Три медведя в сосновом бору: как картина Ивана Шишкина стала конфетой

https://ria.ru/20170125/1486380782.html

Три медведя в сосновом бору: как картина Ивана Шишкина стала конфетой

Три медведя в сосновом бору: как картина Ивана Шишкина стала конфетой — РИА Новости, 25.01.2017

Три медведя в сосновом бору: как картина Ивана Шишкина стала конфетой

185 лет назад, 25 января 1832 года, родился Иван Шишкин, возможно, – самый «народный» русский художник. В советское время репродукции его картин висели во… РИА Новости, 25.01.2017

2017-01-25T10:00

2017-01-25T10:00

2017-01-25T12:10

/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content

/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content

https://cdnn21.img.ria.ru/images/54748/63/547486356_0:85:2001:1210_1920x0_80_0_0_8250ac866466511519b31817e5af6ae7.jpg

ссср

РИА Новости

1

5

4.7

96

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og. xn--p1ai/awards/

2017

РИА Новости

1

5

4.7

96

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Новости

ru-RU

https://ria.ru/docs/about/copyright.html

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/

РИА Новости

1

5

4.7

96

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

1920

1080

true

1920

1440

true

https://cdnn21.img.ria.ru/images/54748/63/547486356_138:0:1862:1293_1920x0_80_0_0_444f04d97f9f17128605f0fd012faaab.jpg

1920

1920

true

РИА Новости

1

5

4.7

96

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

РИА Новости

1

5

4. 7

96

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

ссср, иван шишкин

Культура, СССР, Иван Шишкин

МОСКВА, 25 янв — РИА Новости, Виктория Сальникова. 185 лет назад, 25 января 1832 года, родился Иван Шишкин, возможно, – самый «народный» русский художник.

В советское время репродукции его картин висели во многих квартирах, а знаменитые медвежата с полотна «Утро в сосновом лесу» перекочевали на фантики конфет. 

Картины Ивана Шишкина до сих пор живут своей, далекой от музейного пространства, жизнью. Какую роль в их истории сыграл Владимир Маяковский и как медведи Шишкина попали на обертки дореволюционных конфет — в материале РИА Новости.

Двойка по арифметике

Знаменитую картину Шишкина в народе называют по-разному: «Утро в сосновом лесу», «Сосновый бор» и даже «Три медведя» (несмотря на то что медведей на картине четыре). Во многом виной тому сладости: новую «жизнь» произведению Шишкина подарили конфеты «Мишка косолапый» и шоколад «Три медведя».

Рецепт конфеты, как и ее упаковка, появились еще в дореволюционное время, когда фабрика называлась «Эйнем» — по имени ее основателя, немца Фердинанда Теодора фон Эйнема. Он много сил вкладывал в рекламу продукции и создал несколько серий конфет, в том числе «Русские художники и их картины». 

Фабрика договорилась с Павлом Третьяковым, которому на тот момент принадлежала картина «Утро в сосновом лесу», и разместила репродукцию Шишкина на фантике. 

© РИА НовостиКонфеты «Мишка косолапый» фабрики «Красный октябрь»

«Заведи Сберкнижку!»

В советское время дизайн фантика не изменился, зато «Мишка» стал самым дорогим лакомством: в 1920-е килограмм конфет продавали за четыре рубля. У конфеты даже появился слоган: «Если хочешь кушать «Мишку», заведи себе Сберкнижку!». Эту фразу поэта Владимира Маяковского даже начали печатать на обертках. 

Несмотря на высокую цену, лакомство пользовалось спросом у покупателей: художник и график Александр Родченко даже запечатлел его на здании Моссельпрома в Москве в 1925 году.  

В 1950-е конфета «Мишка косолапый» отправилась в Брюссель: фабрика «Красный Октябрь» участвовала во Всемирной выставке и получила высшую награду. 

Искусство в каждый дом

Но конфетами история «Утра в сосновом лесу» не ограничилась. Другим популярным направлением в советское время были репродукции классических произведений искусства. 

© Фото : Public DomainИван Шишкин. «Рожь». Холст, масло. 1878 год.

© Фото : Public Domain

В отличие от картин маслом они стояли дешево и продавались в любом книжном магазине, поэтому были доступны почти каждой семье. «Утро в сосновом лесу» и «Рожь», еще одна популярная картина Ивана Шишкина, украшали стены многих советских квартир и дач.

