Синемаграф или как сделать самому живые фотографии. – ФотоКто

Синемаграф – это потрясающий гибрид фото и видео. Их прелесть заключается в том, что изначально зритель смотрит на статичную фотографию, но внезапно движущийся элемент привлекает его внимание и он понимает, что в фотографии есть движение!

Эта техника была придумана американским фотографом Джейми Беком и дизайнером Кевином Бургом, которые изначально использовали эту технику для демонстраций показов мод. В этом уроке я покажу пример как сделать синемаграф.

1. Выбор объекта.

           Лучше всего подойдет объект, движения у которого повторяются. Например, моргающие глаза, текущая вода или как в данном примере колыщащиеся листики, на самом деле, если проявить креативность, можно сделать удивительный синемаграф. И так, как я уже сказал в данном примере мы выбрали объектом съемки колышащиеся листики на ветке.

 

2. Расположение объекта в кадре.

          В синемаграфе движущийся объект должно быть легко изолировать от остальной части изображения. В примере, движущийся объект — это листики и ветка. Недвижущийся объект зелень на заднем плане.

 

3. Съемка.

          Для синемаграфа нужно всего лишь несколько секунд видео. Снимать необходимо на штатив, желательно чтобы он был устойчивым. При появлении лишних колебаний желательно утяжелить чем нибудь штатив, если у Вас на штативе нет специального крючка можно к примеру, повесить на ручку штатива рюкзак или сумку.

          Снимать можно хоть на видеокамеру, хоть на фотоаппарат, разумееться качество нужно делать максимально возможное.

         Лучше всего избегать лишних движений перед и после объектом, если конечно так не было задуманно.

 

4. Photoshop.

После того как Вы благополучно отсняли материал, пора из него делать синемаграф.

1. Импортируем видео в фотошоп.

File > Import > Video Frames to Layers …

2. С помощью двух флажков выбираем из всего видео нужный нам отрезок. Нажимаем ОК.

3. После импортирования нашего отрезка в фотошоп внизу в шкале «Timeline» мы видим кадры нашего видео, если внизу у Вас нет шкалы «Timeline» то ее можно включить следующим образом Window> Timeline. Каждому кадру принадлежит свой слой. Первый кадр — Layer 1, Второй кадр Layer 2… и т.д.  Синемаграф должен заканчиваться тем же кадром каким он начинался. Для этого я  дублирую каждый кадр в обратном порядке таким образом у нас получается плавное движение объекта без скачков.

4.  После того  как все кадры готовы, нужно выбрать основной кадр, выбираем кадр с подходящим фоном, дублируем слой этого кадра и переносим его на самый верх, добавляем маску и закрашиваем весь движущийся объект, вместо маски можно использовать ластик, кому как удобнее.

5.  После работы с основным кадром запустите анимацию и проверьте не пропадает ли где нибудь  движущийся объект.

6. При необходимости можно добавить корректирующий слой и  добиться нужного эффекта.

7. Лучше всего уменьшить размер нашего изображения т.к. файлы gif вест прилично.

Image> Image Size…

8. Чтобы сохранить наш синемаграф нажимаем File> Save For Web…

Нажимаем Save  и Ваш  Синемаграф готов.

Удачи Вам в содании синемаграфов, заранее приношу извинения за ошибки, которые здесь наверняка есть.

PS: Синемаграф снимался на Sony-A37, Обрабатывался в Photoshop CS6, но думаю все действия не сильно отличаются от других версий. Спасибо за внимание.

 

Что такое «киношная» картинка. Как сделать киношную обработку видео.

Практически все, кто занимаются видеосъемкой и видео-монтажом, рано или поздно задаются вопросом: «Что такое «киношность» и как ее достичь в своих работах. Термин — «киношность» — имеет очень много значений и очень часто может восприниматься по разному. В свое время я считал, что киношность, это прежде всего картинка снятая на наименьшее значение ГРИП(глубина резкости) с  определенной цветокоррекцией. Но в действительности это очень поверхностное суждение. Определенная глубина резкости выбирается исключительно из художественных приемов, и ни коем образом не влияет на уровень определения «киношности». А про цветокоррекцию и говорить нечего, так как каждый режиссер выбирает цвет исходя из собственных предпочтений. А поскольку нет волшебного объектива, или приема цветокоррекции, то говорить о кинематографичной картинке нужно в другой плоскости, рассматривая все грани Кинопроизводства.

Из чего состоит кинематографичная картинка? Давайте разбираться.

Цвет.

Поскольку я уже начал говорить о цветокоррекции, давайте продолжим обсуждение цвета в кино. Цвет не самый главный аспект в кинопроизводстве, тем не менее он передает атмосферу и настроение фильма. Если мы говорим о комедиях, мелодрамах, семейном кино, то сразу представляем достаточно яркую и теплую картинку с насыщенными цветами. А если упомянуть триллеры или ужасы, то воображение и воспоминание рисует нам достаточно мрачную и холодную цветоккорекцию таких фильмов. Да, цвет в кино очень часто связан с жанром картины. Бывают исключения, когда жанры смешиваются, и тогда в комедийном фильме на тему зомби или нечисти можно встретить достаточно холодную коррекцию, при том что жанр комедийный, и наоборот. Если вспомнить о фильмах по комиксам, то сразу приходит на ум то, что фильмы Marvel по цветокоррекции отличаются от фильмов DC, у которых многие фильмы в более мрачном и холодном тоне. Ситуация стала меняться, когда, в плане коммерческого дохода, нужно делать кино для широких масс. Поэтому в «Аквамен» от DC, уже можно увидеть достаточно яркую картинку в стиле марвеловских фильмов. Переходим к наглядным примерам!

Цвет в жанре комедия:

Цвет в жанре ужасы, триллер:

Как мы видим, настроение, которое передается цветокоррекцией в этих примерах совершенно разное, что вполне оправданно целью передать атмосферу ужаса и напряжения во втором варианте, и целью передать атмосферу позитива и тепла в первом варианте. Хочу повториться, каких то законов и правил в цветокоррекции нет, поэтому каждый автор и режиссер может импровизировать в своих работах. Цветокоррекция это инструмент, который используют на пост продакшене. Но есть инструмент, который намного важнее цветокоррекции, на мой взгляд, и который используют в момент съемки, на съемочной площадке.

