искусства, создающие красоту, были отделены от искусств, создававших полезные предметы, из-за веры в то, что изящные искусства обладают особым качеством: они служат для того, чтобы доставлять удовольствие тем, кто их созерцает. Этот вид удовольствия назывался эстетическим и относился к удовлетворению, которое люди получают исключительно от восприятия — видения и/или слышания — произведения искусства. Работа может быть картиной, музыкальным или драматическим представлением, хорошо спроектированным зданием или литературным произведением. Удовлетворение могло исходить от воспринимаемой красоты, правды или добра, но с середины 18 века акцент делался в основном на красоте.

Эстетика

Изучение или «наука» о прекрасном известна как эстетика — слово, происходящее от греческого aistethikos, означающего «чувственное восприятие». Термин «эстетика» был введен немецким философом Александром Готлибом Баумгартеном в двухтомном труде на эту тему. Написанный на латыни и названный Aesthetica , он был опубликован с 1750 по 1758 год. Работа, хотя и незаконченная, утвердила эстетику как раздел философии.

Для Баумгартена эстетика имела два акцента. Во-первых, это было философское исследование теории красоты; во-вторых, это была теория искусства. Эти два акцента, сведенные вместе в одном исследовании, позволили отличить изобразительное искусство от других видов деятельности человечества.

Признание изобразительного искусства как чего-то самобытного начало формироваться, однако, раньше, в эпоху Возрождения (преимущественно 15-16 вв. в Европе). Впервые художники большого мастерства завоевали индивидуальную репутацию, и их работы стали предметом повышенного внимания. После 1000-летнего периода, известного как Средневековье (примерно с 500 по 1500 год нашей эры), в течение которого римско-католическая церковь доминировала в европейской культуре, искусством стали заниматься богатые аристократы, недавно разбогатевшие купцы и банкиры. Они соревновались друг с другом во владении прекрасными вещами — домами, садами, коллекциями картин и скульптур, прекрасными книгами — и представлением театральных и музыкальных представлений.

Искусство декорирования и дизайна также приобрело престиж, которого раньше не было. Архитекторы, художники-пейзажисты, живописцы и скульпторы получили новую известность и, зачастую, большие финансовые вознаграждения. Монархи, дворяне и растущий средний класс стали покровителями искусств: они нанимали композиторов, драматургов и других художников для создания для них произведений. К тому времени, когда Баумгартен опубликовал свою книгу « Aesthetica », изобразительное искусство завладело воображением Европы. Его новая терминология послужила повышению репутации этих искусств, а последующие философы обеспечили интеллектуальную основу для их понимания.

С конца 18 века эстетика стала достаточно обширной и разнообразной областью изучения. Подобно другим «наукам», она вышла из-под зонтика философии и стала самостоятельной дисциплиной. Он пытается классифицировать искусства — понять, например, что общего между такими разными вещами, как балет и скульптура, что позволяет их классифицировать вместе как изобразительное искусство. Изучение эстетики также пытается описать формы и стили различных искусств. Он разрабатывает теории истории искусства в попытке проследить закономерности художественного развития и изменений, а также анализ внешнего влияния на художников и их стили.

Красота

В отличие от эстетики, которая не использовалась как термин до 1750-х годов, красота была предметом вдумчивых дискуссий и разногласий на протяжении многих столетий. Древнегреческий философ Платон много говорил о природе красоты в нескольких своих диалогах. Для Платона истинная красота была идеалом за пределами человеческого восприятия; как истина и добро, оно было вечным. Он считал, что видимая красота не может быть абсолютно прекрасной, потому что она подвержена изменению, росту и увяданию. Такая красота была, по его мнению, всего лишь воспроизведением или имитацией истинной красоты.

Британская энциклопедия, Inc.

Несмотря на все, что Платон говорил о красоте, в его сочинениях никогда не дается ее точного определения. Греческие художники и ремесленники (ремесленники) умели представить красоту в таких шедеврах, как Парфенон в Афинах и Колосс Родосский, массивная статуя бога солнца Гелиоса. Они требовали пропорции и гармонии в соответствии со своим принципом умеренности: ничего лишнего или слишком малого. Но примеры не составляют определений. В позднем средневековье св. Фома Аквинский пытался определить красоту как «нечто приятное для созерцания». Подражая грекам, он отмечал, что «красота заключается в должной пропорции, ибо чувства наслаждаются вещами, соразмерными».

В качестве определения слова Аквинского неудачны. Это одна из двух основных проблем, с которыми красота сталкивается перед теми, кто хочет ее изучать, — ее невозможность выразить четким и кратким определением, которое каждый может понять и с которым согласится. Не менее досадна и вторая проблема: существуют ли настоящие эталоны красоты или дело только в том, что думает публика? Знакомое утверждение «Красота в глазах смотрящего» — самый распространенный способ сказать, что то, что считается красивым, зависит от зрителя. Другое мнение гласит, что красоту можно отделить от безобразия, так же как истину можно отделить от лжи, а добро от зла.

Искусство, технологии и прогресс

Как отмечалось выше, в западном мире одно время искусство придавало такое же значение, как и другим методам изготовления или исполнения. Однако такое общее понимание больше не принимается.

Хотя термин «технология» имеет корень techne, греческого слова «искусство», в настоящее время общепринято, что он относится к прикладной науке. Восприятие технологии как искусства все еще имеет определенное значение из-за той роли, которую мастерство играет в обеих сферах, а также потому, что и то, и другое связано с преобразованием материи. Навыки художника, ремесленника и технолога вносят изменения в мир природы. Скульптор превратил блок мрамора в статую. Техники с помощью машин превращают кремний, металл и пластик в микрочип. Однако в остальном искусство и технология почти полностью разошлись. Цель скульптора — запечатлеть момент, обратиться к своему веку, создавая произведения, которые будут жить вечно. Цель технического специалиста — сделать науку пригодной для использования по мере ее развития.

Технологии предполагают постоянные изменения и улучшения. Как только новая техника открыта и принята, общество в целом обычно не возвращается к прежней технике. Автомобиль вытеснил лошадь и повозку; электрический свет заменил керосиновые лампы; звуковые фильмы заменили немые фильмы; а компьютеры сделали пишущие машинки почти полностью устаревшими.

Этот шаг вперед технологии называется прогрессом. В изобразительном искусстве такого прогресса нет. Мастерство художника основывается на знаниях и опыте, так же как и мастерство техника. Но процессы, связанные с созданием и переживанием каждого из них, кажутся разными. Сегодня, например, можно восхищаться конструкцией римской колесницы, но мало кто захочет полагаться на нее как на обычное средство передвижения. Напротив, все еще можно войти в Сикстинскую капеллу Ватикана и поразиться великолепию фресок Микеланджело. Эти произведения искусства обладают совершенством, которое не устарело.

Произведение искусства, будь то гравюра на дереве японского художника Хиросигэ или концерт Моцарта, не является ступенькой к чему-то другому, что когда-нибудь будет считаться улучшением. Произведение искусства стоит само по себе — отличительное на все времена. Живопись 21 века, какой бы хорошей она ни была, нельзя считать улучшением по сравнению с доисторическими наскальными рисунками Ласко.

В конце 20 века искусство и технологии объединил компьютер. Стало возможным использовать компьютеры для создания музыкальных композиций, проектирования трехмерных моделей коммерческих продуктов, создания анимации и обработки изображений для фильмов. Компьютеры даже породили формы искусства, специально предназначенные для восприятия через саму компьютерную среду. Но различие между технологией и искусством сохраняется. Компьютеры могут сделать выполнение некоторых видов искусства более сложным или интересным, но они не улучшают искусство и не делают технологии более художественными по своей сути.

Полезные искусства

После того, как эстетика возвела изящные искусства в самостоятельный класс, слово «искусство», когда оно использовалось отдельно, обычно понималось как обозначающее изобразительное искусство. Когда оно относилось к другим, менее совершенным навыкам, слово модифицировалось различными прилагательными. Сегодня, например, часто можно услышать термины «декоративное искусство», «коммерческое искусство», «промышленное искусство» и «графика».

Термин «полезные искусства» может использоваться для обозначения того, что конкретно не относится к изобразительному искусству, хотя даже этот термин далеко не точен. Концерт для фортепиано с оркестром, очевидно, предназначен для того, чтобы его слушали и наслаждались, и никакой другой цели у него нет. Однако этого нельзя сказать о красивом, хорошо спроектированном здании. Таким образом, хотя архитектура является одним из видов изобразительного искусства, ее продукты помимо доставления эстетического удовольствия имеют и другие цели: основные функции зданий заключаются в том, чтобы служить домами и рабочими местами.

Полезность и красота также имеют тенденцию пересекаться в других начинаниях, основной целью которых является создание полезных предметов. Мебель, украшения и фарфор, сделанные искусными мастерами, должны быть красивыми и полезными. Самодельные сундуки и стеганые одеяла, а также другие предметы народного творчества и домашнего творчества имеют простой, но привлекательный дизайн. Узоры, созданные для настенных покрытий, драпировок и ковров, также относятся к общей категории декоративно-прикладного искусства.

Отрасли массового производства вкладывают много усилий и денег, чтобы сделать автомобили, лодки, телевизоры, компьютеры и бытовую технику привлекательными и функциональными. Все эти предметы предназначены для обращения к нашим чувствам, но их основной целью остается их полезность. Только когда предмет ценится больше за его сенсорную привлекательность, чем за его функцию, он превращается в арт-объект. Это произошло совершенно очевидным образом, когда в 1919 году в Музее Соломона Р. Гуггенхайма была выставлена ​​коллекция мотоциклов.98. Машины вызывали восхищение в первую очередь за их «эстетическое и дизайнерское совершенство», а не за их транспортные возможности.

Классификация искусств

Искусство классифицируется как свободное или рабское, прекрасное или полезное, как отмечалось выше. Их также можно классифицировать по смыслу, к которому они обращаются, или по количеству навыков, необходимых для создания конечного продукта.