«Мишки» попали и на гобелены — излюбленную деталь интерьера советского человека. За столетие «Утро в сосновом лесу» стало одной из самых узнаваемых картин в России. Правда, случайный зритель вряд ли с ходу вспомнит ее настоящее название.  

В обмен на наркотики

В Белоруссии у наркоторговцев изъяли похищенную в России картину Шишкина

25 января 2017, 11:08

Творчество Ивана Шишкина пользуются успехом у грабителей и мошенников. 25 января сотрудники МВД Белоруссии обнаружили похищенное в России произведение искусства в машине у наркокурьеров. Картина «Лес. Ели» 1897 года была украдена в 2013-м из Вязниковского историко-художественного музея во Владимирской области. По предварительной информации наркокурьеры привезли полотно в Белоруссию по просьбе потенциального покупателя из Европы. Стоимость картины может достигать двух миллионов долларов, однако злоумышленники планировали продать ее за 100 тысяч евро и три килограмма кокаина. 

В прошлом году сотрудники уголовного розыска заподозрили 57-летнюю женщину в хищении картины «Преображенское» 1896 года. Женщина получила эту работу от известного коллекционера для продажи, однако, по версии следствия, присвоила ее. 

Охота за лесным пейзажем. Как работал Иван Шишкин | Персона | Культура

«Утро в сосновом лесу», «Рожь», «Опушка леса», «Лесные дали», «Дубовая роща» — каждый образованный человек может вспомнить и описать не одну картину Ивана Шишкина. Но не всем известно, каким человеком был этот великий русский живописец и как работал над своими пейзажами.

Главное «разочарование»

Иван Шишкин родился в небольшом провинциальном городке Елабуга, расположенном у берегов Камы. Его отцом был небогатый купец Иван Васильевич Шишкин, который планировал научить сына своему ремеслу. Однако все попытки сделать из юноши торговца закончились неудачей: арифметика и грамота будущему художнику давались с трудом, а из гимназии его выгнали уже после 4 курса. Вместо учёбы Шишкин предпочитал часами бродить по лесу, восхищаясь его красотой: уже во время этих прогулок он делал этюды.

В семье будущей знаменитости к его занятиям живописью относились, мягко говоря, неблагосклонно. Строгая мать была убеждена, что художник — это не профессия. «Господи, да неужели же мой сын будет маляром!» — не раз в сердцах восклицала Дарья Романовна.

Несмотря ни на что упрямый мальчишка сумел убедить окружающих в своём намерении стать живописцем. Хотя особенных успехов от него никто не ждал, он без труда поступил в Московское училище живописи, а после его окончания в петербургскую Императорскую художественную Академию, где был признан одним из самых талантливых учеников.

«Певец русского леса». Лучшие полотна Ивана Шишкина

«Сторожка в лесу», 1870 год. © Public Domain

«Берёзовый лес», 1871 год. © Public Domain

«Берёзовая роща», 1878 год. © Public Domain

«Рожь», 1878 год. © Public Domain

«Опушка леса», 1882 год. © Public Domain

«Ручей в берёзовом лесу», 1883 год. © Public Domain

«Лесные дали», 1884 год. © Public Domain

«Дубовая роща», 1887 год. © Public Domain

«Утро в сосновом лесу», 1889 год. © Public Domain

«На севере диком…», 1891 год. © Public Domain

«Лес», 1895 год. © Public Domain

«Певец русского леса». Лучшие полотна Ивана Шишкина

«Сторожка в лесу», 1870 год. © Public Domain

«Берёзовый лес», 1871 год. © Public Domain

«Берёзовая роща», 1878 год. © Public Domain

«Рожь», 1878 год. © Public Domain

«Опушка леса», 1882 год. © Public Domain

«Ручей в берёзовом лесу», 1883 год. © Public Domain

«Лесные дали», 1884 год. © Public Domain

«Дубовая роща», 1887 год. © Public Domain

«Утро в сосновом лесу», 1889 год. © Public Domain

«На севере диком…», 1891 год. © Public Domain

«Лес», 1895 год. © Public Domain

«Лесной царь»

Первые встречи с Шишкиным у окружающих обычно вызывали смешанные чувства. Он казался угрюмым и неразговорчивым человеком. В училище художника за глаза даже называли монахом. И только в компании друзей он раскрывался совсем с другой стороны. О собраниях членов Артели художников Илья Репин писал так: «Громче всех раздавался голос богатыря Ивана Шишкина: как зелёный могучий лес, он заражал всех своим здоровым весельем, хорошим аппетитом и правдивой русской речью».