Свет в кинопроизводстве.

На мой взгляд, это один из главных инструментов для достижения кинематографичной картинки в видео. Использование света пришло в кино из живописи. Так как до появления фотографии и кино именно живопись была основой изобразительного искусства, именно в живописи нужно черпать знания влияния света на картинку. Советую к прочтению статью на эту тему. Это достаточно обширная тема, и в этой статье я не буду детально разбирать вопрос использования света в живописи, но покажу примеры света в живописи.  А после мы сравним с примерами в кино.

Свет в живописи:

Примеры работы со светом в кино:

Примеры работы со светом в сериале «Игра Престолов»

Такая работа со светом позволяет выделить главный объект съемки(в данном случае это герои фильма) и акцентировать внимание зрителя именно на герое и на его эмоциях. Обратите внимание, фон и антураж теряются, либо мы их вовсе не замечаем, так как они в полной тьме. Наше внимание не отвлекается на элементы декора, фона, стен и т.д. И обратите внимание как работа со светом в кинематографе аналогична работе со светом в примерах живописи. Но безусловно в кино, как и в живописи, используются разные приемы работы со светом.

Примеры:

На этих примерах мы видим, что результат отличается от предыдущих, и у нас нет провалов в темное с выделением одного лишь объекта съемки. Совершенно другая задача и другой подход к получению результата. Но и в данных примерах везде используется свет — рисующий, заполняющий и контровой. Благодаря работе со светом главные объекты подчеркиваются, создается объемная картинка и так называемая «магия кино». Если вам может показаться, что в кино всегда используется дополнительный источник света, и кино нельзя снимать без искусственного света, я тогда хочу вам показать примеры съемки с естественным светом без каких либо дополнительных источников искусственного света.

Фильм «Выживший», съемка с естественным светом:

В данном примере использовался естественный свет на локации и естественный свет от окна. Как работать в реальности с естественным светом? Если вы снимаете в помещении и в этом помещении есть источник естественного света, например окно, тогда во-первых отключите любые источники искусственного света(люстры, потолочный свет), чтобы свет не «смешивался». Во-вторых приблизьте объект съемки к окну, чтобы на объект съемки падало больше света, или снимайте от окна. Если съемка проходит на открытой локации, тогда основное правило в данной ситуации — съемка в утренние или вечерние часы (так называемый «золотой» час). Это время, когда солнце находится низко над горизонтом и свет становится мягким. Если вынужденно съемка проходит в обеденное время, когда солнце располагается над головой, ищите тень, или места где есть граница света и тени, чтобы именно с этим можно было работать во время съемки. Работе со светом, искуственным и естественным нужно обучаться, чтобы вырабатывать способность «видеть свет», тогда вы сможете получить более киношную картинку в своих видео. Если я не вижу свет на открытой локации, тогда прибегаю к такому способу: прошу снимаемый объект смотреть в камеру, а сам делаю круг, вокруг объекта съемки, и выбираю тот ракурс, в котором лучше всего получается картинка(объем, отсутствие световых пятен на лице) под требуемый результат. Попробуйте для себя такой способ, чтобы увидеть, как находясь в одной локации и при размещении объекта съемки в одной точке, меняется влияние света на этот объект.

Объективы и глубина резкости.

Повторю свое второе ошибочное мнение — киношность зависит от глубины резкости. Нет, это никак не влияет на киношность картинки. Но бывает, что для определенных целей операторы используют объективы с открытой диафрагмой для получения сильно размытой картинки. Обратим внимание на такой прием в фильме «Прибытие». В фильме есть фрагменты воспоминания мамы о своем ребенке, и они сняты на о

История кинематографа — Википедия

История кинематографа начала свой отсчёт 28 декабря 1895 года, когда на бульваре Капуцинок в одном из залов «Гранд кафе» прошёл первый сеанс кинопоказа.

Кинооператоры в Берлине. (1907)

Первый шаг к кинематографу был сделан в XV—XVII веках, когда был разработан «волшебный фонарь» — камера обскура (кроме того, ранее появился театр теней в Китае и Японии, а принцип создания изображения посредством узкого отверстия был известен ещё в античности). Сам термин «камера обскура» возник в конце XV века, а соответствующие опыты проводил Леонардо да Винчи. Волшебный фонарь для проецирования изображений на вертикальный экран стал широко известен в XVII веке. Он в упрощении представлял собой ящик с увеличительной трубой и светильником внутри. Сзади этого светильника стоял рефлектор-отражатель, между трубой и ящиком была щель, где ставился тушью нарисованный кадр. При этом изображение было статичным.^[1]

Следующий шаг к кинематографу сделал в 1830 году Майкл Фарадей и его друг Макс Роджер. Вся Европа старалась изобрести аппарат, чтобы оживить рисунок. Прибор Фарадея назывался фенакистископом. К аппарату прилагался ряд последовательных картинок. Ранее учёный Жозеф Плато занимался разложением движения на фазы (например, движение человека). Когда Фарадей получил в руки эти труды, ему до завершения фенакистископа оставалось совсем немного. В результате стало возможным создать движущийся рисунок (но не реальное изображение) длительностью несколько секунд.

Лошадь в движении. (1878)

Третий шаг состоялся в 1877 году с изобретением хронофотографии. Он стал возможен благодаря работам Луи Дагера и Жозефа Ньепса, разработавших мокрый коллодионный процесс с достаточно высокой светочувствительностью, но требующий приготовления фотоматериала непосредственно перед съёмкой. Высокая светочувствительность позволяла уменьшить время экспозиции, без чего съёмка быстрого движения была бы невозможной.