Воздействие на органы чувств

Искусство обычно классифицируют по их обращению к органам зрения или слуха. Поскольку эстетическая оценка живописи, скульптуры и архитектуры зависит от зрения, все они относятся к изобразительному искусству, хотя скульптура может также воздействовать на осязание. Некоторые полезные искусства, такие как изготовление мебели, также привлекают прикосновение. Танец, хотя в основном доставляет удовольствие визуально, также может вызвать мышечную реакцию. Музыка — это слуховое искусство, требующее способности слышать, чтобы воспринимать ее так, как задумано. Литература имеет как визуальную, так и слуховую составляющие. Когда человек читает роман, разум переводит в образы слова автора, переданные визуально. Записанные книги или аудиокниги передают литературное произведение через устное слово. Если кулинария относится к полезным искусствам, она привлекает как вкус, так и запах. Большинство видов искусства классифицируются как визуальные, слуховые или и те, и другие.

Отдельные или составные виды искусства

Архитектура как составное искусство, вероятно, возникла в результате естественного разделения труда. Даже в прошлые века, когда строительные конструкции были, как правило, проще, ни один человек, проектировавший большое здание, не должен был обладать опытом на всех этапах его строительства. Как проектировщик, архитектор, вероятно, работал надзирателем и координатором проекта. Специалисты, работавшие под началом архитектора, принадлежали к своим гильдиям, так же, как сегодня многие состоят в союзах.

© Raluca Tudor/Dreamstime.com

Живопись, скульптура, музыка и литература являются отдельными видами искусства. Каждая картина, статуя, симфония или стихотворение — это выражение одного таланта и почти всегда одного человека. Архитектура, опера, драма и танец — составные виды искусства. Их успех зависит от множества художественных талантов.

Великие религиозные сооружения средневековой и ренессансной Европы были результатом сотрудничества архитекторов, каменщиков, стеклодувов, скульпторов, художников и мозаичных мастеров. Опера сочетает в себе драматическую историю, музыку, которую играют и поют, хорошо продуманные декорации и костюмы, актерское мастерство и, возможно, танец. Кинокартина объединяет таланты писателей, актеров, режиссеров, музыкантов, художников по костюмам и декорациям, операторов и многих других технических специалистов. Балет сочетает в себе танец, музыку, костюмы, декорации и, как правило, сюжет.

Подражание и выражение в искусстве

В четвертой главе своей « Поэтики» греческий философ Аристотель говорит: «Подражание естественно для человека с детства, одно из его преимуществ перед низшими животными состоит в том, что он самое подражательное существо в мире и сначала учится путем подражания. И также естественно для всех получать удовольствие от подражания». Под «произведениями подражания» Аристотель имел в виду произведения искусства. Это включало продукты человеческого мастерства, которые теперь считаются технологическими. Другие термины, которые он мог бы использовать для подражания, — это репрезентация и изображение.

На протяжении всей истории западного искусства, от древнего мира до начала 20 века, считалось само собой разумеющимся, что искусство подражало природе. Английский поэт XVI века Томас Овербери просто сказал: «Природа принадлежит Богу. Искусство — это инструмент человека». Примерно через 300 лет английский критик Джон Раскин заметил: «Искусство изображает вещи не ложно, а по-настоящему, какими они представляются человечеству».

Подражание считалось частью полезных искусств, а также того, что сейчас называется изящными искусствами. Обувь имитирует ногу, а стул повторяет человеческую форму. Самой живучей темой скульптора было изображение человеческого тела. Большая часть восточноазиатской живописи изображает природу. Платон в своем диалоге «Софист» заметил, что живописец способен подражать чему угодно на свете, и это правда, что выбор живописца практически безграничен. Литература может имитировать драму всего человечества или отдельной жизни. Поэзия в классическом смысле пыталась представить саму истину. Басё (1644–1699 гг.)4), мастер японского хайку, заявил, что это 17-сложное трехстрочное стихотворение должно содержать как восприятие некой вечной истины, так и элемент настоящего момента. Музыка отражает человеческие страсти, а также может представлять звуки, которые напоминают слушателю о каком-либо явлении — грохот пушек, когда Наполеон вторгся в Россию в увертюре Чайковского « 1812», катящиеся волны в « La Mer » («Море») Клода Дебюсси, и звуки насекомых в романе Римского-Корсакова «Полет шмеля 9».0015 .

Имитация в этих случаях не означает дублирования. Настоящий дом трехмерен. Картина дома, хотя, возможно, и является реалистичным изображением, только двухмерна. Скульптуре, пусть и трехмерной, не хватает жизни того, что она изображает. Искусство не воспроизводит то, что оно представляет.

Отрыв (или, по крайней мере, частичное отделение) искусства от строгого подражания природе начался примерно в 1870-х годах у художников-импрессионистов. Эти художники, в том числе Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро и Берта Моризо, чувствовали потребность запечатлеть быстрое и субъективное впечатление от того, что воспринималось органами чувств. Их работа сначала была категорически отвергнута влиятельными учреждениями того времени. Но свежий и совершенно другой способ живописи получил признание к концу 1880-х годов. Более того, он начал революцию в живописи и других изобразительных искусствах, сосредоточившись не на создании точного подобия предмета, а на выражении переживаний художника в данный момент.

На протяжении 20 века возникло множество течений в нерепрезентативном искусстве, главным образом в Европе и США, включая кубизм, дадаизм, абстрактный экспрессионизм, сюрреализм и минимализм. Отрицание того, что искусство должно быть подражательным, лежит в основе заявления Пабло Пикассо. Когда его спросили, рисовал ли он то, что видел, он ответил: «Я рисую то, что знаю». Рисовать то, что видишь, отражает принятие искусства как подражания. Довольно загадочное заявление Пикассо затуманивает проблему подражания и полностью фокусирует художественное творчество на художнике. Центральной целью и обязанностью художника является самовыражение, часто самовыражение, а не подражание какой-либо черте внешнего мира. Вдохновение художника и его тематика могут исходить изнутри. Или художник может попытаться выделить сущность увиденного, абстрагировать его качества. Отсюда и использование термина «абстрактное искусство» для описания большей части нереалистичного современного искусства.

Хотя любое искусство в какой-то степени является интерпретацией, современное искусство сделало интерпретацию добродетелью. Более ранние подходы, напротив, ценили мастерство художника, а не его или ее проницательность. Таким образом, конец 19-го и начало 20-го веков привели к резкому разрыву с прошлым пониманием искусства на Западе. Картина или скульптура больше не должны были относиться к чему-то знакомому. Вместо этого он может состоять только из абстрактных линий, форм и цветов. Можно сказать, что такое искусство выражает внутреннюю жизнь, воображение или эмоции художника. Некоторые работы вообще не «относятся» к теме. Они ни о чем, а вместо этого дают эстетический опыт через композицию или расположение чистых форм, цветов, текстур и тому подобного.

Подход «искусство как выражение» в целом заменил позицию «искусство как имитация». Например, многие критики утверждали, что все изобразительное искусство в какой-то степени абстрактно. В то время как некоторые особенности его предмета подчеркиваются, другие игнорируются или преуменьшаются. Готическое искусство Средневековья было в какой-то степени абстрактным, поскольку не претендовало на то, чтобы изображать буквальную реальность. Он был намерен изобразить религиозную символику, но абстракции не были настолько далеки от обычного опыта, чтобы зрители не могли легко распознать их. Портреты святых и изображения событий из жизни Иисуса, хотя и сильно стилизованные, стали знакомы зрителю по давним ассоциациям.

Музыка большинства периодов обладает довольно очевидным качеством выразительности. Но музыка, которая не программна, то есть музыка, которая не пытается предложить последовательность изображений или событий, которая не «о» чем-то, часто бывает выразительной так же, как и современное абстрактное искусство. Выражение художника, избавленное от необходимости изображать предмет, становится более абстрактным выражением идей или воображения посредством звука. Даже то, как структурирован звук, может быть «предметом» некоторой музыки, как это может случиться в минималистских композициях.

Хотя литературу труднее абстрагировать от конкретного предмета, ее также можно рассматривать с точки зрения выражения, а не подражания. Немецкий драматург 20-го века Бертольт Брехт, например, использовал театральные приемы, такие как диалоги и песни, адресованные публике, как своего рода комментарий. Его нерепрезентативный стиль отвергал использование иллюзии жизни. Вместо этого он сосредоточил внимание своей аудитории на идеях, которые пытался выразить через иллюстрацию представляемой истории.

Принципы формы

Дискуссии о подражании и самовыражении или о изящных и полезных искусствах сосредотачиваются на том, какой творческий или чувственный опыт определяет объект или процесс как искусство — по сути, что составляет содержание искусства. Когда обсуждение сосредотачивается на элементах и ​​качествах, формирующих искусство и на том, как искусство работает, оно сосредотачивается на форме искусства. Как показывают предыдущие обсуждения, простых определений художественной формы не существует. Существует ряд мнений, но есть также несколько моментов, с которыми большинство людей согласны, когда они используют термин «форма».

Трудно, если вообще возможно, разделить форму и содержание даже в целях обсуждения. В общем, однако, формой можно считать те черты произведения искусства, которые вместе функционируют, чтобы сделать его узнаваемым, цельным и уникальным объектом чувственного опыта. Форма — это аспект любого произведения искусства, создающий ощущение замысла и чутко контролируемой аранжировки. Музыка обеспечивает полезную основу для иллюстрации того, что подразумевается под формой.

Прослушав сложное музыкальное произведение — симфонию Иоганнеса Брамса, джазовую импровизацию Чарльза Мингуса или рагу ситариста Рави Шанкара — мы можем заявить, что не поняли произведение. Говоря это, мы не обязательно имеем в виду, что не уловили настроения или тона, то есть выразительного содержания произведения. Мы имеем в виду, что части, казалось, не «висели вместе» для нас в целом с четким чувством порядка. Наоборот, казалось, что это «куча частей», несколько случайно собранных, не расположенных таким образом, чтобы мы могли проследить развитие или схему музыкального произведения. Чего нам не хватает в этих случаях, так это понимания или знакомства с музыкальной формой.