Едва ли не половину жизни Шишкин провёл в одиночестве в лесу, работая над своими этюдами. «Работать! Работать ежедневно, отправляясь на эту работу, как на службу. Нечего ждать пресловутого „вдохновения“… Вдохновение — это сама работа!» — говорил художник. Образцом трудолюбия он считал французского писателя Эмиля Золя, который ежедневно писал в определённые часы определённое количество страниц. К этому же стремился и сам Шишкин. Каждый день он возвращался к работе в одно и то же время и работал без устали, иногда простаивая у мольберта от рассвета до поздней ночи, забывая даже о еде.

Современники прозвали Шишкина «лесной царь»: он как никто другой умел и любил рисовать лес. За день в поисках впечатляющей натуры пейзажист исхаживал десятки километров. Облюбовав этюд, он обыкновенно расчищал кустарники, обрубал сучки, чтобы ничего не мешало ему видеть выбранную им картину, потом устраивал себе сиденье из сучьев, делал простой мольберт и располагался как дома. Обычно художник брал с собой большую сумку с едой не только для себя, но и для животных. Однажды Шишкин признался жене, что смог приручить волчицу, возле логова которой работал целое лето: он научил животное брать еду с руки.

До сих пор исследователи спорят о том, для каких целей Шишкин брал с собой «на работу» топорик. Одни утверждают, что иногда вместе со знаменитым пейзажистом над картиной трудились крестьяне, которые при необходимости спиливали деревья, мешавшие идеальному пейзажу. Другие убеждены, что живописцу такого масштаба «подчищать» натуру не было необходимости. Наоборот, Шишкин умел и любил компоновать детали разных пейзажных видов в одну композицию. Например, в картине «Рожь» объединены два мотива: поле с убегающей вдаль дорогой и могучие сосны, которые критик Владимир Стасов, современник художника,сравнивал с колоннами древнерусских храмов.

Строгий учитель

«Художнику нужно избрать одно, что ему больше всего полюбилось. И вам советую полюбить одно. Только тогда будете с успехом совершенствовать любимое. Разбрасываться никак нельзя», — будучи известным живописцем, советовал молодым художникам Шишкин.

Автору «Лесных далей» в излюбленной теме не было равных: в этом не сомневались ни 100 лет назад, ни сейчас. Но всем хорошо известно, что «лесной царь» в своих работах практически не изображал животных и людей. Одни исследователи считают, что делать этого он не любил, другие — что не умел. Даже для одной из самых знаменитых картин Шишкина — «Утро в сосновом лесу» — медведей нарисовал друг мастера, художник Константин Савицкий (первоначально картина выставлялась с подписями двух авторов).

Среди картин Шишкина редко можно встретить и зимний пейзаж: художник работал с натуры, а рисовать на холоде было непросто. Своих учеников Шишкин всегда учил, что «главное дело пейзажиста не зимой, а летом». В холодное же время года он заставлял своих подопечных делать рисунки с проецируемых на большое полотно диапозитивов, сделанных с его лесных картин и гравюр.

Кстати, ученики страшно боялись мастера, потому что он жестоко критиковал их за ошибки. Во время работы Шишкин по очереди подходил смотреть их этюды и делал свои замечания. Знаменитый художник и ученик Шишкина Андрей Шильдер вспоминал, как во время «летних работ», издали завидев фигуру своего учителя, направляющегося в его сторону, обычно не мог справиться с волнением и, оставляя этюд, буквально уползал в кусты.

Скромный гений

Шишкин был строг не только к своим ученикам. Современники отмечали, что великий пейзажист отличался необычайной самокритикой. Когда он заканчивал работу над картинами, всегда начинал переживать, что на выставке они окажутся хуже всех. Однако всякий раз история заканчивалась тем, что ещё до официального открытия экспозиции кто-нибудь приобретал его работы.