В 1878 году губернатор Калифорнии Леланд Стэнфорд и фотограф Эдвард Мейбридж провели эксперимент по фотофиксированию галопа лошади. По одним данным, Стэнфорд поспорил c Мейбриджем на тему того, «отрывает во время галопа лошадь все четыре ноги от земли или нет», по другим — Мэйбридж просто выполнял заказ Стэнфорда, занимавшегося анализом движения лошади. Они установили вдоль беговой дорожки для лошадей 12 фотоаппаратов, размещённых в специальных светонепроницаемых будках. Ассистенты в будках по сигнальному свистку одновременно начинали готовить фотопластинки для съёмки. По мере готовности всех камер на дорожку выпускалась лошадь, которая скакала вдоль белой стены напротив фотоаппаратов. Затворы всех фотоаппаратов приводились в действие верёвками, натянутыми поперек трека: лошадь разрывала их, поочерёдно запуская фотоаппараты^[2]. В итоге, каждый из фотоаппаратов снимал отдельную фазу движения лошади на белом фоне стены, подчёркивающей силуэт. Это была первая попытка разложить движение на фазы. В дальнейшем Мэйбридж увеличил число фотоаппаратов до 24, а полученные снимки использовал в изобретённом им зупраксископе, дававшем движущееся изображение.

Фотографирование движений животных и человека — главная сфера интересов Мейбриджа, и за работы в этой области он получал субсидию университета Пенсильвании, с которым он сотрудничал три года. Одиннадцать томов, опубликованных под эгидой университета в 1887 году — «Движение животных: электрофотографические исследования последовательных фаз движения животных», — содержали все фотографические эксперименты Мейбриджа с 1872 по 1885 годы, и в них было помещено более ста тысяч его фотографий. На фотографиях были не только домашняя собака, кошка и лошадь, но и американский лось, олень, медведь, енот, лев, тигр, обезьяна и птицы.

В 1901 году Мейбридж выпустил книгу «Фигура человека в движении». Он возвратился в Англию и больше почти не занимался фотографией. Умер он в своём родном городе Кингстоне на Темзе в 1904 году.

Во второй половине XIX века фотография стала очень популярна, в домах появились фотоальбомы, где люди хранили фотографии друзей и родственников. В этот период было зарегистрировано множество патентов на «живую» фотографию.

В 1876 году французский профессор Этьен Маре изобрёл «фотографическое ружьё». На вращающуюся восьмиугольную фотопластинку проводилась съёмка фаз движения животных и птиц со скоростью до 10 кадров в секунду^[3]. В дальнейшем изобретатель создал более удачное устройство под названием «хронофотографическая камера», использующее рулонную светочувствительную фотобумагу. Модернизировав своё изобретение, Маре получил хронофотографическую камеру, которая могла использовать рулонную неперфорированную киноленту.

В 1876 году в Париже появился покадровый кинематограф. Его изобретатель — Эмиль Рено, а его изобретение — оптический театр. Это был волшебный фонарь в «большом масштабе»: через фонарь шла плёнка с нанесёнными на неё рисунками. Таким образом, получался театр кадров, показываемых последовательно на большом экране: 80, 90 или 100 картинок в зависимости от сюжета. Специально приглашённый актёр рассказывал о действии. «Фильм» состоял из ряда роликов по несколько секунд каждый, недостаток технологии состоял в невозможности делать длительные ролики. В пору расцвета таких театров было в Париже около 12.

Пример такого фильма: молодая женщина читает книгу, к ней подходит молодой человек, завязывается диалог. Потом он берёт её под руку и ведёт в экипаж, они едут обедать. Несколько встреч, потом происходит свадьба. Алтарь. Их провожают на пароход и отправляют в свадебное путешествие в Африку. Кратко показано их путешествие. Молодые супруги возвращаются, их встречают родители. Потом демонстрируется белый кадр. Девушка снова сидит на скамейке, она поднимает книгу — ей всё приснилось.

В 1870 году американцем Джоном Хайатом изобретён целлулоид, позднее использованный для получения гибкой ленты. Спустя 7 лет русский фотограф Иван Болдырев предложил использовать фотоплёнку на такой подложке^[4]. В 1889 году американский изобретатель Джордж Истмэн, ранее разработавший эффективный промышленный метод покрытия фотоэмульсией «сухих» фотопластин, выпустил на рынок прозрачную фотоплёнку на основе целлулоида. После этого стало возможным создание эффективной и прочной киноплёнки^[1].

Среди всех прочих изобретателей, которые искали путь для создания «движущихся картинок», ближе всего подошли к созданию кинематографа четыре человека. Это Томас Эдисон, Братья Люмьер и Иосиф Тимченко.

В 1894 году Томас Эдисон передаёт разработки кинематографа Уильяму Диксону. Под руководством Эдисона Диксон изобретает аппарат «кинетоскоп». Этот аппарат был так устроен, что «движущиеся картинки», которые он демонстрировал, мог наблюдать только один человек. Кроме того, в кинетоскопе применялся не покадровый показ, а постоянная прокрутка — что создавало у зрителя при просмотре впечатление размытия изображения. На основе кинетоскопа была создана первая в мире киносеть, принёсшая за год 150 тысяч долларов прибыли. 35-мм киноплёнка, использованная для кинетографа и кинетоскопа, дожила без существенных изменений до нашего времени. Соотношение сторон кадра 1,33:1 было стандартом до появления звукового кино.^[1]

В 1893 году русский инженер Иосиф Тимченко изобретает проектор для просмотра фильма^[5]. Это был заместитель главного инженера Балтийского завода. Прочитав о разработках «живых картинок», он также включился в процесс изобретения (история этого изобретения нам известна по материалам Карена Шахназарова). В 1893 году Тимченко начал заниматься изучением этого вопроса. Он изобрёл камеру, снимающую на вращающуюся фотопластинку, а также изобрёл проектор и попробовал снять полдесятка сюжетов про свою семью и своих детей. Через некоторое время он продемонстрировал свой аппарат российскому научному обществу. Его заслуги оценили, но денег на дальнейшее развитие и изучение не выделили; тогда он обратился в общество предпринимателей, куда входили владелец Путилов, банкир Дмитрий Рубинштейн, владелец магазинов Елисеев, булочник Филлипов и др. Но и там его предложение не встретило поддержки. Но Тимченко на этом не остановился, он обратился к Савве Ивановичу Мамонтову. В начале 1894 года, весной он приехал в Москву и рассказал про свои изобретения, а также изложил свою идею Мамонтову, на что тот сказал: «Это имеет большое будущее, но денег у меня нет».