В более простой и доступной музыке — народных песнях, поп-музыке и рок-музыке, классическом музыкальном театре и кино — формальные элементы (мелодия, гармония, ритм, последовательность аккордов и т. д.) сами по себе относительно просты. Они также построены по простому образцу, с довольно певучими куплетами, мелодии которых почти не различаются, если вообще различаются, повторяющимися припевами, несложными гармониями, основными ритмами и несколькими простыми последовательностями аккордов. С более продвинутой музыкой от публики требуется больше опыта и знаний, чтобы оценить композицию и ее исполнение.

В живописи любого стиля, материала или периода формальные элементы включают, среди прочего, линию, цвет, текстуру, форму и массу. Форма в живописи возникает в результате взаимодействия этих элементов и часто описывается с точки зрения пропорции, контраста, гармонии, перспективы, напряжения, объема и других источников визуальной энергии и дизайна. Народное и домашнее искусство, от ткачества и вязания до ковки железа и обработки кожи, характеризуется одинаковыми или близкими формальными признаками.

Другим фактором, играющим роль в художественной форме, является формирование паттернов сенсорных элементов, обычно посредством повторения или сбалансированных отношений. В районе Хорасан на северо-востоке Ирана деревенские ремесленники конца 18 — начала 19 вв.века умело разрабатывала и производила ценные гератские ковры. На коврах изображены богатые и замысловатые узоры геометрических фигур с решеткой или сетью, которая проглядывает сквозь лабиринт цветов и листьев. Рисунок повторяется с рамкой, обычно изображающей пары плавно изогнутых разделенных арабесок — сложных и сложных мотивов переплетения листвы, цветов или фруктов.

Литература опирается на формальные средства для формирования впечатления читателя или аудитории от письменного произведения, в зависимости от жанра или литературного типа. Большинство литературных произведений демонстрируют качество, обозначаемое как ритм (от греческого ритмос, означает «течь»). Это качество движения и энергии возникает из шаблонных повторений — звука (например, рифмы и размера в поэзии) и образов (например, частые яркие ссылки на животных в шекспировском «Короле Лире» , ), и это только два.

Произведения художественной прозы обычно в значительной степени опираются на сюжет, расположение событий истории, чтобы обеспечить основу. Обычные сюжеты романов и рассказов продвигают повествование в хронологической последовательности событий. Некоторые истории, однако, используют другие средства для придания формы произведению. Например, во многих произведениях западной литературы 20-го века такие писатели, как Вирджиния Вульф (англичанин), Джеймс Джойс (ирландец) и Уильям Фолкнер (американец), использовали технику, называемую «потоком сознания», для создания своих романов. Обычные сюжеты упорядочивают и интерпретируют события истории для читателя, как правило, делая их более понятными. Поток сознания, однако, стремится очень прямо представить события истории, поскольку они переживаются одним или несколькими персонажами, по-видимому, без «посредника», который интерпретировал бы или организовал мысли и восприятие персонажей. Этот подход к сюжету подчеркивает одинаковую структурную важность событий и того, как они переживаются.

Следует отметить, что формальные качества не гарантируют, что картина, стихотворение или другое творческое произведение будут считаться подлинно художественными или успешными. На самом деле иногда формальные элементы представляют собой лишь внешние атрибуты или внешний вид искусства. В конце концов, хотя все виды искусства могут быть подробно описаны как с точки зрения формы, так и с точки зрения содержания, именно чрезвычайно скользкий эстетический опыт сам по себе идентифицирует произведение искусства, требующее нашего внимания.

Стиль в искусстве

Термин «стиль» легче всего понять как способ заниматься искусством. Характеристики, которые отличают произведения двух авторов друг от друга и позволяют читателям различать их произведения, составляют личный стиль авторов. Если влияние писателя на других писателей настолько значительно, что последние перенимают узнаваемые черты произведений автора, эти поклонники помогают увековечить стиль. Писатели, которые использовали технику потока сознания Джеймса Джойса, например, создают произведения, которые можно назвать джойсовскими.

Древнегреческие храмы, средневековые романские церкви и небоскребы 20-го века имеют разные характеристики. Различия в структуре, размере, форме, материалах и орнаментах определяют их стили. Школа живописи, такая как школа художников-пейзажистов реки Гудзон в середине 19 века, представляет собой группу, члены которой работают в определенном стиле.

Многие стили популярной музыки возникли в 20 веке. Одним из самых доминирующих был рок, который сам по себе представляет собой слияние более ранних стилей, таких как блюз, джаз и госпел. В роке появилось несколько подстилей, когда, как и в случае с влиятельными писателями, крупные рок-исполнители приобрели последователей. Элвис Пресли, появившийся на музыкальной сцене в середине 1950-х годов, был выдающимся в создании рокабилли-вариации раннего рока. В начале 1960-х «Битлз» открыли эру стилистических инноваций, известную как «Британское вторжение». В рамках этого же движения Rolling Stones представили отчетливо более грубый и грубый стиль рока. Влияние The Stones можно увидеть в музыкальной эволюции, которая привела в 1990-х годах к гранжу и другим стилям постпанк-альтернативного рока. Примерно к тому времени музыка Элвиса Пресли и его современников, таких как Чак Берри, стала считаться классическим стилем рока.

Само слово «стиль» происходит от латинского stilus , что первоначально относилось к колу, а позже означало заостренный пишущий инструмент. Это слово вошло в английский язык как стилус, обозначающий заостренный инструмент, используемый для письма или вырезания. Из-за своей ассоциации с письменным словом stilus также вобрал в себя разговорный (случайный) смысл, который относился к умелому использованию слов в письменной или устной речи. На протяжении многих веков термин стиль ограничивался литературой и риторикой. Другие виды искусства обсуждались с точки зрения их манеры, характеристик или подобных качеств.

Примерно до 1600 года в Италии слово «стиль» применялось к разным типам музыки. Его использование для изобразительного искусства началось вскоре после 1700 года. Сегодня это наиболее распространенное слово, используемое для описания отличительных характеристик отдельных художников, периодов искусства, национальных искусств, региональных типов и других разновидностей искусства. Таким образом, термины романский, готический, барочный, рококо, маньеристский, сюрреалистический, минималистский и подобные прилагательные можно понимать как обозначающие стили.

© Aladin66/Dreamstime.com

Особенно в изобразительном искусстве стили возникают и развиваются по-разному и по разным причинам. Стиль в архитектуре, например, может возникнуть из попытки решить структурные проблемы. Когда готический собор впервые появился во Франции примерно в 1140 году, те, кто его проектировал, нашли способ поддерживать вес стен и потолков с помощью внешних контрфорсов. В результате для окон были доступны большие пространства более тонкой стены. Новый способ строительства быстро стал стилем, которому сознательно подражали по всей Европе. Йоркский собор (собор Святого Петра) в Англии, Кёльнский собор в Германии и Миланский собор в Италии все узнаваемо готические. Но они также отличаются друг от друга яркими интерпретациями стиля.

Иногда стилистические изменения могут касаться лишь деталей оформления. Тремя основными типами классических греческих колонн были дорические, ионические и коринфские. Все три типа служили по существу одним и тем же целям, и издалека они выглядели одинаково. При ближайшем рассмотрении обнаружились их стилистические различия, особенно в декоре. В то время как вершина дорической колонны была довольно простой, на ионической была вырезана улитка, а на коринфской — листья аканта.

На все искусства влияет время, в которое они процветали. Они подвержены ограничениям или изобилию эпохи, особенно качеству и доступности материалов для изобразительного искусства. Великие скульптуры Леонардо да Винчи, Микеланджело и других художников выиграли от близости итальянских мраморных карьеров. Архитектурный стиль всегда подчинялся техническим знаниям своего периода.

И сюжет, и стиль связаны с определенными эпохами, и крупные события обычно порождают большое количество произведений искусства. Промышленная революция и ее последствия служат хорошей иллюстрацией. Массовая бедность и жестокое обращение с рабочими в конце 19 и начале 20 веков были одними из факторов, которые способствовали развитию стилей, называемых реализмом и натурализмом. Эмиль Золя во Франции и Теодор Драйзер в США были известными реалистами в художественной литературе.

© Сонгцюань Дэн/Dreamstime.com

Хотя стили — как крупномасштабные, так и индивидуальные — постоянно меняются, это не обязательно означает, что все стили являются «стильными» или популярными. Похоронное и храмовое искусство египтян и месопотамцев устарело еще в античном мире. Но когда в 1920-х годах была обнаружена гробница древнеегипетского царя Тутанхамона и были раскрыты ее сказочные интерьеры и содержимое, египетский стиль дизайна возродился как часть ар-деко. эпоха. Классическая архитектура Греции и Рима вновь появилась в эпоху Возрождения и снова под 19 веком.Романтизм X века. В некоторых современных постройках до сих пор используются классические или неоклассические («новая классика») линии.

Christine Osborne—World Religions Photo Library/Alamy

Архитектурные стили эпохи Возрождения с их сложной каменной кладкой имеют более широкую привлекательность и до сих пор используются в более широком спектре зданий — музеях, образовательных учреждениях и правительственных зданиях, чтобы назвать несколько. Мечеть, отмеченный своим отличительным куполом и связанным с ним минаретом, высокой стройной башней, разработанной в древние времена как дом поклонения в исламе и сохранившейся на протяжении веков, хотя существуют поразительные региональные и национальные вариации стиля. В традиционных обществах, таких как некоторые в Индии и Африке, стили могут оставаться почти неизменными на протяжении столетий. Такая стилистическая стабильность может объясняться различными факторами, в том числе отсутствием подверженности общества внешним влияниям.

Искусство в незападном мире

Знакомство с исключительно европейскими художественными ценностями долгое время мешало жителям Запада думать об искусстве в терминах, которые либо не отличают его от других человеческих творений, либо отличают его совсем по-другому. Однако тот факт, что мировые культурные и физические барьеры продолжают стираться и уменьшаться, требует понимания художественных традиций и эстетики за пределами привычного.