Даже в последний год жизни накануне очередной выставки Шишкин волновался не меньше, чем в те дни, когда был лишь начинающим художником. Он поочерёдно приглашал знакомых посмотреть на его работы и высказать своё мнение, которое у всех было одинаковым. Более того, Шишкин долго не верил, что его картину «Корабельная роща» хотят приобрести для музея Александра III, а, когда получил извещение о покупке, начал печалиться об участи других полотен: «Наверное, не продадутся, кто их купит!»

К сожалению, эта выставка ещё не успела закончиться, когда в газете «Неделя» появилась статья журналиста Дмитрия Успенского: «Передвижная выставка в трауре: вскоре после её открытия скончался на 67 году жизни Иван Иванович Шишкин. Это был прекрасный человек, с виду суровый, на самом деле добряк, по внешности — волостной старшина, на самом деле — тончайший художник».

Шишкин скончался 20 марта 1898 года с углём в руках, начиная на белом холсте большую новую картину.

Художники по жанру: Пейзаж — WikiArt.org

Пейзаж как жанр — это изображение природной сцены, не подчиненное описанию сюжета. Художники рисовали природу с древних времен, но в западном искусстве этот предмет считался второстепенным до Голландского Золотого века.

На протяжении веков художники использовали различные техники для изображения пейзажа, чтобы удовлетворить самые разнообразные коммуникативные потребности. В египетском, а затем и в греческом искусстве были образцы пейзажа или взятые из него элементы, как в IX в.0005 Нилотский пейзаж на папирусе

, найденном в гробнице Менны (ок. 1420 г. до н. э.), или на фресках Акротири (ок. 1500 г. до н. э.), также с речной тематикой.

В римском искусстве этот жанр стал приобретать автономный характер. Римляне рисовали пейзажи для украшения стен domus (типа домов, занимаемых высшим классом) яркими красками и сценами, полными реалистичных деталей, как на фресках виллы Ливии (до 79 г. н.э.), расположенной в Помпеи, представляющие собой цветущий сад.

В раннехристианском искусстве вплоть до Средневековья не было примеров автономных пейзажей. В восточном и византийском искусстве природные элементы были почти устранены, заменены сусальным золотом в качестве фона сцен, а в западном искусстве пейзажи стали нереалистичным фоном. Природа рассматривалась только с символической точки зрения; пейзажи были абстрактными, плоскими и лишенными перспективного пространства, как это видно на мозаиках Сант-Аполлинаре-ин-Класс (середина VI века) в Равенне.

Эволюция ландшафта на Востоке пошла другим путем. Между 10 и 11 веками в китайской живописи тема пейзажа развилась в настоящий жанр: горы, долины, реки писались часто, на разных материалах и в разных форматах, от декоративных валиков до собственно живописи, как мы видим. в Очищение осеннего неба над горами и долинами (1072) Го Си.

На Западе, в 14 веке, в Тоскане представление пейзажа снова стало реалистичным под влиянием фигуры святого Франциска и его поэмы Il Cantico delle Creature

(1224). Эта поэма была одой Богу, в которой святой восхвалял его за все, что он сотворил, как природные стихии, животных, растения, плоды земли. Это стихотворение было настолько известно, что оказало влияние на итальянское и западное искусство, вернув реальность природы в глаза живописцам, которые стали изображать ее более реалистично.

В Интернациональной готике это направление распространилось в Европе. Пейзаж остался фоном, но он был богат деталями и выдержан в размерах. Он взял на себя фундаментальную роль показа работы человека и его господства над природой, образа творческой деятельности Бога, который в начале Бытия создал природную реальность и Эдемский сад. Средневековые пейзажи изображали жизнь в городах и работу в деревне, как в Эффекты хорошего правительства в городе (1338-39) и Эффекты хорошего правительства в сельской местности (1338-39) Амброджо Лоренцетти.

В эпоху Возрождения изображение пейзажа приобрело новые технические и формальные характеристики. Художники усовершенствовали реалистичное изображение природы, используя технологические инновации. Изобретение Филиппо Брунеллески линейной геометрической перспективы приблизило пейзажи к реальному миру, как на фресках Мазаччо в капелле Бранкаччи (1424-28). Пейзаж стал неотъемлемой частью картин. Он использовался художниками как место для символического языка: Пьеро делла Франческа в 9 в.0005 Воскресение Сан-Сеполькро (1450-63) сообщает о победе Христа над смертью с проходом между голыми деревьями и цветущими деревьями.