Год спустя Братья Люмьер продемонстрировали свою технологию кинопоказа — и вошли в историю в качестве создателей кинематографии как жанра искусства. Братья Люмьер были специалистами по технологиям фотофиксации изображений и к 1895 году смогли создать работающий киноаппарат «синематограф» и сделать несколько роликов. Известны как минимум пять показов 1895 года: 22 марта в Париже в Обществе развития отечественной промышленности; 11 июня на съезде фотографов в Лионе; 11 июля в Париже на технической выставке; 10 ноября в Брюсселе в Бельгийской ассоциации фотографов и 16 ноября в амфитеатре Сорбонны. Эти показы не были доступны всем желающим и проводились преимущественно для специалистов. Однако 28 декабря 1895 года в «Индийском салоне Гранд-кафе» в Париже на бульваре Капуцинок состоялся первый киносеанс, проводившийся для всех желающих за плату. На бульваре Капуцинок демонстрировалось несколько роликов продолжительностью 45-50 секунд, снятых весной 1895 года. Среди них был комедийный сюжет «Политый поливальщик», однако не было знаменитого ролика «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота», который демонстрировался позже, в 1896 году. Вопреки легенде, зрители не пытались покинуть свои места, видя надвигающийся на них поезд.^[1]

Важное значение работы Люмьеров состояло в том, что их технология позволяла осуществлять съёмку не в специальных помещениях, а в любом месте (в том числе на улице), быстро готовить фильм к просмотру и показывать его не одному зрителю, а целому залу.^[1]

Немое кино и формирование сети кинотеатров[править | править код]

Основная статья: Немой кинематограф

Братья Люмьер решили строить бизнес не на продаже киноаппаратов, а на создании сети кинотеатров. Люмьеры предоставляли франшизу, и их партнёры организовывали кинопоказы, оплачивали труд киномехаников и аренду аппаратов, закупали киноматериал (всего Люмьер отсняли за три года несколько сотен одноминутных лент). Поначалу бизнес шёл успешно (была создана киносеть по всему миру), однако через несколько лет братья столкнулись с жёсткой конкуренцией, поскольку количество кинотеатров быстро росло. В 1898 году Люмьеры приняли решение прекратить свою кинодеятельность и вернуться к совершенствованию фототехнологий (включая создание цветного фото).^[1]

Длительность фильмов удалось увеличить благодаря изобретению Вудвила Латама, в 1897 году создавшего механизм, позволяющий использовать плёнку большой протяжённости (петля Латама). Ранее длина плёнки ограничивалась 15-ю метрами, чтобы исключить её обрыв в лентопротяжном механизме; этого хватало не более, чем на одну минуту показа.

В развитие раннего кинематографа крупный вклад внесли француз Жорж Мельес и американец Дэвид Гриффит. Мельес основал первую киностудию (как отдельное предприятие), где разработал технологии создания спецэффектов и снял первый фантастический фильм и первый фильм ужасов. Гриффит разработал концепцию «крупного плана» и стал основателем «голливудской режиссуры», создав классическую схему кадр-план-сцена-эпизод.^[1]

В Европе до Первой мировой войны доминировала парижская киностудия «Братьев Патэ», а в США центром киноиндустрии первоначально был Нью-Йорк. Однако в 1910-е годы всё больше студий перебирались в пригород Лос-Анджелеса Голливуд, где были хорошие условия для натурных съёмок (много солнечного света и редкие осадки). В начале 1920-х годов в Голливуде уже базировались 8 крупнейших киностудий, контролировавших кинопроизводство. Пять из них — Fox, Loew-MGM, Paramount, RCA и Warner Brothers — имели собственные сети кинотеатров, и ещё три — Universal Pictures, Columbia Pictures и United Artists — не имели своих сетей.^[1]

Основная статья: Звуковой кинематограф

Основная статья: Цветной кинематограф

• Даровский В. П. «История российского кинематографа. Курс Лекций»

Кинематограф 🎥 история возникновения и развития кратко, зарождение синематографа, создатели киноискусства, виды и жанры современного кино

Хотя кино изобрели в последнем десятилетии девятнадцатого века, но кинематографическая идея всегда сопровождала человека. Она в своей истории прошла через несколько этапов, которые превратили её из первых элементарных «экспериментов» братьев Люмьер в современные цифровые фильмы, полные спецэффектов.

Начало: киноиндустрия конца XIX века

В 1891 году изобретатель Томас Эдисон вместе с Уильямом Диксоном, молодым лаборантом, придумали устройство, ставшее предшественником кинопроектора. Этот аппарат стал называться кинетоскопом.

Он представлял собой шкаф с окном, через которое отдельные зрители могли испытать иллюзию движущегося изображения. Перфорированная полоса из целлулоидной плёнки быстро прокручивалась между лампочкой и линзой, через которую зрителям показывали отдельные моменты, снятые кинетоскопом, на киностудии Эдисона.

Это были:

• цирковые представления;
• танцы женщин;
• петушиные бои;
• боксёрские поединки и даже удаление зубов у дантиста.

По мере того как кинетоскоп обрёл популярность, компания Эдисона начала проводить демонстрации в вестибюлях гостиниц, в парках развлечений и в залах. Вскоре кинотеатры, где клиенты могли платить около 25 центов за вход, открылись по всей стране. Когда друзья и сотрудники предложили Эдисону найти способ проецировать изображения кинетоскопа для просмотра большой аудиторией, он отказался, заявив, что это будет менее прибыльным предприятием.

Поскольку Эдисон не получил международный патент на своё изобретение, кинетоскоп вскоре стали копировать и распространять по всей Европе. Эта новая форма развлечения имела мгновенный успех. Ряд механиков и изобретателей, увидев возможность, начали экспериментировать с методами проецирования движущихся изображений на большой экран.

Но именно изобретение двух братьев, Огюста и Луи Жан Люмьера, производителей фототоваров в Лионе, добилось наибольшего коммерческого успеха. Поэтому они вошли в историю как создатели кинематографа.