Индия

Филип Гейм/Алами

Индийская философия искусства и естественной красоты основывается на концепции, известной как раса, или эстетический аромат. В западных терминах rasa можно понимать как настроение или атмосферу, которую произведение искусства или художественное исполнение передает или вдохновляет на свою аудиторию. В индийской традиции художественное произведение обладает качеством расы так же, как пища обладает вкусом. Произведение разделяет rasa с восприимчивой аудиторией точно так же, как изысканная пища делится своим ароматом через чувство вкуса. Люди оценивают тонкости произведения искусства по-разному, в зависимости от своего опыта, точно так же, как голодный подросток оценит вкусную еду иначе, чем гурман.

Бхарате, жрецу-мудрецу, который, возможно, жил примерно в 6 веке нашей эры, приписывают разработку теории расы . По его мнению, каждое из основных человеческих чувств — восторг, смех, печаль, гнев, страх, отвращение, героизм и удивление — применительно к оценке искусства выражается в виде соответствующей расы — эротической, комической, патетической. , яростный, ужасающий, грязный, чудесный и спокойный. Эти элементы составляют эстетический опыт. Сила вкуса раса — награда за добродетель в какой-то предыдущей жизни.

Китай

Великий китайский учитель Конфуций (551–479 гг. до н. э.) считал, что эстетическое наслаждение играет важную роль в нравственном и политическом воспитании. Однако Конфуций опасался способности искусства вызывать бурные и сбивающие с толку эмоции. Поэтому он учил, что все искусство наиболее благородно, когда оно является частью ритуалов и традиций, поддерживающих стабильную, упорядоченную социальную жизнь. Музыка, например, должна быть величественной и достойной, чтобы способствовать внутренней гармонии, лежащей в основе хорошего поведения.

Еще более консервативным был Лао-цзы (6 век до н. э.), легендарный основатель даосизма. Он осуждал всякое искусство, говоря, что оно ослепляет глаза, оглушает слух и притупляет вкус. Позже даосы несколько расслабились, поощряя более свободный, более инстинктивный подход к произведениям искусства и к природе. Однако даосские и более поздние чаньские (дзен) буддийские мыслители уделяли мало внимания философии красоты в своих трудах.

Лаконичный стиль и приверженность жесткой самодисциплине характеризуют труды китайского политического мыслителя и лидера Мао Цзэдуна (1893–1976). На самом деле, некоторые считают культурную революцию в Китае — монументальную попытку Мао вернуть страну к его строгим революционным ценностям — самой успешной войной против изобразительного искусства и красоты в наше время. Политика открытых дверей, последовавшая за смертью Мао Цзэдуна, частично изменила жестокость и подавление предыдущей эпохи. Вместо этого национальная политика поощряла восстановление традиционных художественных ценностей, а также изучение традиций за пределами Китая.

Япония

© coward_lion/iStock.com

Японский литературный комментарий и эстетическая дискуссия имеют давнюю и высокоразвитую традицию. Одним из величайших и наиболее увлекательных произведений Японии является роман Genji monogatari (около 1000 лет; «Повесть о Гэндзи»), написанный Сикибу Мурасаки, фрейлиной императрицы. Чрезвычайно утонченная художественная теория и практика выросли из столетий комментариев к этому роману, к придворной литературе, которую он вдохновил, и к другим японским литературным формам, таким как Но театр, кукольные пьесы, такие как Бунраку, и такая поэзия, как хайку. Драматург и актер-менеджер Зеами (1363–1443) писал, что ценность искусства заключается в юген («тайна и глубина»). Художник, по его словам, должен следовать правилу kokoro («сердце»), союзу разума и тела, ведущему к совершенству исполнения, который лежит в основе №

. Сущность японской эстетики представлена чайная церемония — художественный светский балет удивительной тонкости и сложности. Целая жизнь посвящена его изучению. Это искусство манер, настроения и внушения находит значение в маленьком сосредоточенном жесте, в внезапном обнаружении универсального смысла в самых обыкновенных и скромных вещах и действиях. Литературовед Мотоори Норинага (1730–1801) уловил дух японского искусства и литературы, когда описал его как выражение моно не в курсе: грубо говоря, «чувствительность к печали вещей». По сравнению с этой тонкой и сложной мерой другие эстетические качества, отмеченные классиками, кажутся почти тривиальными: en («прелестная»), okashi («забавная») и sabi (имеющая красоту старого, выцветшего, поношенные или красивые вещи).

Африка

Доран Х. Росс

Весьма сомнительно и часто оскорбительно предполагать, что существует единая широкомасштабная «африканская эстетика». Тем не менее, можно сделать несколько общих замечаний о статусе искусства в традициях стран Африки к югу от Сахары.

В любом африканском языке понятие искусства как означающее нечто иное, чем мастерство, было бы редкостью. Социальные, экономические и интеллектуальные изменения в Европе, которые привели к такому различию, не происходили в Африке до колониального периода, самое раннее. Африканское искусство можно лучше всего оценить, исследуя и понимая местные эстетические ценности, а не навязывая иностранные категории. Значимым произведением искусства определенного африканского региона может быть что-то далекое от скульптурной фигуры, например, поле с кучами батата (как у народа тив в Нигерии) или выставочный бык, кастрированный для того, чтобы улучшить его внешний вид. визуальный эффект (как у скотоводов нуэр и динка в Южном Судане).

Различия в стиле и сходство форм и традиций позволяют распознавать определенные предметы африканского искусства как принадлежащие к определенным местам, регионам или периодам. Четыре фактора позволяют провести такую ​​идентификацию. Во-первых, это география; при прочих равных люди в разных местах склонны производить или делать что-либо по-разному. Во-вторых, технология: некоторые стилистические различия возникают из-за используемого материала. Третье — индивидуальность: эксперт может идентифицировать произведения отдельных художников. И четвертое — институт: художники любой области находятся под влиянием социальных и культурных институтов этой области.

Часто предполагается, что африканские традиции ограничивают или ограничивают творческое мастерство способами, которые сильно контрастируют со свободой западных художников. Но в то время как некоторые традиции требуют значительной степени повторения, другие требуют высокого уровня оригинальности. Примеры последнего включают шелковое ткачество асанте и вышивку рафией куба. В других традициях используются изобретательные возможности украшения или надстройки базовой стандартной формы.

Африканская культура редко, если вообще когда-либо, существовала изолированно от остального мира. Но африканские художники 20-го и начала 21-го веков стали свидетелями новых культурных и социальных событий, расширивших их творческие возможности быстрее и драматически, чем когда-либо прежде. Сегодня их давние и разнообразные художественные традиции — будь то под влиянием университетского образования или туристической торговли — продолжают претерпевать изменения, которые формируют искусство, уникальное для современных африканских народов.

Дополнительные показания

Бараш, Моше. Теории искусства (Рутледж, 2000). Болден, Тоня. Разбудите наши души: праздник чернокожих американских художников (Абрамс, 2004). Буссагли, Марко. Понимание архитектуры (М.Э. Шарп, 2004 г.). Каплин, Л.Э., изд. Бизнес искусства , 3-е изд. (Prentice Hall Press, 1998). Кокрофт, Дж. Д., и Джейн Каннинг. Latino Visions: современные чикагские, пуэрториканские и кубинско-американские художники (Франклин Уоттс, 2000). Койн, Дж.Т. Открытие женщин-художников для детей (Ликл, 2005). Диссанаяке, Эллен. Для чего нужно искусство? (Univ. of Washington Press, 1990). Мерло, Клаудио. История искусства: от древности до современности (Книги Питера Бедрика, 2000). Роскилл, М. В. Что такое история искусства? , 2-е изд. (Univ. of Mass. Press, 1989). Sayre, H.M. Наскальные рисунки Пикассо: внутренний обзор 50 шедевров искусства (Chronicle Books, 2004). Скратон, Роджер. Эстетическое понимание: очерки философии искусства и культуры (St. Augustine’s Press, 1998). Вулф, Том. Нарисованное слово (Bantam Books, 1999).

реализм | История, определение и характеристики

Гюстав Курбе: Мастерская художника

Смотреть все медиа

Ключевые люди:

Гюстав Курбе Луиджи Капуана Фридрих Теодор фон Фишер Шамфлери

Похожие темы:

Фотореализм искусство мимесис реализм

Просмотреть весь связанный контент →

Резюме

Прочтите краткий обзор этой темы

реализм , в искусстве, точное, подробное, неприукрашенное изображение природы или современной жизни. Реализм отвергает идеализацию воображения в пользу пристального наблюдения за внешними проявлениями. Таким образом, реализм в его широком смысле включал в себя множество художественных течений в разных цивилизациях. В изобразительном искусстве, например, реализм можно найти в древних эллинистических греческих скульптурах, точно изображающих боксеров и дряхлых старух. Реалистичны по своему подходу работы таких живописцев 17 в., как Караваджо, голландских жанристов, испанских живописцев Хосе де Рибера, Диего Веласкес, Франсиско де Сурбаран, братьев Ленэн во Франции. Произведения английских романистов 18 века Даниэля Дефо, Генри Филдинга и Тобиаса Смоллетта также можно назвать реалистическими.

Однако реализм не был сознательно принят в качестве эстетической программы до середины 19 века во Франции. Действительно, реализм можно рассматривать как основную тенденцию во французских романах и картинах между 1850 и 1880 годами. Одно из первых появлений термина реализм было в Mercure français du XIX ^e siècle в 1826 году. , в котором это слово используется для описания учения, основанного не на подражании прошлым художественным достижениям, а на правдивом и точном изображении моделей, которые природа и современная жизнь предлагают художнику. Французские сторонники реализма были единодушны в своем неприятии искусственности как классицизма, так и академического романтизма, а также в необходимости современности действенного произведения искусства. Они пытались изобразить жизнь, внешность, проблемы, обычаи и нравы среднего и низшего классов, незаурядных, заурядных, скромных и неприкрашенных. Действительно, они добросовестно взялись за воспроизведение всех игнорировавшихся до сих пор аспектов современной жизни и общества — его умственных установок, физических установок и материальных условий.