Затем воздушная перспектива, которую изучал Леонардо да Винчи, ввела в искусство восприятие атмосферы, влажности воздуха и постепенного удаления и размытия цветов. Его картина «Богородица с младенцем и Святой Анной» (ок. 1503 г.) — один из шедевров, в которых он превосходно применил эту технику для изображения горного хребта на заднем плане. С Джорджоне и его

Буря (около 1506 г. ), итальянское искусство открыло возможность «изображать живые и естественные вещи без рисования перспективы», как писал Джорджо Вазари.

В то же время в центральной и северной Европе такие фламандские мастера, как Ян Ван Эйк ( Поклонение Агнцу , 1432) или Иоахим Патинир ( Пейзаж со святым Христофором , ок. 1520), взяли новый курс в представление о пейзаже. Они могли за минуту запечатлеть детали яркими красками, используя новое изобретение: масляную живопись.

В 16 веке пейзаж постепенно становится главным действующим лицом изображений, но только в 17 веке он превращается в самостоятельный жанр. Строгие правила Контрреформации повлияли на искусство, осудив его декоративные и антиморальные аспекты. Великие астрономические открытия, начиная с Галилея, изменили видение человека и его отношения с миром и вселенной, показав величие космоса. Затем произошел взрыв пейзажной живописи: этот жанр был нейтральным по своему содержанию и служил для демонстрации новых знаний.

Даже в библейских сюжетах сакральный сюжет становился небольшой частью картин, уступая место изображению природы и мироздания, наблюдаемым и изображаемым в ее ярких деталях, как в произведении Адама Эльсхаймера, которое в Бегство в Египет (ок. 1609), запечатлевшее на холсте первое видение Млечного Пути.

Однако официальное принятие пейзажной живописи в Академию художеств произошло благодаря французу Пьеру-Анри де Валансьену. В 1800 году он опубликовал книгу « Элементы практики перспективы» , в которой преследовал эстетический идеал исторического пейзажа, который должен был основываться на изучении реальной природы. Следующие поколения французских художников посвятили свое искусство пейзажу: наиболее значительным примером был Жан-Батист-Камиль Коро. Среди его выдающихся пейзажей

Мост в Нарни (1826 г.) или Вид на лес Фонтенбло , (1830 г.).

В начале 19 века, с распространением романтизма, жанр пейзажа транслировал романтическое видение природы, схваченное по идее природного «возвышенного». Он видел природу как силу, превосходящую человека, пойманную во всем своем величии, которая порождает удивление, трепет и влечение к своей силе. Мы можем наблюдать это в картинах Каспара Давида Фридриха, таких как Аббатство в Оквуде , (1809), или Меловые скалы на Рюгене (1818).

В это же время в Англии Уильям Тернер выставил свои картины и представил их в Королевской академии. В таких полотнах, как Снежная буря (ок. 1842 г.) или Озеро, Петворт, Закат; Sample Study (c. 1827-28) Подход Тернера к свету и цвету был настолько революционным, что художника теперь помнят как «художника света».

За последние 30 лет 19го века изобретения, сделанные промышленной революцией, нашли отражение в культурных движениях того времени. Рождение фотографии позволило точно воспроизвести реальность и присоединилось к живописи как новой художественной технике. Изобретение краски в тюбике позволило художникам работать на пленэре . Городское развитие изменило ландшафт, создав новые виды. Таким образом, пейзажная живопись стала одним из самых популярных жанров, особенно среди импрессионистов, таких как Моне, Мане, Писсарро, Ренуар, Сислей. Они исповедовали прямое наблюдение за ландшафтом и использовали быстрые методы, чтобы запечатлеть изменение света в течение дня и ночи. Одним из самых известных пейзажей группы стал Impression, Sunrise (1872) Моне, что стало источником названия движения. Их работы открыли путь революционным постимпрессионистским пейзажным видениям Ван Гога, Гогена и Сезанна.