Братья Люмьер

В 1895 году братья Люмьер изобрели и запатентовали синематограф — лёгкий кинопроектор. В отличие от аппарата Эдисона, он был достаточно удобен для съёмки на открытом воздухе. С его помощью братья сняли более 1 тыс. короткометражных фильмов, большинство из которых изображали сцены из повседневной жизни.

В декабре 1895 года в подвальном помещении Гранд-кафе на Парижской улице Рю де Капюшен состоялся первый в мире коммерческий кинопоказ под названием «Рабочие, покидающие фабрику Люмьера».

Луи Жан Люмьер утверждал, что кино — «изобретение без будущего». Информация об этом показе разлетелась по всей Европе. Спрос на него рос настолько быстрыми темпами, что вскоре представители компании начали разъезжать по миру, демонстрируя получасовые фильмы.

К концу XIX века, когда общественное волнение по поводу новизны движущегося изображения постепенно угасло, кинематографисты начали, экспериментировать со спецэффектами, которые производили на экране магические преобразования: цветы превращались в женщин, люди исчезали с клубами дыма.

Если раньше режиссёры создавали только сцены, которые длились минуту или меньше, американец Мелиес начал объединять эти короткометражные фильмы вместе, чтобы создавать истории. Его «Путешествие на Луну» из 30 сцен (1902), основанное на романе Жюля Верна, возможно, являлся самым популярным фильмом того времени.

Первые кинотеатры

Картина Портера «Великое ограбление поезда» (1903) имела похожие сценические композиции в стиле Мелиеса благодаря использованию монтажа, панорамирования камеры и обратной проекции. Они создавали непрерывность действия. «Великое ограбление поезда» не только определило реалистичное повествование как стандарт в кино, но и стало первым кассовым хитом. Его успех проложил путь к зарождению киноиндустрии. Инвесторы, осознавая огромный потенциал кинопроизводства, начали открывать кинотеатры по всей стране.

Первым залом, показывающим только фильмы, был «Никелодеон» в Питтсбурге. К 1907 году в США, Великобритании и Франции открылись специальные помещения для показа кинофильмов. Эти ранние кинотеатры были особенно популярны среди рабочего класса того времени.

Поскольку спрос на кинофильмы быстро рос, были созданы производственные компании для их проката. Однако между ними часто возникали острые споры о правах и контроле отрасли.

Торговая группа MPPC объединила наиболее значимые патенты на кинофильмы и заключила эксклюзивный договор между этими компаниями и Eastman Kodak в качестве поставщика кинопродукции. Целью MPPC было окончательное определение отрасли и исключение конкуренции посредством монопольного контроля.

Мировая киноиндустрия и Голливуд

К 1914 году появилось несколько национальных киноиндустрий. Европа, Россия и Скандинавия доминировали на этом рынке. Возникновение искусства кинематографа в России относится к 1908 году, когда режиссёр Патэ снял там несколько художественных сюжетов. Затем были созданы российские кинокомпании Александра Дранкова и Александра Ханжонкова. Компания Ханжонкова быстро стала крупнейшей кинокомпанией и оставалась таковой до 1918 года.

По мере того как всё больше людей платили за просмотр фильмов, индустрия была готова вкладывать больше денег в производство и распространение кинофильмов. Создавались большие студии и специальные залы. Но Первая мировая война сильно ограничила киноиндустрию в Европе, что позволило Америке вырваться вперёд.

Популярность кино в США стремительно возрастала среди среднего класса. Когда художественные фильмы стали держать зрителей на своих местах в течение более длительных периодов времени, экспоненты обнаружили необходимость создания удобных театральных пространств для привлечения своей аудитории. Эти «дворцы мечты», названные так из-за украшений из мрамора, латуни, позолоты и хрусталя, не только пришли на смену старым кинотеатрам, но и создали спрос, который привёл к появлению студийной системы.

Продюсеры поняли, что растущий спрос на новые работы может быть удовлетворён только в том случае, если фильмы будут производиться на регулярной основе. Однако это было нецелесообразно с существующей системой, базирующейся преимущественно в Чикаго и Нью-Йорке. Погодные условия этих городов не позволяли делать кино на открытом воздухе в течение значительной части года.

Различные компании пытались снимать в более тёплых штатах, таких как Флорида, Техас и Куба. Но местом, где продюсеры добились наибольшего успеха, был небольшой промышленный пригород Лос-Анджелеса — Голливуд. К 1915 году более 60 процентов кинопроизводства США было сосредоточено в Голливуде.

Развитие и закат немого кино

Хотя развитию немого фильма в значительной степени помогли коммерческие факторы, важно также признать роль отдельных художников, превративших его в средство самовыражения.

В эпоху немого кино в СССР Сергеем Эйзенштейном был снят фильм «Броненосец Потёмкин» (1925) который стал важным явлением не только в советском, но и мировом кино. Впоследствии он вошёл в десятку величайших фильмов.

Кроме того, немое кино подарило миру таких звёзд, как:

• Гарольд Ллойд;
• Бастер Китон;
• Чарли Чей;
• Чарли Чаплин.

В 1925 году Уо́рнэр Бра́зерс, маленькая голливудская студия, которая искала возможности для расширения, приобрела у Western Electric права на технологию звукозаписи под названием Vitaphone. Уо́рнэр Бра́зерс поняли, что это может стать способом получения быстрой краткосрочной прибыли. Но они совершенно не ожидали, что новая технология не только утвердит их в качестве основного кинопроизводителя в Голливуде, но и навсегда изменит индустрию.

Сочетание звука с кинофильмами не было чем-то новым. Во многих ранних кинотеатрах присутствовали оркестровые ямы для музыкального сопровождения фильмов. Когда Warner Bros. приобрели технологию Vitaphone, она планировала использовать её для обеспечения предварительно записанного оркестрового сопровождения фильмов, тем самым увеличивая их конкурентоспособность для небольших театров, в которых не было собственных оркестровых ям.