Реализм был стимулирован несколькими интеллектуальными разработками в первой половине 19-го века. Среди них было антиромантическое движение в Германии с его акцентом на простом человеке как на художественном субъекте; Позитивистская философия Огюста Конта, в которой подчеркивалась важность социологии как научного исследования общества; рост профессиональной журналистики с ее точной и беспристрастной записью текущих событий; и развитие фотографии с ее способностью механически воспроизводить визуальные образы с предельной точностью. Все эти события стимулировали интерес к точной регистрации современной жизни и общества.

Гюстав Курбе был первым художником, сознательно провозгласившим и практикующим реалистическую эстетику. После того как его огромное полотно «Мастерская » (1854–55) было отвергнуто Всемирной выставкой 1855 года, художник выставил его и другие работы под грифом «Реализм, Г. Курбе» в специально построенном павильоне. Курбе был категорически против идеализации в своем искусстве и призывал других художников вместо этого сделать обыденность и современность центром своего искусства. Откровенное изображение бытовых сцен он рассматривал как истинно демократическое искусство. Таких картин как его Похороны в Орнане (1849) и Камнеломы (1849), которые он выставлял в Салоне 1850–1851 годов, уже шокировали публику и критиков откровенной и неприкрашенной фактичностью, с которой они изображали скромных крестьян и рабочие. Тот факт, что Курбе не прославлял своих крестьян, а представлял их смело и резко, вызвал бурную реакцию в мире искусства.

Стиль и тематика работ Курбе были построены на почве, уже нарушенной художниками барбизонской школы. Теодор Руссо, Шарль-Франсуа Добиньи, Жан-Франсуа Милле и другие в начале 1830-х годов поселились во французской деревне Барбизон с целью точного воспроизведения местного характера пейзажа. Хотя у каждого барбизонского художника был свой стиль и свои интересы, все они подчеркивали в своих работах простоту и обыденность, а не грандиозность и монументальность аспектов природы. Они отошли от мелодраматической живописности и написали цельные, детализированные формы, ставшие результатом пристального наблюдения. В таких работах, как Веялка (1848 г.), Милле был одним из первых художников, изобразивших крестьянских рабочих с величием и монументальностью, которые до сих пор предназначались для более важных персон.

Другой крупный французский художник, часто связанный с реалистической традицией, Оноре Домье рисовал сатирические карикатуры на французское общество и политику. Он нашел своих героев и героинь из рабочего класса, своих злодеев-адвокатов и политиков в трущобах и на улицах Парижа. Как и Курбе, он был ярым демократом и использовал свое мастерство карикатуриста непосредственно в политических целях. Домье использовал энергичный линейный стиль, смело подчеркивал реалистичные детали и почти скульптурную обработку формы, чтобы критиковать безнравственность и уродство, которые он видел во французском обществе.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подписаться сейчас

Живописный реализм за пределами Франции, пожалуй, лучше всего был представлен в 19 веке в Соединенных Штатах. Там мощные и выразительные картины Уинслоу Гомера на морскую тематику и портреты Томаса Икинса, сцены катания на лодках и другие работы — откровенные, несентиментальные и остро наблюдаемые записи современной жизни.

Реализм был особым течением в искусстве 20-го века и обычно проистекал либо из желания художников представить более честные, ищущие и неидеализированные взгляды на повседневную жизнь, либо из их попыток использовать искусство как средство социальной и политической критики. Грубые, схематичные, почти журналистские сцены грязной городской жизни группы американских художников, известных как «Восьмерка», относятся к первой категории. С другой стороны, немецкое художественное движение, известное как Neue Sachlichkeit (Новая объективность), работало в реалистическом стиле, чтобы выразить цинизм и разочарование периода после Первой мировой войны в Германии. Движение эпохи Великой депрессии, известное как социальный реализм, приняло столь же резкий и прямой реализм в своих изображениях несправедливости и зла американского общества того периода.

Социалистический реализм, официально спонсируемый марксистской эстетикой в ​​Советском Союзе с начала 1930-х годов до распада страны в 1991 году, на самом деле имел мало общего с реализмом, хотя и претендовал на то, чтобы быть точным и объективным зеркалом жизни. Его «правдивость» была обязана служить идеологии и пропагандистским нуждам государства. Социалистический реализм обычно использовал приемы натуралистической идеализации для создания портретов бесстрашных рабочих и инженеров, поразительно похожих как своим героическим позитивизмом, так и отсутствием правдоподобности.

Основы и глоссарий — ArtBasiC

1. Основы глоссария

В художественном праве есть специальный словарь, применимый именно к этой нише. Вы найдете полный и очень исчерпывающий глоссарий терминов художественного права, если вы нажмете здесь; однако мы выбрали наиболее подходящие.

Альтернативное разрешение споров (ADR) : Альтернативные судебным разбирательствам методы разрешения спора, такие как посредничество или арбитраж.

Финансирование произведений искусства или кредитование произведений искусства : Через финансовые учреждения или аукционные дома произведение искусства может быть обеспечено с помощью ссуды, где само произведение искусства является залогом для ссуды.

Реестр утерянных произведений искусства : глобальная справочная база данных украденных произведений искусства. Он в основном используется для проверки происхождения предметов.

Заем произведений искусства : Предоставление произведений искусства в аренду музею или галерее путем подписания соглашения, определяющего их содержание и объем.

Судебные разбирательства в области искусства : Споры, связанные с искусством (в самом широком смысле), скульптурой или другими предметами культурной ценности, включая споры о подлинности, праве собственности и праве собственности, иски о нарушении договора, повреждении произведений искусства, неправильном указании авторства, ответственности аукциониста и взыскании произведений искусства (см. также реституция ниже).

Право художника на перепродажу (ARR) или Droit de Suite : гонорар, применяемый в ЕС к художникам из ЕС, который выплачивается художнику, когда оригинальное произведение искусства перепродано более чем за 1000 евро. профессионал рынка, такой как аукционный дом, галерея или дилер. ARR действует в течение того же периода, что и авторское право, и с января 2012 года он применяется к квалифицированным произведениям художников, которые умерли менее 70 лет назад. ARR рассчитывается по скользящей шкале в зависимости от цены продажи, но не превышает 12 500 евро, а некоторые продажи не облагаются налогом.

Атрибуция : оценка или мнение о том, кто создал конкретное произведение искусства, которые сделаны с разной степенью достоверности, в зависимости от качества, стиля, знатока, происхождения или технического анализа. Картина может быть приписана Художнику (также называемая автографной работой), приписана Художнику, Студии или Мастерской художника (т.е. написана учеником художника, вероятно, под его руководством), Кругом (из аналогичный период художнику, демонстрирующему влияние художника, но не обязательно написанному учеником), последователь или манера (т.е. в стиле художника, но не обязательно учеником), подражатель (может быть создан намного позже) , После художника (копия произведения художника), Подделка или подделка (т.е. неподлинное, имитация или подделка произведения искусства).

Картина также может быть отнесена с использованием комбинации этих терминов, например, художником и мастерской, если произведение было нарисовано частично художником (например, лицо или руки), а частично ассистентами студии (например, фон ).

Аутентичный : Оригинальное произведение искусства (т.е. не копия и не репродукция).

Работа с автографом : Работа, полностью написанная художником.

Участник торгов : Тот, кто делает предложение о покупке предмета на аукционе. Пониженный участник — это второй по величине участник аукциона.

Недвижимое имущество или движимое имущество : Личное, материальное, движимое имущество, такое как картина или украшение.

Комиссия : Либо: (a) Сумма или процентная комиссия – например, уплачивается грузоотправителем аукционисту, агенту покупателя или продавца, дилеру, галерее или брокеру; или (b) произведение искусства, специально заказанное покупателем и созданное для него. Заказ такого произведения искусства часто оформляется договором комиссии.

Состояние : физическое состояние или внешний вид произведения искусства, включая любое ухудшение, повреждение или реставрацию.

Знатоки : Знания, опыт и навыки, которые позволяют кому-то высказать мнение о том, какой художник написал картину, когда он ее написал и как.

Авторское право : Согласно законодательству Великобритании, авторское право является правом интеллектуальной собственности, которое существует и защищает оригинальные литературные, драматические, музыкальные или художественные произведения; звукозаписи, фильмы или передачи; и типографское оформление опубликованных изданий. Однако требования и сама концепция work имеет разное значение от юрисдикции к юрисдикции (например, в Италии используется более широкое понятие work ), и самое последнее судебное прецедентное право показало, что система не достигла полностью согласованного определения в этом отношении. Авторское право защищает выражение идей, а не саму идею. Срок охраны может варьироваться от страны к стране, однако обычно он не превышает жизни автора плюс 50 лет после его/ее смерти.

Культурные ценности или культурное наследие: Культурные ценности определяются в статье 1 Конвенции ЮНЕСКО 1970 г. как собственность, которая по религиозным или светским мотивам специально определена государством как имеющая значение для археологии, предыстории, истории, литературы, искусства. или науки, и которые могут быть классифицированы как один из одиннадцати носителей или объектов, перечисленных в статье 1.

Комплексная проверка : Действия, предпринятые для оценки произведения искусства, часто до покупки или ссуды. Эти шаги могут включать проверки для установления происхождения, названия, подлинности и состояния произведения искусства.

Имущество : Имущество, деньги и имущество человека – сумма всего, чем он владеет. Имущество художника будет включать в себя все непроданные произведения искусства и произведения искусства, которые находятся в процессе реализации.

Подделка или подделка : Неаутентичное, имитация или подделка произведения искусства.

Мошенничество : Когда лицо действует ложным, нечестным и обманным путем, чтобы получить выгоду для себя или причинить ущерб другим.

Налог на наследство (IHT) : Налог на имущество (имущество, деньги и имущество) умершего.

Интеллектуальная собственность : выражение или создание идей (а не самих идей), таких как художественные и литературные произведения, рисунки, символы, имена, изображения и изобретения. Право собственности на интеллектуальную собственность может быть юридически защищено авторскими правами, патентами, товарными знаками, правами на дизайн и правами на базы данных.

Неимущественные права : Право художника или автора на защиту целостности и права собственности на произведения, которые он создал, включая литературные, драматические, музыкальные и художественные произведения и фильмы, а также некоторые исполнения. В некоторых странах существуют дополнительные неимущественные права, такие как право на первую публикацию и право на отзыв , однако эти права не предусмотрены законодательством Великобритании.