В начале 20-го века изображение пейзажа в искусстве снова изменилось с приходом авангарда, который стремился порвать с традицией и техническими правилами. В кубизме пейзаж был одним из главных сюжетов. Наряду с натюрмортом и портретом пейзаж подвергался процессу визуального анализа и синтеза. Такие художники, как Брак в его Дома в Эстаке , (1908) или Пикассо в его Домах на холме (1909), одновременно изобразил все ракурсы, с которых наблюдал объект картины. Понятие времени как хронологии событий также было преодолено. Таким образом, образы были структурированы и геометричны, внимание художника было сосредоточено на форме. Цвета, как правило, были не очень живыми, а перспектива наблюдения была свободной и не изображалась прямо.

Абстрактное искусство еще больше отошло от изображения объективной реальности и стало передаваться через элементарные формы и цвета. Однако некоторые художники вызывали воспоминания о природе, которую можно увидеть среди форм и цветов, как, например, в картине Пауля Клее «9».0005 Пейзаж с флагом (ок. 1915 г.) или в импровизации Василия Кандинского 9 (1910 г.).

В сюрреализме пейзаж отделился от наблюдаемого и стал местом значений, связанных с видением мира бессознательного, где все кажется приостановленным во времени, как на картине Магритта Домен Арнгейма (1962) или Сальватора Дали Без названия. Пейзаж (1948).

В современном искусстве наиболее ландшафтно-ориентированным направлением является ленд-арт, где природа стала единственным главным героем, произведением искусства. Это трактуется по-новому и нетрадиционно: художники как Христо в The Floating Piers (2016) или Роберт Смитсон в Spiral Jetty (1970) вмешиваются непосредственно в ландшафт, изменяя его навсегда или временно, с помощью огромных сооружений. Эти работы нельзя считать пейзажем в традиционном понимании этого термина, но они, безусловно, являются началом нового взгляда на него.

Маддалена Монгера

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Пейзаж

Gurney Journey: Шишкин и фотография

Иван Шишкин, Вудленд. 1889. Холст, масло. 39 1-2 x 29 дюймов Дата 1889

Несмотря на то, что он был преданным и плодовитым художником-пейзажистом, русский художник-пейзажист Иван Шишкин также был большим поклонником фотографии, согласно статье в российских архивах.

Вплотную к фотографии он увлекся, работая в фотоателье Андрея Карелина в 1870 году, раскрашивая черно-белые фотографии для альбома, подаренного императору Александру II.

Шишкин призывал своих учеников работать с фото, особенно в разгар зимы, например, когда рисовать на улице было нецелесообразно. Шишкин писал в одном из своих писем:

«… Позвольте дать вам один главный совет, который лежит в основе всех моих живописных секретов и техник, и этот совет — фотография. Она — посредник между художником и природой и один из самых строгих наставников, которых вы когда-либо никогда не было. И если вы поймете разумный способ его использования, вы научитесь намного быстрее и улучшите свои слабые места. Вы научитесь рисовать облака, воду, деревья — все. Вы лучше поймете атмосферные эффекты и линейные перспектива и так далее…»

Шишкин увеличивал детали с помощью лупы, а также пользовался проектором. Когда он пришел преподавать в Академии изящных искусств в 1897 году, он особо упомянул о необходимости проекционного устройства типа «волшебного фонаря», чтобы помочь студентам учиться не только для увеличения фотографий, но и для представления рисунков в более крупном масштабе.

Несмотря на то, что фотографии широко использовались художниками в его время, Шишкин осознавал, что нельзя бездумно копировать. Он говорил своим ученикам, что то, как художник использует фотографию, выявит талантливого художника, потому что «посредственный художник будет рабски копировать с фотографии все лишнее, а человек с чутьем возьмет только то, что ему нужно».

Энтузиазм Шишкина в отношении современных инструментов, таких как фотография, неудивителен в эпоху технологических инноваций и в эпоху позитивизма, придававшего значение поддающимся проверке фактам. Его друг, художник-портретист Иван Крамской, также использовал фотографию, и он, вероятно, использовал ее для своего портрета Шишкина ниже:

120 Но Шишкин никогда не считал фотографию заменой живописи на природе с натуры. Крамской подивился его продуктивности: «Он пишет два-три этюда в день и каждый из них доводит до конца». Добавить комментарий Отменить ответ Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены * Комментарий * Имя * Email * Сайт