В 1926 году Уорнер Бра́зерс дебютировал с фильмом «Дон Жуан», сопровождаемым записью Нью-Йоркского филармонического оркестра. Успех был оглушительным. К 1927 году компания открыла более 150 кинотеатров в США и выпустили свой второй звуковой фильм, который стал крупным прорывом.

Зрители, впервые услышавшие голос актёра на экране, были очарованы. Через два года три четверти голливудских фильмов имели некоторую форму звукового сопровождения. К 1930 году немое кино ушло в прошлое.

Приход цвета

Для получения цветного фильма пленку окрашивали. Но техника ручной росписи стала непрактичной с появлением массового производства фильмов, а процесс тонирования создавал помехи для передачи звука.

Однако в 1922 году компания Technicolor Герберта Калмуса представила технику переноса красителя, которая позволила ему получить полнометражный фильм в двух основных цветах. Однако из-за ограниченности палитры «Повелители моря» (1922), «Десять заповедей» (1923) и другие картины производства «Техниколор» были не очень реалистичными.

К 1932 году Technicolor разработал усовершенствованную трёхцветную систему. В течение следующих 25 лет все плёнки производились с ней. «Три маленьких поросёнка Диснея» (1933) и «Белоснежка и семь гномов» (1936), а также фильмы «Волшебник страны Оз» (1939) и «Унесённые ветром» (1939) добились успеха, используя трёхцветный метод Техниколора.

В 1950 году в результате антимонопольного законодательства Technicolor утратила монополию на производство цветной плёнки, что позволило другим поставщикам предлагать более конкурентоспособные цены на услуги киносъёмки и обработки. В то же время компания Kodak выпустила многослойную плёнку, которая позволила использовать более доступные камеры и получать изображение высокого качества.

Современные фильмы

Всё больше людей привлекали такие фильмы, как «Космическая одиссея 2001 года» (1968), «Арни Пенн», «Бонни и Клайд» (1967) и «Лёгкий всадник» Денниса Хоппера (1969). В частности, эти четыре фильма собрали столько денег в кассах, что продюсеры начали выпускать малобюджетные подражатели, чтобы привлечь на новый прибыльный рынок. Однако либеральное отношение к изображениям секса и насилия в этих фильмах привело к переменам в киноискусстве, что проявилось во многих картинах 1970-х годов, в частности, в следующих лентах:

• «Крёстный отец» Фрэнсиса Форда Копполы (1972).
• «Экзорцист» Уильяма Фридкина (1973).
• «Челюсти» Стивена Спилберга (1975).

В 1970-х молодое поколение режиссеров, получивших образование в киношколах (Коппола, Спилберг, Джордж Лукас, Мартин Скорсезе), внесли в свои работы чувства профессионализма, изощрённости и технического мастерства. Это привело к волне блокбастеров, включая «Близкие контакты третьего рода» (1977), «Звёздные войны» (1977) .

Сгенерированные компьютером спецэффекты также способствовали успеху многих высокобюджетных постановок. Дистрибьюторы открывали для себя преимущества телевизионной и радиорекламы. Они обнаружили, что удвоение затрат может увеличить прибыль в три-четыре раза.

1990-е и последующие годы

Это время ознаменовалось появлением двух разных направлений кино: технически впечатляющий блокбастер со специальными компьютерными эффектами и независимый, низкобюджетный фильм. Возможности спецэффектов были расширены, когда студии начали снимать в цифровом формате.

Первые примеры этой технологии можно увидеть в фильмах «Терминаторе 2: Судный день» (1991) и «Парк юрского периода» (1993). В лентах с эпическим сюжетом «День независимости» (1996), «Титаник» (1997) и «Матрица» (1999) также использовались различные методы компьютерной анимации и специальные эффекты, чтобы удивить аудиторию и привлечь больше зрителей.

В то же время независимые режиссёры и продюсеры, такие как братья Коэн и Спайк Джонз, стали пользоваться всё большей популярностью.

За последние 20 лет производство фильмов сильно изменилось под влиянием стремительно улучшающихся цифровых технологий. Хотя они могут всё ещё сниматься на плёнку, большинство последующих процессов (редактирование, специальные эффекты) выполняются на компьютерах. Всё больше кинотеатров вкладывают средства в цифровую проекцию, которая способна создавать на экране изображения более высокого качества.

Сегодня кинематограф разделился на виды и жанры. К видам кинематографа относятся:

• художественный или игровой;
• документальный;
• научно-популярный, учебный;
• мультипликационный.

Жанры кинематографа — категории, основанные на сходстве элементов повествования или эмоционального отклика. Большинство из них заимствованы из литературы. Кинокритики согласны в том, что жанры нельзя чётко разграничивать.

Краткая таблица развития кинематографа по годам:

• 1887 — изобретение кинетоскопа Томасом А. Эдисоном.
• 1895 — вышло первое кино братьев Люмьер.
• 1902 — Жорж Мельес показал фильм «Путешествие на Луну».
• 1906 — Джордж Смит (1864—1959) изобрёл цветную плёнку.
• 1908 — в России был снят первый фильм «Понизовая вольница».
• 1911 — основана голливудская студия.
• 1918−1919 — в Германии наложили звук на киноплёнку.
• 1923 — показ звукового фильма.
• 1927 — присуждены премии Академии киноискусства («Оскар»).
• 1931 — вышел советский звуковой фильм «Одна».
• 1932 — разработана трёхцветная технология «Техниколор».
• 1936 — снят первый советский игровой цветной фильм «Груня Корнакова».
• 2009 — Д. Кэмерон выпустил фильм «Аватар», сделанный с использованием 3D-технологий.

Синематографъ — Википедия

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Синематографъ (театр) — театр, актеры которого играют на визуально-пластическом языке. Театр работает в Москве. На сцене «СинематографЪ» объединяет стихи, песни и литературные тексты с русским языком жестов. Обязательный этап постановки каждого спектакля — изобретение жестов, понятых каждому человеку, на каком бы языке он ни говорил, какой бы процент слуха ни имел.

У этого театра нет режиссёра, но есть спектакли, которые потрясают даже искушённых театралов. Актеры говорят на языке, который известен не каждому, однако публика все понимает[1].

В 2006 году выпускники Государственного специализированного института искусств^[2] (г. Москва) приняли решение о создании собственного театра.