Произведение-сирота : защищенное авторским правом произведение, в отношении которого невозможно установить местонахождение или установить владельца авторских прав. Существует публичный реестр произведений-сирот (в Великобритании можно обратиться в Ведомство интеллектуальной собственности за лицензией на использование произведения-сироты).

Частная продажа или продажа по частному договору : Продажа произведений искусства в частном порядке, в которой может участвовать арт-дилер или аукционный дом, а не на открытом аукционе.

Происхождение : История владения произведением искусства или другим предметом, в идеале восходящая к дате создания предмета (если возможно). Происхождение может повлиять на стоимость предмета, а также может помочь в определении атрибуции произведения искусства.

Реституция : Реституция — это возврат произведений искусства, в том числе похищенных произведений искусства, украденных произведений искусства или заявлений о краже Холокоста.

Комитет по рассмотрению вопросов экспорта произведений искусства и предметов культуры : Независимый орган, состоящий из экспертов, который консультирует государственного секретаря по культуре, СМИ и спорту о том, следует ли выдать объекту лицензию на экспорт или отказать в ней.

Урегулирование (также внесудебное урегулирование или конфиденциальное урегулирование) : когда стороны договариваются об условиях прекращения спора или судебного разбирательства.

Sleeper : произведение искусства, которое ранее не было приписано художнику, открывается заново, часто когда оно появляется на публичных торгах.

Название (или юридическое название) : Юридическое право собственности на предмет.

Клад : Клад определяется в Законе о сокровищах 1996 г. и включает монеты и металлические предметы, которые соответствуют определенным пороговым значениям возраста и металлического содержания, или другие предметы, найденные в том же месте или ранее находившиеся вместе с другим предметом. что является сокровищем. В соответствии с Законом о сокровищах 1996 года обо всех находках сокровищ необходимо сообщать в течение определенного периода времени.

Итак, после очень общего обзора искусства и права, начиная со следующей недели, вы сможете глубже погрузиться в этот юридический мир, посвященный искусству. Нашим первым «подмиром», в который нужно прыгнуть, будет интеллектуальная собственность. Увидимся на следующей неделе народ !

Уникальные художественные направления в Ланкастере, Пенсильвания

Когда вы планируете поездку в новое место, всегда интересно узнать, что там доступно и соответствует вашим интересам. И если вы любите искусство, то вам стоит посетить Ланкастер, штат Пенсильвания!

Хотя Ланкастер широко известен тем, что является домом для общины амишей, здесь также процветает художественная жизнь, включающая искусство всех видов. И независимо от того, что соответствует вашему вкусу, вы обязательно найдете развлечения и художественные галереи в Ланкастере, штат Пенсильвания, и его окрестностях, которые вас порадуют!

Арт-сцена в Ланкастере постоянно развивается, и круглый год здесь проходят десятки творческих мероприятий. Произведения являются уникальным выражением творчества, мыслей и идей многих художников. Вы найдете множество примеров изобразительного искусства в Ланкастере, но наш город лелеет множество других форм искусства.

Есть кулинарное, театральное или музыкальное искусство — и даже танец для тех, кто выражает свое творчество через движение. Независимо от того, чем вы увлекаетесь, искусство, которое вас интересует, обязательно будет представлено в прекрасном Ланкастере, но вы должны знать, где его найти!

Свяжитесь с нами

1. Первая пятница

Первым в нашем списке мест, где можно найти уникальное искусство, является Первая пятница, ежемесячное мероприятие, организованное Ланкастер-Сити, посвященное искусству, сообществу и творчеству, которые можно найти в этих двух пространствах. Первая пятница каждого месяца отмечена для города, чтобы отпраздновать искусство и творчество с помощью выставок, представлений, открытий бутиков и даже кулинарного искусства с ресторанными блюдами.

Хотя это не столько «место», сколько опыт, если у вас есть немного времени, чтобы посвятить его художественной сцене, вы получите широкое представление об искусстве, которое вы можете найти в центре Ланкастера сначала Пятница.

2. Туристический центр Discover Lancaster

Сделайте первую остановку в туристическом центре Discover Lancaster, особенно если основной целью вашей поездки является знакомство с местным искусством. В Центре для посетителей вы найдете творения местных художников, и все они готовы для вашего удовольствия! Если вам что-то так нравится, что вы чувствуете, что вам нужно взять это с собой домой, вам повезло. Все в Визовом центре продается.

Пока вы там, пожалуйста, поговорите с одним из консультантов по путешествиям об их любимых местах для просмотра интересных произведений искусства и получите еще несколько рекомендаций прямо из уст местных жителей!

3. Пенсильванская гильдия ремесленников

Тактильные ремесленники собираются, чтобы продемонстрировать свои прекрасные изделия в Пенсильванской гильдии ремесленников, крупнейшей в Америке некоммерческой ремесленной организации. Вы можете не только посмотреть и купить красивые изделия ручной работы, но и пройти обучение! Это место — место, где можно найти уникальную вещь для вас или кого-то из ваших знакомых, которой вы будете дорожить всю жизнь.

4. Коллекции Kindred

Для тех, кому нравится внешний вид старинных вещей или кто одержим переработкой антиквариата, обратите внимание на коллекции Kindred. На площади 6000 квадратных футов выставлены профессионально подобранные предметы антиквариата и работы более 60 местных художников. Это место также является идеальным местом для тех, кто хочет провести свой день более непринужденно, так как атмосфера магазина достаточно расслабленная и дружелюбная, чтобы вы могли задержаться на несколько часов!

5. Галерея «Сердце дружбы»

Загляните в галерею «Сердце дружбы», если вы хотите увидеть искусство, которое вызовет восторг и радость. Эта творческая студия посвящена творчеству художников с нарушениями развития и умственными способностями, поощряя их создавать шедевры с помощью различных средств. Большинство произведений изобразительного искусства, созданных в студии, можно увидеть и приобрести в галерее, которая открыта для посетителей и в настоящее время принимает меры предосторожности против COVID-19.

Свяжитесь с нами

6. Американский музыкальный театр

Если вы более склонны к музыке или предпочитаете исполнительское искусство, посещение Американского музыкального театра может быть для вас чем-то интересным во время вашего визита. С впечатляющим составом, который может похвастаться историей популярных шоу всех видов, стоит проверить, кто будет выступать, пока вы находитесь в Ланкастере! Американский музыкальный театр известен своими развлечениями мирового класса, как от гастролирующих артистов, так и от местных жителей, поэтому вы всегда прекрасно проведете время, независимо от того, что вы там хотите увидеть!

7. Art & Glassworks

Эта галерея пользуется популярностью среди местных жителей и представляет произведения искусства и уникальные изделия из стекла более чем 150 художников из Ланкастера и со всего мира. Поскольку каждое изделие изготавливается вручную, вы увидите единственные в своем роде произведения искусства, которые вы не сможете найти больше нигде.

8. Zum Anker Alley Shoppes

Магазин Zum Anker Alley Shoppes, расположенный в здании, в котором раньше размещалась газета Lititz Record Express , полон изделий ручной работы — от тщательно изготовленных шелковых цветочных композиций до других уникальных видов изобразительного искусства, включая предметы коллекционирования и оригинальные работы. Это место — идеальное место для знакомства с необычными и вдохновляющими произведениями искусства!

9. Музей Демута

Чтобы прикоснуться к местной истории, зайдите в музей Демута и откройте для себя работы Чарльза Демута, художника, родившегося и выросшего прямо здесь, в округе Ланкастер. Искусство в этом музее освещает жизнь и наследие художника, знакомя зрителя с его историей, исследуя большую часть созданных им акварелей и картин маслом.

10.

The Lancaster Arts Hotel

Конечно, включение нашего отеля в список может показаться немного предвзятым, но мы уверены, что вам понравится коллекция произведений искусства, которую мы храним во всех номерах отеля и в нашей главной галерее. расположен на первом этаже.

Являясь одной из ведущих художественных галерей в Ланкастере, штат Пенсильвания, мы храним работы многих местных художников. Нашим гостям нравится уникальное искусство во всем нашем здании, и когда вы остановитесь у нас, вы обязательно найдете что-то для себя на одной из наших стен!

Свяжитесь с нами

Готовы лично познакомиться с искусством Ланкастера?

Когда вы будете готовы познакомиться со всем искусством, которое может предложить Ланкастер, начните с искусства в своем номере в отеле Lancaster Arts Hotel! С таким легким доступом к одной из лучших художественных галерей в Ланкастере, штат Пенсильвания, вам обязательно захочется выйти и увидеть больше. Свяжитесь с нами, чтобы забронировать один из наших красивых номеров и увидеть все предложения арт-сцены Ланкастера уже сегодня!

Связь между искусством, целительством и общественным здравоохранением: обзор современной литературы

1. Традиционная медицина: проект программного бюджета на финансовый период 1981 г. Женева, Швейцария: Всемирная организация здравоохранения; 1978 [Google Scholar]

2. Старикофф Р., Лопперт С. Интеграция искусства в здравоохранение: можем ли мы повлиять на клинические результаты?: Кирклин Д., Ричардсон Р. Лечебная среда снаружи и внутри Лондон, Англия: Королевский колледж врачей; 2003: 63–80 [Google Scholar]

3. Статистика сердечных заболеваний и инсультов: обновление 2008 г. Даллас, Техас: Американская кардиологическая ассоциация; 2008 [PubMed] [Google Scholar]

4. Национальный информационный бюллетень по диабету: Общая информация и национальные оценки диабета в США, 2005 г. Атланта, Джорджия: Центры по контролю и профилактике заболеваний; 2005 [Google Scholar]

5. Zhang X, Norris SL, Gregg EW, Cheng YJ, Beckles G, Kahn HS. Депрессивные симптомы и смертность среди лиц с диабетом и без него. Am J Epidemiol 2005;161(7):652–660 [PubMed] [Google Scholar]

6. Льюис Т.Т., Эверсон С.А., Пауэлл Л.Х. и соавт. Хроническое воздействие повседневной дискриминации и кальцификация коронарных артерий у афроамериканок: исследование сердца SWAN. Psychosom Med 2006;68(3):362–368 [PubMed] [Google Scholar]

7. McEwen BS, Stellar E. Стресс и личность: механизмы, ведущие к болезни. Arch Intern Med 1993;153(18):2093–2101 [PubMed] [Google Scholar]

8. Camic PM. Игра в грязи: психология здоровья, искусство и творческие подходы к заботе о здоровье. J Health Psychol 2008; 13 (2): 287–29.8 [PubMed] [Google Scholar]

9. Национальная коалиция ассоциаций творческих терапий Информационный бюллетень по терапии творческими искусствами. Доступно по адресу: http://www.nccata.org/fact_sheet.htm. По состоянию на 7 ноября 2009 г.