Уже в июне 2006 года была снята первая работа «Синематографа» с использованием языка жестов — клип «Summer loving»^[3] (режиссёр Екатерина Телегина) на песню «Summer Nights» из к/фильма Рэндла Клайзера «Бриолин».

В ноябре 2006 года актеры «Синематографа» были приглашены в качестве ведущих церемонии закрытия III Mеждународного кинофестиваля «Кино без барьеров»^[4] на сцене театра ET CETERA.

В декабре 2006 года на сцене Студенческого театра ГУ-Высшей Школы Экономики представлена концертная программя «Поговорим о пус.тяках». В Доме Актера на Арбате Состоялась премьера музыкального спектакля «В переулочках Монмартра», в основу которого легли французские эстрадные песни. Концертный вариант этой программы называется «Люди и страсть» (‘’Les gens et la passion’’).

19 января 2008 года в театре на Таганке состоялась премьера спектакля «Пошли мне, Господь, второго» (режиссёр Илья Казанков), приуроченная к 70-летию Владимира Высоцкого. Поддержка при подготовке спектакля была оказана Департаментом культуры города Москвы, Домом Высоцкого на Таганке, а также Никитой Владимировичем Высоцким лично. Это событие получило широкий резонанс в прессе. В частности, в РИА Новости было отмечено:

Первую серьезную работу, спектакль по песням и стихотворениям Высоцкого, недавние выпускники актерского факультета ГСИИ создавали под руководством молодого режиссёра Ильи Казанкова, студента ВГИКа — такого же поклонника творчества Владимира Семеновича, как и актеры «Синематографа». Перенести произведения Высоцкого на жесты молодым и дерзким художникам не помешал ни языковой барьер, ни отсутствие опыта работы в театре у кинорежиссера Ильи Казанкова. «Пошли мне, Господь, второго» публика приняла на ура.[5]

30 октября 2008 года состоялась премьера спектакля Le Рetit café (режиссёр Варвара Гребельная). Резензии на спектакль полны ярких эмоциональных подробностей, как и сама постановка:

В силу своей специфичности и уникальности труппе удается удерживать в течение полутора часов особый ритм и точность. Я не знаю, как это им удается, а сей факт уже говорит о том, что актеры выполнили свою задачу…Перед нами – бурная смена эмоций, встречи, расставания, воровство, экспрессия танго, а в качестве музыкального оформления в наших ушах – песни в исполнении Мирей Матье, Ин-Грид, Сальваторе Адамо, Адриано Челентано, Далиды и Алена Делона…[6]

13 ноября 2009 года состоялась премьера спектакля «Записки сумасшедшего» (режиссёр Андрей Назаренко) по повести Н. В. Гоголя. Это первый спектакль, в котором не используется жестовая песня, и основой акцент сделан на драматическом действии. В сюжете телекомпании НТВ была точно выделена главная идея театра и нового спектакля, в частности:

«Записки сумасшедшего», как и все, что делает театр «Синематограф» — и для слышащих, и для глухих. В труппе нет такого деления, а значит, и в зале быть не должно[7]

14-15 ноября 2009 года прошли первые выездные спектакли в Санкт-Петербурге, положившие начало гастрольной деятельности театра. В эти дни в Петербурге с аншлагом были показаны 2 спектакля.

17 февраля 2011 года состоялась премьера сюрреалистического спектакля «Вдовы» (реж. Андрей Назаренко).

Театр закрыт в 2013 году^{[источник не указан 1597 дней]}.

Директор — Ирина Кучеренко

Художественный руководитель (до 2011 года) — Андрей Назаренко

Постоянный актёрский состав

• 2008 — «Пошли мне, Господь, второго», спектакль-баллада по стихам и песням Владимира Высоцкого, Андрея Вознесенского и Семена Гудзенко — премьера 19 января 2008 года
• 2008 — Le Petit cafe, мюзикл — премьера 10 ноября 2008 года
• 2009 — «Записки сумасшедшего», драма по повести Н. В. Гоголя — премьера 13 ноября 2009 года
• 2011 — «Вдовы», сюрреалистический спектакль о смертельной легкости небытия. Славомир Мрожек — премьера 17 февраля 2011 года
• 2012 — «Двойник», драма по пьесе Фридриха Дюрренматта — премьера 11 февраля 2012 года, режиссёр Аида Хорошева

• 2008 — лауреат Конкурса артистов эстрады имени Бориса Брунова (Россия, г. Москва)
• 2010 — участник Первого фестиваля пластических театров Hand made (Россия, г. Санкт-Петербург)
• 2010 — лауреат IX Международного фестиваля сценических искусств BITEI-2010 (Молдова, г. Кишинев)
• 2010 — лауреат XV Международного театрального фестиваля в Анкаре^[8] (Турция, г. Анкара)

Синематографъ — это… Что такое Синематографъ?

Синематографъ (театр) — театр, актеры которого играют на визуально-пластическом языке. Театр работает в Москве. На сцене «СинематографЪ» объединяет стихи, песни и литературные тексты с языком жестов. Обязательный этап постановки каждого спектакля — изобретение жестов, понятых каждому человеку, на каком бы языке он ни говорил, какой бы процент слуха ни имел.

У этого театра нет официального статуса и крыши над головой, но есть свои фанаты. Нет режиссера, но есть спектакли, которые потрясают даже искушенных театралов. Актеры говорят на языке, который известен не каждому, однако публика все понимает.[1]

История театра

В 2006 году выпускники Государственного специализированного института искусств^[2] (г. Москва) приняли решение о создании собственного театра.

Уже в июне 2006 года была снята первая работа «Синематографа» с использованием языка жестов — клип «Summer loving»^[3] (режиссер Екатерина Телегина) на песню «Summer Nights» из к/фильма Рэндла Клайзера «Бриолин». В ноябре 2006 года актеры «Синематографа» были приглашены в качестве ведущих церемонии закрытия III Mеждународного кинофестиваля «Кино без барьеров»^[4] на сцене театра ET CETERA. В декабре 2006 года на сцене Студенческого театра ГУ-Высшей Школы Экономики представлена концертная программя «Поговорим о пус.тяках». В Доме Актера на Арбате Сотоялась премьера музыкального спектакля «В переулочках Монмартра», в основу которого легли французские эстрадные песни. Концертный вариант этой программы называется «Люди и страсть» (‘’Les gens et la passion’’).