10. Франкл В. Человек в поисках смысла: введение в логотерапию Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Washington Square Press; 1966 [Google Scholar]

11. Lacroix L, Rousseau C, Gauthier MF, et al. Представление дошкольников из иммигрантов и беженцев о цунами в песочной игре. Arts Psychother 2007; 34 (2): 99–113 [Google Scholar]

12. Дайаним С., Гудилл С., Льюис С. Оценка усилий с помощью движущихся историй как средство оценки движений детей предподросткового возраста. Am J Dance Ther 2006;28(2):87–106 [Google Scholar]

13. Frisch MJ, Franko DL, Herzog DB. Художественная терапия в лечении расстройств пищевого поведения. Eat Disord 2006;14(2):131–142 [PubMed] [Google Scholar]

14. Haen C. Восстановление безопасности: групповая терапия с детьми, пострадавшими от 11 сентября. In J Group Psychother 2005;55(3):391–414 [PubMed] [Google Scholar]

15. Лефевр М. Игра со звуком: терапевтическое использование музыки в непосредственной работе с детьми. Child Fam Soc Work 2004;9(4):333–345 [Google Scholar]

16. Rousseau C., Lacroix L, Bagilishya D, Heusch N. Работа с мифами: мастер-классы по творческому самовыражению для детей иммигрантов и беженцев в школьной среде. . Art Ther 1993;20(1):3–10 [Google Scholar]

17. Гудвин Д. Л., Крон Дж., Кунле А. За пределами инвалидной коляски: опыт танца. Адаптированная физическая активность Q 2004; 21 (3): 229–247 [Google Scholar]

18. Wiener LS, Battles HB. Мандалы как терапевтическая методика для ВИЧ-инфицированных детей и подростков: что они раскрывают? J HIV AIDS Soc Serv 2002;1(3):27–39 [Google Scholar]

19. Scott JT, Harmsen M, Prictor MJ, Sowden AJ, Watt I. Вмешательства для улучшения общения с детьми и подростками по поводу их рака. Cochrane Database Syst Rev 2003;3:CD002969. [PubMed] [Google Scholar]

20. Нови К. Драматическая терапия с дошкольниками: повествовательная перспектива. Arts Psychother 2003;30(4):201–207 [Google Scholar]

21. Роллинз Дж.А. Расскажите об этом: рисование как средство общения для онкобольных детей. J Pediatr Oncol Nurs 2005;22(4):203–221 [PubMed] [Google Scholar]

22. Lassetter JM. Эффективность дополнительных методов лечения болевого синдрома у госпитализированных детей. J Holist Nurs 2006;24(3):196–207 [PubMed] [Google Scholar]

23. Moss DL. Арт-терапия для детей раннего возраста: обзор исследований и литературы. Служба воспроизведения документов ERIC № ED367437. [Академия Google]

24. Радди Р.А., Дент-Браун К. Драматическая терапия шизофрении или шизофреноподобных заболеваний. Cochrane Database Syst Rev 2007;1:CD005378. [PubMed] [Google Scholar]

25. Радди Р.А., Милнс Д. Арт-терапия шизофрении или шизофреноподобных заболеваний. Cochrane Database Syst Rev 2005;4:CD003728. [PubMed] [Google Scholar]

26. Guzzetta CE. Влияние релаксации и музыкальной терапии на пациентов в кардиологическом отделении с подозрением на острый инфаркт миокарда. Сердце-легкие 1989;18(6):609–616 [PubMed] [Google Scholar]

27. Грэм-Поул Дж. Болезнь и искусство творческого самовыражения Окленд, Калифорния: New Harbinger Publications; 2000 [Google Scholar]

28. Юнге МБ. История арт-терапии в Соединенных Штатах Манделейн, Иллинойс: Американская ассоциация арт-терапии; 1994 [Google Scholar]

29. Девлин Б. Искусство исцеления и познания при раке и паллиативная помощь. Int J Palliative Med 2006;12(1):16–19 [PubMed] [Google Scholar]

30. Reynolds MW, Nabors L, Quinlan A. Эффективность арт-терапии: работает ли она? Art Ther 2000; 17: 207–213 [Google Scholar]

31. Стариков Р.Л. Искусство в здоровье: обзор медицинской литературы. Доступно по адресу: www.thesah.org/doc/music%20and%20science.pdf. По состоянию на 7 ноября 2009 г.

32. Олдридж Д. Исследование музыкальной терапии 1: обзор медицинской исследовательской литературы в общем контексте исследований музыкальной терапии. Arts Psychother 1993;20(1):11–35 [Google Scholar]

33. Смит Дж., Пеннебейкер Дж. Изучение граничных условий выразительного письма: в поисках правильного рецепта. Br J Health Psychol 2008;13(1):1–7 [PubMed] [Google Scholar]

34. Роквуд-Лейн М. Творчество и духовность в сестринском деле: применение искусства и исцеление. Holist Nurs Pract 2005;19(3):122–125 [PubMed] [Google Scholar]

35. Меттнер Дж. Креативная медицина: больницы городов-побратимов обращаются к искусству, чтобы исцелить тело и дух. Minn Med 2005;88(7):5–6 [Google Scholar]

36. Ронер С.Дж., Миллер Р. Степени фамильярной и аффективной музыки и их влияние на состояние тревоги. J Music Ther 1980; 17: 2–15 [Google Scholar]

37. Петтерсон М. Музыка для исцеления: программа творчества в Ирландском онкологическом центре. Altern Ther Health Med 2001;7(1):88–89 [PubMed] [Google Scholar]

38. Гросс Дж., Шварц Р. Влияние музыкальной терапии на тревогу у хронически больных пациентов. Music Ther 1982; 2:43–52 [Google Scholar]

39. Melzack R, Weisz LZ, Sprague AT. Стратагемы для контроля боли: вклад слуховой стимуляции и внушения. Exp Neurol 1963;8(3):237–247 [Google Scholar]

40. Крут Р.Э. Прослушивание музыки для облегчения расслабления и улучшения самочувствия: интегрированные аспекты наших нейрофизиологических реакций на музыку. Arts Psychother 2006;34(2):134–141 [Google Scholar]

41. Уайт Дж.М. Влияние расслабляющей музыки на сердечный вегетативный баланс и тревогу после острого инфаркта миокарда. Am J Crit Care 1999;8(4):220–230 [PubMed] [Google Scholar]

42. Burns SJ, Harbuz MS, Hucklebridge F, Bunt L. Пилотное исследование терапевтических эффектов музыкальной терапии при раке. центр помощи. Altern Ther Health Med 2001;7(1):48–57 [PubMed] [Google Scholar]

43. Грегори Д. Четыре десятилетия поведенческих исследований музыкальной терапии: контент-анализ статей Journal of Music Therapy. J Music Ther 2002; 39 (1): 56–71 [PubMed] [Google Scholar]

44. Бек С.Л. Терапевтическое использование музыки при болях, связанных с раком. Oncol Nurs Forum 1991;18(8):1327–1337 [PubMed] [Google Scholar]

45. Hirsch S, Meckes D. Лечение человека в целом: включение возникающих перспектив в совместную медицину, расширение прав и возможностей и музыкальную терапию. J Psychosoc Oncol 2000;18(2):65–77 [Google Scholar]

46. Allen K, Golden LH, Izzo JL, et al. Нормализация гипертензивных реакций при амбулаторном хирургическом стрессе периоперационной музыкой. Psychosom Med 2001;63(3):487–492 [PubMed] [Google Scholar]

47. Browning CA. Использование музыки во время родов. Birth 2000;27(4):272–276 [PubMed] [Google Scholar]

48. Haun M, Mainous R, Looney S. Влияние музыки на беспокойство женщин, ожидающих биопсии груди. Behav Med 2001;27(3):127–132 [PubMed] [Google Scholar]

49. Schneider N, Schedlowski M, Schurmeyer TH, Becker H. Снижение стресса с помощью музыки у пациентов, перенесших церебральную ангиографию. Neuroradiology 2001;43(6):472–476 [PubMed] [Google Scholar]

50. Weber S, Nuessler V, Wilmanns W. Пилотное исследование влияния восприимчивого прослушивания музыки на больных раком, получающих химиотерапию. Int J Crit Care 1997;8(4):220–230 [Google Scholar]

51. Bolwerk C. Влияние расслабляющей музыки на тревожное состояние у пациентов с инфарктом миокарда. Crit Care Nurs Q 1990;13(20):63–72 [PubMed] [Google Scholar]

52. Davis-Rollans C, Cunningham S. Физиологические реакции пациентов с коронарными заболеваниями на выбранную музыку. Сердце-легкие 1987;16(4):370–378 [PubMed] [Google Scholar]

53. Апдайк П. Результаты музыкальной терапии для пациентов отделения интенсивной терапии. Dimens Crit Care Nurs 1990;9(1):39–45 [PubMed] [Google Scholar]

54. Тиг А.К., Хана Н.Д., МакКинни Ч.Д. Групповая музыкальная терапия с женщинами, пережившими насилие со стороны интимного партнера. Music Ther Perspect 2006;24(2):80–87 [Google Scholar]

55. Боргманн Э. Арт-терапия с тремя женщинами, у которых диагностирован рак. Arts Psychother 2002;29(5):245–251 [Google Scholar]

56. МакМюррей М., Шварц-Мирман О. Интеграция и проработка в арт-терапии. Arts Psychother 2001;28(5):311–318 [Google Scholar]

57. Рейнольдс Ф., Прайор С. Вешалка для одежды: феноменологическое исследование значения произведений искусства для женщин, справляющихся с хроническими заболеваниями и инвалидностью. Disabil Rehabil 2003;25(14):785–794 [PubMed] [Google Scholar]

58. Puig A, Lee SM, Goodwin L, Sherrard PAD. Эффективность терапии творческим искусством для улучшения эмоционального выражения, духовности и психологического благополучия пациентов с недавно диагностированным раком молочной железы стадии I и стадии II: предварительное исследование. Arts Psychother 2006; 33(3):218–228 [Google Scholar]

59. Росс Э.А., Холлен Т.Л., Фицджеральд Б.М. Обсервационное исследование программы «Искусство в медицине» в амбулаторном отделении гемодиализа. Am J Kidney Dis 2006;47(3):462–468 [PubMed] [Google Scholar]

60. Walsh SM, Martin SC, Schmidt LA. Проверка эффективности творческого вмешательства с членами семьи, осуществляющими уход за больными раком. J Nurs Scholarsh 2004;36(3):214–219 [PubMed] [Google Scholar]

61. Nainis N, Paice JA, Ratner J, Wirth JH, Lai J, Shott S. Облегчение симптомов рака: инновационное использование арт-терапия. J Pain Symptom Manage 2006; 31 (2): 162–169.[PubMed] [Google Scholar]

62. Саморай Дж. Исцеляющие эффекты творческого самовыражения, испытываемые людьми, идентифицирующими себя с усталостью от сострадания: феноменологическое исследование. Diss Abst Int 2006;66(9B):5103 [Google Scholar]

63. Reynolds MW, Lim KH. Вклад изобразительного искусства в субъективное благополучие женщин, живущих с раком: качественное исследование. Arts Psychother 2007;34(1):1–10 [Google Scholar]

64. Guillemin M. Воплощение болезни сердца через рисунки. Здоровье (Лондон) 2004; 8 (2): 223–239.[PubMed] [Google Scholar]

65. Колли К., Ботторф Дж., Лонг Британская Колумбия. Повествовательный взгляд на арт-терапию и создание произведений искусства женщинами с раком молочной железы. J Health Psychol 2006;11(5):761–775 [PubMed] [Google Scholar]

66. Шолт М., Таврон Г. Терапевтические качества работы с глиной в арт-терапии и психотерапии: обзор. Art Ther 2006;23(2):66–72 [Google Scholar]

67. Daykin N, Hunt L, McClean S. Музыка и исцеление при лечении рака: опрос поставщиков поддерживающей терапии. Arts Psychother 2006; 33(5):402–413 [Google Scholar]

68. Стариков Р.Л. Искусство в здоровье: ценность оценки. JR Soc Promot Health 2006;126(3):116–120 [PubMed] [Google Scholar]

69. Kreitzer M, Snyder M. Исцеление сердца: интеграция дополнительных методов лечения и лечебных практик в уход за пациентами с сердечно-сосудистыми заболеваниями. Prog Cardiovasc Nurs 2002;17(2):73–80 [PubMed] [Google Scholar]

70. Ульрих Р., Лунден О., Элтинг Дж. Влияние воздействия природы и абстрактных изображений на пациентов, выздоравливающих после операции на открытом сердце. J Soc Psychophysiol Res 1993;30:7 [Google Scholar]

71. Роквуд-Лейн М., Грэм-Поул Дж. Разработка художественной программы в отделении трансплантации костного мозга. Cancer Nurs 1994;17(3):185–192 [PubMed] [Google Scholar]

72. Tusek DO, Cwynar R, Cosgrove DM. Влияние управляемых образов на продолжительность пребывания, боль и тревогу у кардиохирургических пациентов. J Cardiovasc Manag 1999;10(2):22–28 [PubMed] [Google Scholar]

73. Monti DA, Peterson C, Shakin Kunkel E, et al. Рандомизированное контролируемое исследование арт-терапии на основе осознанности (MBAT) для женщин, больных раком. Psychooncology 2006;15(5):363–373 [PubMed] [Google Scholar]

74. Ганим Б. Искусство и исцеление: использование выразительного искусства для исцеления тела, разума и духа Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Three Rivers Press; 1999 [Google Scholar]

75. Бек А.Т., Стир Р.А. Beck Anxiety Inventory Сан-Антонио, Техас: Harcourt Brace; 1993 [Google Scholar]

76. Леви Ф. Танцевально-двигательная терапия: исцеляющее искусство. Служба воспроизведения документов ERIC № ED352336. [Google Scholar]

77. Гринспен А.И., Вольф С.О., Келли М.Э., О’Грейди М. Тай-чи и воспринимаемое состояние здоровья у пожилых людей с переходной слабостью: рандомизированное контролируемое исследование. Phys Ther 2007;87(5):525–535 [PubMed] [Google Scholar]

78. Noice H, Noice T, Staines G. Краткосрочное вмешательство для улучшения когнитивных и эмоциональных функций у пожилых людей. J Aging Health 2004;16(4):562–585 [PubMed] [Google Scholar]

79. Sandel SL, Judge JO, Landry N, Faria L, Ouellette R, Majczak M. Танцевально-двигательная программа улучшает качество -жизненные меры у выживших после рака молочной железы. Cancer Nurs 2005;28(4):301–309 [PubMed] [Google Scholar]

80. Пикард С. Паттерн расширения сознания у женщин среднего возраста: творческое движение и повествование как способы выражения. Nurs Sci Q 2000;13(2):150–157 [PubMed] [Google Scholar]

81. Эстерлинг Б.А., Л’Абате Л., Мюррей Э.Дж., Пеннебейкер Дж.В. Эмпирические основы для письма в профилактике и психотерапии: результаты психического и физического здоровья. Clin Psychol Rev 1999; 19:79–96 [PubMed] [Google Scholar]

82. McArdle S, Byrt R. Художественная литература, поэзия и психическое здоровье: выразительное и терапевтическое использование литературы. J Psychiatr Ment Health Nurs 2001;8(6):517–524 [PubMed] [Google Scholar]

83. Петри К.Дж., Фонтанилла И., Томас М.Г., Бут Р.Дж., Пеннебейкер Д.В. Влияние письменного эмоционального выражения на иммунную функцию у пациентов с инфекцией, вызванной вирусом иммунодефицита человека: рандомизированное исследование. Psychosom Med 2004;66(2):272–275 [PubMed] [Google Scholar]

84. Грэм Дж. Э., Лобель М., Гласс П., Локшина И. Эффекты письменного выражения гнева у пациентов с хронической болью: осмысление боли. J Behav Med 2008;31(3):201–212 [PubMed] [Google Scholar]

85. Junghaenel DU, Schwartz JE, Broderick JE. Дифференциальная эффективность письменного раскрытия эмоций для подгрупп пациентов с фибромиалгией. Br J Health Psychol 2008;13(1):57–60 [бесплатная статья PMC] [PubMed] [Google Scholar]

86. Gillis ME, Lumley MA, Mosley-Williams A, Leisen JC, Roehrs T. Влияние на здоровье домашнего письменного раскрытия эмоций при фибромиалгии: рандомизированное исследование. Ann Behav Med 2006;32(2):135–146 [бесплатная статья PMC] [PubMed] [Google Scholar]

87. Бродерик Дж.Э., Юнгхенел Д.Ю., Шварц Дж.Э. Письменное эмоциональное выражение приносит пользу для здоровья пациентов с фибромиалгией. Psychosom Med 2005;67(2):326–334 [PubMed] [Google Scholar]

88. Pennebaker JW. Теории, методы лечения и налогоплательщики: о сложностях парадигмы выразительного письма. Clin Psychol Sci Pract 2004;11(2):138–142 [Google Scholar]

89. Pennebaker JW. Написание об эмоциональных переживаниях как терапевтическом процессе. Psychol Sci 1997;8(3):162–166 [Google Scholar]

90. Пеннебейкер Дж.В. Исповедь, торможение и болезнь. : Берковиц Л. Успехи экспериментальной социальной психологии Vol. 22 Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Academic Press; 1989: 211–244 [Google Scholar]

91. Пеннебейкер Дж. В., Грейбил А. Модели использования естественного языка: раскрытие информации, личность и социальная интеграция. Curr Dir Psychol Sci 2001;10(3):90–93 [Google Scholar]

92. Campbell RS, Pennebaker JW. Тайная жизнь местоимений: гибкость стиля письма и физическое здоровье. Psychol Sci 2003;14(1):60–65 [PubMed] [Google Scholar]

93. Coulehan J, Clary P. Исцеление целителя: поэзия в паллиативной помощи. J Palliat Med 2005;8(2):382–389 [PubMed] [Google Scholar]

94. Кэрролл Р. В поисках слов, чтобы сказать это: целительная сила поэзии. Дополнение на основе Evid Alternat Med 2005;2(2):161–172 [бесплатная статья PMC] [PubMed] [Google Scholar]

95. Коллинз К., Фурман Р., Лангер С. Поэтическая терапия как инструмент когнитивной практики. Arts Psychother 2006;33(3):180–187 [Google Scholar]

96. Джеффс С., Пеппер С. Исцеляющие слова: размышление о поэзии и выздоровлении от психических заболеваний. Arts Psychother 2005; 32 (2): 87–9.4 [Google Scholar]

97. Macduff C, West B. Искусство в здравоохранении: использование поэзии в культуре здравоохранения. Br J Nurs 2002;11(5):335–341 [PubMed] [Google Scholar]

98. Кэмерон Дж. Путь художника: духовный путь к высшему творчеству Лос-Анджелес, Калифорния: Тарчер; 1992 [Google Scholar]

99. Райнер Т. Ваша жизнь как история. Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Тарчер; 1997 [Google Scholar]

100. Брейди Э., Скай Х. Ведение журналов среди учащихся старшего возраста. Образование Геронтол 2003; 29(2):151–163 [Google Scholar]

101.