19 января 2008 года в театре на Таганке состоялась премьера спектакля «Пошли мне, Господь, второго» (режиссер Илья Казанков), приуроченная к 70-летию Владимира Высоцкого. Поддержка при подготовке спектакля была оказана Департаментом культуры города Москвы, Домом Высоцкого на Таганке, а также Никитой Владимировичем Высоцким лично. Это событие получило широкий резонанс в прессе. В частности, в РИА Новости было отмечено:

Первую серьезную работу, спектакль по песням и стихотворениям Высоцкого, недавние выпускники актерского факультета ГСИИ создавали под руководством молодого режиссера Ильи Казанкова, студента ВГИКа — такого же поклонника творчества Владимира Семеновича, как и актеры «Синематографа». Перенести произведения Высоцкого на жесты молодым и дерзким художникам не помешал ни языковой барьер, ни отсутствие опыта работы в театре у кинорежиссера Ильи Казанкова. «Пошли мне, Господь, второго» публика приняла на ура.[5]

30 октября 2008 года состоялась премьера спектакля Le Рetit café (режиссер Варвара Гребельная). Резензии на спектакль полны ярких эмоциональных подробностей, как и сама постановка:

В силу своей специфичности и уникальности труппе удается удерживать в течение полутора часов особый ритм и точность. Я не знаю, как это им удается, а сей факт уже говорит о том, что актеры выполнили свою задачу…Перед нами – бурная смена эмоций, встречи, расставания, воровство, экспрессия танго, а в качестве музыкального оформления в наших ушах – песни в исполнении Мирей Матье, Ин-Грид, Сальваторе Адамо, Адриано Челентано, Далиды и Алена Делона… [6]

13 ноября 2009 года состоялась премьера спектакля «Записки сумасшедшего» (режиссер Андрей Назаренко) по повести Н. В. Гоголя. Это первый спектакль, в котором не используется жестовая песня, и основой акцент сделан на драматическом действии. В сюжете телекомпании НТВ была точно выделена главная идея театра и нового спектакля, в частности:

«Записки сумасшедшего», как и все, что делает театр «Синематограф» — и для слышащих, и для глухих. В труппе нет такого деления, а значит, и в зале быть не должно.[7]

14-15 ноября 2009 года прошли первые выезные спектакли в Санкт-Петербурге, положившие начало гастрольной деятельности театра. В эти дни в Петербурге с аншлагом были показаны 2 спектакля.

17 февраля 2011 года состоялась премьера сюрреалистического спектакля «Вдовы» (реж. Андрей Назаренко).

Труппа

Директор — Ирина Кучеренко
Художественный руководитель (до 2011 года) — Андрей Назаренко

Постоянный актерский состав

Репертуар

• 2008 — «Пошли мне, Господь, второго», спектакль-баллада по стихам и песням Владимира Высоцкого, Андрея Вознесенского и Семена Гудзенко — премьера 19 января 2008 года
• 2008 — Le Petit cafe, мюзикл — премьера 10 ноября 2008 года
• 2009 — «Записки сумасшедшего», драма по повести Н. В. Гоголя — премьера 13 ноября 2009 года
• 2011 — «Вдовы», сюрреалистический спектакль о смертельной легкости небытия. Славомир Мрожек — премьера 17 февраля 2011 года
• 2012 — «Двойник», драма по пьесе Фридриха Дюрренматта — премьера 11 февраля 2012 года, режиссёр Аида Хорошева

Участие в фестивалях и конкурсах

• 2008 — лауреат Конкурса артистов эстрады имени Бориса Брунова (Россия, г. Москва)
• 2010 — участник Первого фестиваля пластических театров Hand made (Россия, г. Санкт-Петербург)
• 2010 — лауреат IX Международного фестиваля сценических искусств BITEI-2010 (Молдова, г. Кишинев)
• 2010 — лауреат XV Международного театрального фестиваля в Анкаре^[8] (Турция, г. Анкара)

Примечания

Ссылки

Синематограф — это… Что такое Синематограф?

синематограф — синематограф …   Орфографический словарь-справочник

синематограф — 1. см. кинотеатр. 2. см. кино Словарь синонимов русского языка. Практический справочник. М.: Русский язык. З. Е. Александрова. 2011. синематограф …   Словарь синонимов

СИНЕМАТОГРАФ — СИНЕМАТОГРАФ, синематографа, муж. (см. кинематограф; во франц. произношении) (устар.). То же, что кинематограф. «Надя исчезала либо к подруге, либо в синематограф.» А.Н.Толстой. Толковый словарь Ушакова. Д.Н. Ушаков. 1935 1940 …   Толковый словарь Ушакова

Синематограф — может означать: Синематографъ название театра Архаичный термин для кинематографа …   Википедия

синематограф — а, м. cinématographe m. устар. Кинематограф. БАС 1. Внебрачный правнук аристона, Синематографа кузен Под мрачной фирмой граммофона Россию взял в крамольный плен. Стих. сатира 1908 65. Видишь ли. милая.. Мне не нравятся эти хождения по театрам и… …   Исторический словарь галлицизмов русского языка

синематографіст — іменник чоловічого роду, істота іст …   Орфографічний словник української мови

синематограф — синематограф. см.: кинематограф …   Словарь трудностей произношения и ударения в современном русском языке

СИНЕМАТОГРАФ — КИНЕМАТОГРАФ, КИНЕТОГРАФ или СИНЕМАТОГРАФ (греч., записывающий движение). Прибор, воспроизводящий, при помощи целого ряда моментальных фотографических снимков, передаваемых на экране волшебного фонаря, все движения живых существ и неодушевленных… …   Словарь иностранных слов русского языка

синематограф — синемат ограф, а …   Русский орфографический словарь

синематограф — а, ч., заст. Кінематограф …   Український тлумачний словник